HART

EL PAPEL DE LA CULTURA EN TODO ESTO

2011-05-20T06:32:00.000-07:00

Hace tres años publiqué en este blog una entrada en la que hablaba de cómo nuestra sociedad estaba al borde de cambios que se tenían que producir por puro agotamiento de nuestra "forma de vida" basada en un supuesto bienestar que no es tal, y que realmente suponía someterse a una vida de esclavos bajo una ensoñación, a imitación del "sueño americano", que nos hacía creernos sujetos activos en un proceso de consumismo ilimitado en el que el propio valor de ese consumo desaforado se había convertido en un fín en sí mismo.
Esto tiene una relación muy importante, a mi modo de ver, con el papel que la cultura y el arte ha jugado en las últimas décadas, de supuesta "bonanza económica".
En ciertos aspectos no hay duda de que la vida imita al arte: el proceso especulativo cíclico como forma de vida y la conversión de los medios en fines, la pérdida de valores...todo ello son enfermedades que ahora estallan en la sociedad "real", pero que ya vienen precedidos por el comportamiento del arte.
En esto hay un concepto clave que es la ESPECULACIÓN, y que se ha propagado en la sociedad como un cáncer que ha contaminado a los propios ciudadanos, en el sentido de que ahora se han convertido en víctimas, pero en cierto modo también son (somos) culpables.
El comportamiento especulador se basa en un principio muy básico, que es el de comprar algo por menos de lo que vale, someterlo a un proceso de márketing y de puesta en valor ficticio, y venderlo por mucho más de lo que vale, es decir, la estafa pura y dura.
En el mundo de las artes este comportamiento ha existido desde hace mucho tiempo, amparado por teorías de vanguardia y por la connivencia no sólo de intereses privados, sino también de poderes públicos que han confundido (por ignorancia más que por complicidad) el tocino con la velocidad y han creído que ser moderno era eso, abandonarse a la idea de que el arte era ese proceso especulativo en el que los medios eran los fines y que la especulación, la venta de basura a precio de oro previa conversión en valor ficticio, eran realmente el motor del arte y de la cultura.
Los museos e instituciones públicas se han convertido desde hace tiempo en cobijo de ese tipo de arte fieramente especulativo, en el que el artista se ampara bajo el comodín de la IRONÍA para justificar un posicionamiento de evidente baja catadura moral, y la sociedad lo asume por la simplea razón de que no tiene vías ni canales de opinión al respecto, más allá de la indignación silenciosa.

El HARTISMO denunció desde su creación esta contradicción ética de la cultura oficial que padecemos, en la que ese maldito concepto de "ironía" se ha convertido, en verdad, en vanguardia, porque ha precedido realmente a un comortamiento generalizado de la clase política y las instituciones, que se comportan cada día más como un poder despótico en el que el ciudadano no tiene la más mínima voz, y para el que el derecho al voto se ha convertido en un simple placebo para idiotas.
Pero como la gente no es idiota, he llegado un momento en el que todo esto se ha puesto en tela de juicio de golpe, y en el que le indignación se ha hecho evidente y manifiesta sin miedo.

No sólo hay HARTISMOS en el arte, parece ser que en esta sociedad hay muchas razones para estar harto, y tienen todas una misma raíz y un mismo fondo, una forma de vida y de organización social que se agota, y cuyo agotamiento se ha hecho evidente en cuanto ha habido un medio (la red) que ha interconetado a la gente y le ha permitido ver que no está sola en su hartazgo.

En aquel artículo,de 2008, en este mismo blog, ya hablaba (y no es que vaya de profeta por la vida, es que se veía venir), de que los hartazgos que se vislumbraban en el mundo de la cultura y el arte acabarían produciéndose también en la sociedad, y aquí están.

Creo que en este momento el mundo de la cultura debe también tomar conciencia de que le corresponde también hacerse eco de todos los hartazgos que crecen cada día...el mundo del arte y de la cultura, en cierto modo, también ha sido cómplice de todo este "dejar hacer" que ahora revienta. Nuestra cultura de la subvención y de la supuesta protección a la cultura ha sido en el fondo un proceso de censura incruento, un silenciamiento institucional del que muchos creadores y editores son, o hemos sido, corresponsables.
Hemos visto como los gobiernos y las instituciones se han cansado de crear supuestos parapetos y mecanismos de protección a la cultura, que no eran tales (la SGAE, sin ir más lejos).
No sólo en muchos casos defendían industrias no precisamente autóctonas, como la industria cinematográfica norteamericana, so pretexto de hacerlo con el "cine español", sino que de aso se aseguraban tener apaciguado a un sector potencialmente hostil con el poder establecido como la cultura, que se ha amordazado por sí sola en las últimas décadas a golpe de subvención.

No se trata de hacer cultura panfletaria, sino cultura libre, como no se trata de hacer una sociedad panfletaria, sino una sociedad libre, en la que la "ironía" no sea una zona oscura de la ética en la que refugiarse para convivir con un sistema que ya lleva podrido mucho más tiempo de lo que parece.

Salud y fuerzas a las HARTOS. Yo también lo estoy, y mucho

II DÍA DEL ORGULLO PINTOR, EN SANTIAGO

2010-08-31T04:28:00.000-07:00

El sábado, 4 de septiembre, vamos a celebrar en Santiago la 2ª FIESTA DEL ORGULLO PINTOR. Como el año pasado, están invitados todos los pintores, dibujantes, ilustradores y similares que quieran pasar una tarde pintando o dibujando en (buena) compañía.
Estaremos a partir de las 5 de la tarde en los alrededores del CGAC, y a eso de las 9 iremos al estudio de Méndez a continuar la fiesta.
Esta quedada, organizada por los miembros del Hartismo, intenta poner en valor, reivindicar la pintura como Arte, como arte tan Contemporáneo como el que está dentro de los museos que llevan ese nombre.
Creemos que este concepto sin sentido, el de "arte contempóráneo", ha llevado a una dinámica que ha llenado los museos públicos (de "arte contemporáneo") de engendros infumables y de no-arte aburrido, que cada vez está más alejado del público que, directa o indirectamente, lo paga.
Para ello, a golpe de presunta teoría estética, se ha desplazado de este concepto (el de "contemporáneo"), a la pintura y el dibujo, como si fueran formas de arte obsoletas, y se ha condenado a pintores y dibujantes al ostracismo, a ser artistas de segunda categoría, excluídos de este tipo de museos y de espacios que sólo entienden como contemporáneo el arte que refleje las teorías que sustenten todo este absurdo.
Pero en fín, esto va a ser una jornada de fiesta....simplemente vamos a salir a pintar y a pasarlo bien, para que quienes dirigen este tipo de sitios caigan en la cuenta de que la pintura, mal que les pese, sigue existiendo.
Lo dicho, quien le apetezca ir, allí nos veremos...

BELLA CONTRA BESTIA

2010-07-17T06:15:00.000-07:00

El día después de la final del Mundial de fútbol de Suráfrica, el diario británico Dailymail describía muy acertadamente la victoria de España sobre Holanda con el titular "Beasts 0 Beauty 1". Después de ver el partido, y teniendo como recordatorio esta foto, que para este periódico fue portada, no hace falta explicar porqué.

No soy nada amigo de los símiles futbolísticos, de los que abusan nuestros políticos infantilizando muchas veces su discurso. Pero hablando sobre ARTE creo que que sí tienen algo de sentido. La vocación lúdica y estética, de gran espectáculo, que se encuentra en los deportes, y especialmente en el futbol, lo hace de alguna manera cercano al arte.

Y como en el arte, hay en el fútbol dos corrientes contrapuestas que siempre han coexistido y se han (o se les ha) enfrentado: el gusto por la belleza, el espectáculo, el respeto al espectador, contra el interés único y exclusivo por el resultado, el catenaccio, el desprecio por quien paga la entrada.

BELLO contra FEO, en resumidas cuentas.

A priori no hay nada que objetar en que coexistan dos (o más) maneras de entender un deporte, un arte, o una forma de vida, de hecho es deseable que exista más de una. No sería interesante ver un mundial de fútbol si todo el mundo jugase como España (y bastante menos si todos lo hicieran como Holanda). La homogeneidad aburre, la diversidad enriquece.

Sin embargo, durante los últimos tiempos, y hablo ahora de ARTE, la BELLEZA, la búsqueda de lo BELLO, entendiendo esto en un sentido amplio, no simplemente estético, se ha denostado y a pasado a considerarse desde los circuitos oficiales como algo cursi o naif, como si la fealdad fuese algo intelectualmente más interesante por defecto, o como si el hecho de no buscar necesariamente la belleza implicase por fuerza abrazar la fealdad, y el no-saber-hacer como un dogma de fe implícito a sangre y fuego en todo arte contemporáneo.

Muchas veces, demasiadas, la negación de la función del arte como una búsqueda de la belleza obedece, no a una conclusión conceptual e intelectualizada, como se quiere hacer ver, por parte de los artistas que defienden esta opinión, sino a una incapacidad o una imposibilidad de seguir ese camino, de emprender esa búsqueda, por algo tan simple como la carencia de talento.

Esta final del mundial, y muchos otros partidos de fútbol que he visto, sobre todo en esta competición, y con la selección española de por medio, me ha recordado un poco a esa idea. Un equipo con talento y ganas de ejercer su trabajo (jugar) es contenido por otro equipo que se aferra a las tan contemporáneas teórias de la deconstrucción. Es decir, destruir el juego del contrario, no proponer uno propio.

La excusa es muy fácil de plantear: "no todo el mundo tiene porqué jugar de la misma manera"..."no todo el mundo tiene que jugar al ataque, tener la posesión del balón"...vale, esta excusa tiene validez si se juega dentro de la acotación que permiten las reglas, pero si se sobrepasan (como ocurre casi siempre que se hacen este tipo de planteamientos), estamos ante un discurso, y ante un juego, evidentemente tramposo, y en cierto modo, usurpador: si no puedes o no sabes competir jugando, no juegues. Si no sabes proponer construyendo, y sólo destruyendo, no le protestes al árbitro.

La actitud que he visto en el equipo de Holanda en esta final del Mundial, actitud que ha abochornado a muchos de sus ilustres futbolistas, como Cruyff, o Gullit, es muy similar a la que he visto en gran parte del arte contemporáneo oficial en los últimos años: presentar el no-saber-hacer como una virtud, y el saber-hacer como un defecto, la destrucción como una manera de construcción más válida que la construcción en sí misma, y en resumidas cuentas, considerar la fealdad como una opción válida, y la belleza como algo sospechoso.

Lo bueno del fútbol es que lo ve mucha más gente que al arte (contemporáneo) y por tanto este tipo de discursos bizarros (así los describe el Dailymail cuando habla de las protestas de los Holandeses sobre el arbitraje) no engañan a nadie.

En el mundo del arte, los discursos tramposos de los defensores de la fé contemporánea tampoco engañan a nadie..la diferencia es que el público hace ya tiempo que ha huído, y ni tan siquiera se presta a pagar para ser engañado.

Seguirá habiendo en el mundo de la creación, del espectáculo, de las artes...quien defienda la prfesionalidad, la conceptualidad, la no-belleza y la deconstrucción. Están en su derecho a hacerlo (pero, por favor, sin trampas).

Y sequirá habiendo, y por supuesto, con el mismo derecho, quienes, como yo, defiendan la creación, el arte, el espectáculo (y el fútbol) como una búsqueda de la belleza, como una forma de conmover al espectador para la que el talento es necesario, y donde dar patadas al contrario no sirve más que para evidenciar que el talento está en ese contrario y no en tí.

CAG ARTE

2010-01-24T09:10:00.000-08:00

Los debates sobre arte no necesitan de museos, galerías ni tertulias llenas de humo, ni siquiera tertulianos interesantes. A veces pueden surgir de improviso y a traición en programas como La Noria, (a veces lo veo, si, ¿qué pasa?), que ayer nos brindó unos buenos momentos para la estupefacción, pero muy ilustrativos sobre ciertos derroteros que ha tomado el arte.

El debate en sí iba sobre Eurovisión. Como muchos sabrán, Telecinco ha intentado repetir la gracia que hace dos años urdió La Sexta, que presentó a un pseudo cantante, Chiquilicuatre, con aquella canción broma, el Chiki Chiki, con la que al final quedamos mejor en Eurovisión que cuando hemos participado en serio.

El caso es que la cadena amiga ha querido apuntarse un tanto parecido, olvidando que los chistes repetidos ya no hacen gracia, y ha presentado a la ronda de votaciones populares nada más y nada menos que a KARMELE cantando una canción, muy oportuna por cierto, tal y como están las cosas por el Caribe, titulada Soy un Tsunami.

Si la canción de por sí es lamentable, la puesta en escena de la intérprete sobrepasa con creces el límite del bochorno y la vergüenza ajena que un ser humano es capaz de soportar sobrio. Un personaje creado para la ocasión que es una mezcla entre la gallina caponata con diez copas de más y una de las cantantes de las Vulpes 40 años después de su (tampoco muy afortunado) show.

La canción, para más inri, contiene estrofas fascistoides que hablan sobre "los chinitos", y alguna más que ya no recuerdo porque nisiquiera quiero acordarme.

Después de una feroz campaña por parte de Telecinco intentando hacerle a la Primera la rima que todos estamos pensando, la cadena estatal optó, con buen criterio, por eliminar sin más a Karmele, y sin dar unas explicaciones que nadie en este caso merece.

Ella aparecía ayer en La Noria, simulando estar afligidísima (o estándolo de verdad, lo cual es peor aún) diciendo que TVE había cometido un acto inconstitucional (sic), que las personas que habían tomado esa decisión tenían que dimitir (sic también), y que ella iría a Oslo (a Eurovisión, vaya) como fuera.

En el debate que se improvisó en el plató sobre esta cuestión había alguna persona que defendía la participación de Karmele (Belén Esteban, por ejemplo), y otros que, con bastante más tacto del que merecía esta señora, trataban de convencerla de que ella no es una cantante y que estaba haciendo el ridículo.

Ahí es donde entró el argumento de la tal Karmele, que dejó todo el ridículo anterior en pura anécdota. Dijo que no tenía importancia que cantase bien o que cantase mal, y que "hay que abrir la mente" y "no ser elitista"y que, en suma "el arte es de todos" .

Inmediatamente esta frase me retrotrajo a los tiempos de la Facultad de Bellas Artes, en los que los alumnos más vagos, más jetas, más incapaces y con menos ganas de aprender ni de comunicar trataban de aprobar a base de presentar mierdas muy poco o nada curradas bajo la consignas como "todo el mundo es artista", o que "hay que abrir la mente". Una actitud que después veo reproducirse en museos, espacios de Arte Contemporáneo, etc etc.

Como los profesores que padecimos venían de la misma escuela, era a este tipo de alumnos a los que aupaban, promocionaban y protegían, como si el saber hacer las cosas bien, o al menos intentarlo, que es lo que hacíamos los otros, fuese un acto de maldad, de competitividad elitista, contra el hacer indocumentado, imporvisado y zafio de los "buenos salvajes" del "todo el mundo es artista".

Me hace gracia esta vocación "democrática" del arte, para la que todo el mundo (que pueda y tenga un rodillo de promoción detrás, claro) puede servir como artista, pero sólo una minúscula élite (formada por quien ellos concedan) puede servir como crítico o público documentado y creíble.

Veo en el intento de Karmele y Telecinco la misma furia usurpadora y enmierdadora de gran parte de la oferta de arte contemporáneo que aparece en nuestros museos.

De repente alguien sin la más mínima formación, sin nada que decir, y sin posibilidad ni habilidad para hacerlo, se declara artista, atraído por los oropeles del Museo, por el artisteo, y por la posibilidad de acceder a sus cinco minutos de fama, por una puerta que no le corresponde.

Se parapeta en un discurso cínico, cerrado y bien blindado , según el cual no se le puede negar a nadie ser artista,... y ya está hecho.

Yo no diría que Eurovisión es un festivalazo de la música y que me compro los discos de los que aparecen allí, más bien diría que es, hoy día, un monumento al kitch.

Pero hasta dentro del kitsch hay arte y hay basura, y la intentona de la cadena de Berlusconi (otro artista) no ha colado.

Eso dice bastante del mundo de la tele y de los festivales de la canción...el cachondeo y la tomadura de pelo al espectador tiene un límite.

En el mundo del arte, del arte contemporáneo, hace mucho tiempo que se ha rebasado el límite, hace demasido tiempo que nos meten Karmeles por artistas.

Demasiadas Karmeles.

EL CANTO DE CISNE DE LA CASPA

2009-12-18T14:28:00.000-08:00

Hoy, en el Diario EL PAIS aparece un excelente artículo del escritor Rafael Argullol, en el que habla de las miserias del Arte Contemporáneo, y el inexplicable servilismo que un importante sector de la intelectualidad, y también las instituciones públicas, han rendido y rinden a un arte oficial ya caduco, dictado por las casas de subastas, y por los beneficiarios de un mercado hiperinflacionado y enemigo del talento y de todo lo que se ponga enfrente, enfrente lo que se ha convertido en una de las mayores estructuras del timo, el propio "arte contemporáneo".

Los HARTISTAS hace tiempo que decimos abiertamente y sin complejos que lo que hoy se vende como transgresión no es más que docilidad y oficialidad, y lo que se vende como vanguardia no es más que caspa. Pero es importante que voces autorizadas como la de Argullol también rompan está ridícula Omertá, este miedo que impide exteriorizar a mucha gente lo que es un secreto a voces: que la mayoría de lo que nos venden como arte contemporáneo no es más que mierda, y además, mierda agresiva, beligerante con el talento y con la sensibilidad artística, que de ninguna manera ha muerto en el público.

En fín, el artículo entero puede verse en este enlace,

http://www.elpais.com/articulo/opinion/Arte/tiburones/elpepiopi/20091218elpepiopi_4/Tes/

y por si no se puede ver, lo reproduzco a continuación...

Bien por Argullol!....:

ARTE ENTRE TIBURONES

Al parecer, hay dos versiones sobre la muerte del marchante francés Ambroise Vollard en 1939, y en las dos interviene indirectamente Arestide Maillol. Según la primera, Vollard murió accidentalmente al ser golpeado por un bronce de Maillol que se deslizó por la repisa situada tras los asientos de su coche cuando el chófer del vehículo frenó bruscamente. De acuerdo con la otra versión, fue precisamente el chófer quien le asesinó al golpearlo repetidamente con la estatuilla de Maillol. En esta versión menos romántica el chófer era un asesino a sueldo de otro marchante. Sea como fuera, Vollard, a su muerte, era un hombre extraordinariamente rico que había convertido el arte en negocio con una habilidad sin precedentes. Picasso fue uno de sus artistas más notables, aunque es probable que su mejor operación financiera fuera la compra de 250 lienzos a un endeudado Paul Cézanne por 50 francos cada uno. Estos cuadros fueron vendidos, más tarde, por 40.000 francos y actualmente aquel fabuloso conjunto costaría en el mercado entre 3.000 y 4.000 millones de euros.
Se ha impuesto una idea reaccionaria del arte que traduce el valor artístico en términos económicos. Nadie puede oponerse al poder de Christie's y Sotheby's
Quien ha calculado el valor de los lienzos de Cézanne y recordado el misterio de la muerte de Vollard es el economista y experto en arte Don Thompson en el libro El tiburón de 12 millones de dólares, publicado en Londres el año pasado y recientemente traducido aquí. El libro de Thompson, rigurosamente documentado, puede ser leído desde varios ángulos. En apariencia, y como indica el subtítulo de la edición española, debe considerarse un estudio sobre la economía del arte contemporáneo y la función de las casas de subastas internacionales, como Christie's y Sotheby's a la cabeza. También es la historia pormenorizada de un gran fraude en el que los especuladores se mueven con la misma impunidad que los más distinguidos tramposos de Wall Street. Por último, El tiburón de 12 millones de dólares podría utilizarse como un excelente informe para explicarnos cómo ha podido convertirse en hegemónico un arte fraudulento auspiciado por engranajes mercantiles en los que la ignorancia con respecto a la gran tradición artística (incluida la vanguardista) sólo es superada por la codicia.
Este último aspecto es el que más me interesa, dado que las demás cuestiones quedan suficientemente aclaradas por el propio Thompson con un alud de datos difíciles de desmentir. En otras palabras, lo atractivo, creo, es preguntarnos cómo se ha impuesto, casi sin resistencia, una idea tan reaccionaria del arte para que tanta gente traduzca el valor artístico en términos económicos y mediáticos hasta encontrar lógica la confusión del estilo artístico con la marca comercial. Thompson demuestra de manera fehaciente cómo en las últimas décadas la imposición de la marca haigualado por completo el mercado del arte y los otros mercados.
La selección de artistas-marcas se ha realizado con los mismos criterios que la de los otros protagonistas emblemáticos del engranaje mercantil, con un creciente desinterés por el talento artístico a favor de la "capacidad de impacto". La consecuencia inmediata de este proceso ha sido la sistemática postergación de todos aquellos que no encajaban en el prototipo u ofrecían resistencia desde su particular concepción artística.
De hecho, el arte mercantilmente hegemónico de nuestros días, y el único visible en los medios de comunicación, es un arte en el que no hacen falta artistas ni críticas ni conaisseurs, ni público si quiera, con tal de que unos subasteros suficientemente poderosos hagan visibles marcas reconocibles. El impacto de la marca, metamorfoseado en obra, es el que influirá en los pujadores millonarios y en los responsables de los "museos contemporáneos", quienes, con dinero público, contribuirán a certificar el valor artístico de lo que inicialmente en la mente de los especuladores, es una operación especulativa.
Naturalmente, el tiburón al que se refiere Don Thompson en su título es el de Damien Hirst, el mayor fabricante de productos de impacto en los últimos lustros y taxidermista más bien mediocre, como lo demuestra el hecho de que su renombrado escualo conservado en formaldehído se deterioró hasta el punto de tener que ser sustituido por otro ejemplar. La elección de Hirst es acertada porque el carácter diáfano de su trayectoria lo hace representativo: no tanto, por supuesto, desde la perspectiva de sus propuestas materiales (lo que nos llevaría a la enojosa e irresoluble cuestión qué-es-una-obra-de-arte) sino del encaje en el engranaje que proporciona al mundo los artistas-marca. Thompson analiza con perspicacia cómo un tiburón australiano mal disecado, al que se ha titulado con perfecta arbitrariedad La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo llega a ser valorado en 12 millones de dólares y, en consecuencia, es transformado en una obra de referencia para el arte contemporáneo.
La supuesta provocación de Hirst es, desde luego, un puro cálculo, pero esto, aunque evidente para todo, no evita que se incorpore al circuito de la autoridad artística, y a esa autoridad se remitirán compradores particulares, museos contemporáneos públicos y bienales de arte encargadas de mostrar lo que verdaderamente cuenta. Lo retrógrado de la concepción que toma como baluarte a los Damien Hirst o Jeff Koons no se fundamenta en la lluvia de millones que cae sobre las cabezas de los que acatan el sistema, sino en la exclusión de los que, con igual o mayor talento, no lo acatan. El mercado usurpa todo el territorio pero, como afirma el crítico de arte Jerry Saltz, "el mercado es una tormenta perfecta de palabrería, interpretaciones sesgadas y especulaciones, una combinación de mercado de esclavos, parqué de bolsa, discoteca, teatro y burdel, donde una casta cerrada y cada vez más numerosa celebra unos rituales en los que los códigos de consumo y distinción se manipulan a la vista de todos".
A pesar de esta evidente manipulación, la tormenta perfecta se abate sobre todos los ámbitos privados y públicos. Con impecable lógica mercantil, los inversores compran productos que puedan reportarles rápidos beneficios; pero lo más demoledor es que los grandes museos acepten las mismas premisas e incorporen a sus fondos, como muestras del arte actual, las mercancías colocadas en el escaparate por los especuladores. En los últimos años, centros de referencia como el MOMA de Nueva York o la Modern Tate de Londres se han plegado a las exigencias de los subastadores y, con frecuencia, si no han adquirido determinadas obras ha sido porque algún nuevo rico ruso o algún excéntrico millonario japonés los ha superado en las pujas. A escala local, cientos de "museos de arte contemporáneo" han actuado según la misma servidumbre, creando así un canon sobre lo que significaba contemporaneidad en el trabajo artístico. A nadie le ha importado que Hirst confesara que eran sus técnicos, y no él, quienes llevaban a cabo las obras que él firmaba. Nadie ha reaccionado porque ya nadie, en las llamadas instituciones artísticas, puede oponerse al poder de Christie's y Sotheby's, y aún menos a las opacas maneras fraudulentas de los Madoff del arte.
Con todo, el escándalo no es tanto económico como artístico. Situado en las antípodas de la vanguardia, sin inconformismo espiritual alguno, el arte oficioso que resulta de estos mecanismos de selección es un arte acomodaticio y servil, por más que, al tener que responder a las piruetas impactantes que exige el mercado, quiera presentarse como provocador y original. Sin ningún género de dudas, las denostadas academias de bellas artes de los tiempos antiguos eran menos dirigistas que los grandes subasteros actuales, y los salones, aquellos ridículos salones que fueron objeto de las burlas de la modernidad, mucho más revolucionarios que la mayoría de nuestros museos de arte contemporáneo, tan estúpidamente arrodillados ante el poder y tan excluyentes. El escándalo no es tanto que un tiburón mal disecado, tras su transformación en obra de arte, quede valorado en 12 millones de dólares, sino que los depredadores devoren cualquier talento que trate de ir a contracorriente.

Rafael Argullol es escritor.

EL PAIS, 18/12/09

AUTORES Y DERECHOS

2009-12-05T04:48:00.000-08:00

En estos días parece que ha explotado una polémica latente ya desde hace tiempo en la que se enfrentan intereses, en apariencia contrapuestos, pero en la realidad fácilmente armonizables.

Es esa "guerra" entre "artistas" e "internautas" que se ha hecho patente tras el torpe anuncio del gobierno español de un proyecto de ley que permita cerrar páginas sin orden judicial si en ellas se violan presuntamente derechos de autor (pongo el "presuntamente· muy a propósito porque, al no intervenir el poder judicial basta con la presunción de culpabilidad y no la demostración judicial de la misma).

No se trata, en verdad, de una guerra, como se quiere hacer ver desde perspectivas simplistas o interesadas, entre creadores e internautas, sino más bien una llegada a un punto sin retorno entre entidades gestoras de derechos de autor y público en general, sea consumidor de productos culturales on-line o no.

Y este punto sin retorno, esta situación insostenible, la creó el propio gobierno con el despropósito del CANON digital, un impuesto que grava (y en porcentajes muy altos) los soportes digitales (incluyendo impresoras y teléfonos móviles), a TODOS los usuarios en previsión por las pérdidas que supuestamente generan a los autores y editores, presumiendo de antemano que cualquier usuario de soportes digitales es de antemano culpable de atentar contra la propiedad intelectual ajena.

Este despropósito legal legitimó, en cierto modo, la copia ilegal, desde el momento en que se hace pagar al público indiscriminadamente por un delito que no ha cometido, lo cual es más que una invitación a cometerlo , y con saña.

Además, se destinó el beneficio del impuesto a una sociedad privada (la SGAE) cuyos socios muy discutiblemente son los más perjudicados por la existencia de top-mantas, programas P2P y similares.

Me resisto a creer que personajes como Teddy Bautista, Jose Luis Borau, o Ramoncín, hayan sufrido o vayan a sufrir tan dolorosas pérdidas por la existencia de programas de intercambio de archivos digitales. Más bien creo que SE APROVECHAN del perjuicio económico( o más bién, el lucro cesante), que este tipo de tecnología causa en muchos otros artistas, la mayoría ni siquiera españoles y por lo tanto, no pertenecientes a la SGAE.

Pero el inmenso error del gobierno ha sido y es declarar a esta asociación beneficiaria en exclusiva del dinero de un impuesto público, y además hacer a TODA la ciudadanía pagana de un impuesto compensatorio de una actividad ilegal que no todos cometen.

Además, en determinados casos, como la industria cinematográfica (Jose Luis Borau es ahora el director de la SGAE) esta especie de impuesto revolucionario es especialmente sangrante: la industria del cine en España es absolutamente dependiente del dinero público. No hay más que ver que el parón de las subvenciones españolas que ha impuesto Bruselas ha parado todos los rodajes, demostrando que es el dinero público el que los sufraga casi totalmente.

Además, se obliga a las TVs que emiten en España, empezando por la pública, que paguen y emitan cine español, con lo cual nos encontramos con que el ciudadano de a pie está pagando, varias veces, no una, el sustento a la "industria cinematográfica española".

La ley Miró, de concesión de subvenciones a fondo perdido al cine español, es hoy arcaica y obsoleta. Nació en un contexto infracultural, justo tras una larga dictadura, y pudo tener sentido entonces (también eso es discutible, los creadores necesitan libertad, no dinero público), pero hoy carece totalmente de justificación.

El colectivo de cineastas españoles es visto por el público con una valoración muy negativa, y en gran parte es por esta situación de proteccionismo oficial que grava y penaliza al espectador, en vez de acercarlo al creador.

El cine francés, por ejemplo, creó hace tiempo la figura de la excepción cultural, que consistía en que los productos culturales franceses no fuesen uno más en la libre competencia de la distribución (que tampoco era libre dada la posición dominante de las majors norteamericanas), sino que tuviesen ciertas prioridades y ventajas en la distribución, y que fuesen susceptibles de descuentos para el espectador.

En muchos otros países, incluyendo España, se puso el grito en el cielo con el argumento de que los chauvinistas franceses iban "contra la libre competencia ".

LA LIBRE COMPETENCIA....aaaah, claro, la libre competencia es eso que siempre ha distinguido al cine español.

¿Es libre competencia que las películas las paguemos todos los ciudadanos españoles?¿es libre competencia que un director o productor que ha fracasado en taquilla, o que ni tan siquiera ha logrado estrenar sus películas vuelva a ser subvencionado y mantenido por el estado en su(s) siguiente(s) película(s)?...¿es libre competencia que las películas Ágora, de Amenabar, y Gordos, de Sanchez Arévalo, se anuncien con trailer completo en el telediario de la cadena estatal a la hora de máxima audiencia?¿porqué clamamos a favor de la libre competencia en un ámbito donde esta es totalmente inexistente?¿porqué llamamos industria cultural a algo que no es una industria?¿porqué no se declara a los productores y directores funcionarios, sin más, y se acaba con esta farsa?.

Puede que la excepción cultural francesa no sea la mejor idea del mundo, y que en cierto modo sea una legislación chauvinista e intrusiva. Pero desde luego, la legislación española sobre cultura lo es muchísimo más, y con mucho peores resultados.

A la larga, el resultado es que a un ciudadano francés le sale más barato disfrutar de un producto cultural francés que uno extranjero, y que la medida ha aumentado el público de las películas nacionales. En España, las películas españolas salen mucho más caras que las extranjeras al público español, que las paga varias veces, y encima el resultado ha sido que el público termina huyendo de ellas, considerándolas, con razón, un producto oficial políticamente correcto y no sujeto a ninguna exigencia de calidad.

Pero ya el colmo de todo esto es ver a los miembros de nuestra "industria" clamar en la entrega de los Goya o de los Mestre Mateo contra el top manta o la piratería, un problema que a nuestra "industria" no le afecta lo más mínimo. No depende de las ventas, y aunque lo hiciera, la triste realidad es que los compradores del top manta o los usuarios del emule pasan del cine español aunque sea gratis.

Y no porque sea malo...Hace una semana ví (EN EL CINE, OJO) la película CELDA 211 y me pareció una gran película, lo mismo que REC, otra buena película española que también ví (EN EL CINE, OJO -no vaya a ser que los esbirros de Ramoncín lean esto-)...pero al final, todo el cine hecho en España es víctima de la desconfianza injusta del público por culpa de una legislación mal planteada, centrada en financiar la creación y no apoyar la distribución, y haciendo pagar al público, al ciudadano de a pie, facuras que no le corresponden.

La industria de la música pop española tiene otro contexto diferente. No existen las subvenciones pero sí muchos artistas anclados en el pasado y reacios a admitir que en 30 años el mundo cambia.

Si en los años de apogeo de la movida, en los 80, se hubiesen manifestado en Madrid los grupos de los 60, los Pekenikes o el Dúo Dinámico, exigiendo poder seguir viviendo de su profesión como fuera, aunque ya nadie comprase sus discos, la gente se lo hubiera tomado como una gusas, una frikada irrelevante.

Y no es menos frikada que Aute, Loquillo o Rosario se manifiestan ahora pidiendo un hueco en una industria que no es que esté muriendo, es que está cambiando, como cambian también los gustos de un público, que ya no tiene hueco para ellos.

La gente no se baja mp3ses de Miguel Ríos, ni de Aute, el emule y los internautas no somos el enemigo de estos cantantes. Simplemente, es el tiempo.

El tiempo pasa para todos y para ellos también. Con todo el respeto que podamos tener los que hemos sido fans de alguno de ellos, la realidad es que no se puede pretender tener un público de masas durante treinta años. Puede que haya algunos , muy muy pocos que lo han conseguido, pero han sido tres o cuatro grupos en todo el mundo, y Rosario, Aute o Loquillo, (y no hablemos ya del rey del pollo frito) no están entre ellos. Punto.

Lo que ha sido posiblemente el detonante de toda esta movida de los internautas a favor de los derechos fundamentales en internet ha sido que el Gobierno ha anunciado su proyecto de ley un día después de la friki-manifestación de "artistas" en Madrid. Posiblemente haya sido una coincidencia, pero el público, muy quemado con el canon, subvenciones del cine, y demás, ha interpretado este proyecto de ley como una cesión a ese grupo de artistas que ven en INTERNET un enemigo que no es el suyo.

Además, en un contexto de fuerte crisis, es muy sangrante que colectivos que no deberían depender de ayudas clamen por ellas mientras los productores de leche, por decir un ejemplo, se van a la mierda ante la indiferencia del gobierno y dicho sea de paso, de los medios.

Mención aparte merece, en esa frikimanifestación de artistas, la presencia de triunfitos, pidiendo respeto a la propiedad intelectual.

Chavales que han accedido por la vía rápida a una fama que les desborda, cantando en un programa en la Tv pública, en el que se cantan canciones DE OTROS, sin el más mínimo respeto a la cuestión de la autoría, no pueden, no deben, hacer suyas reclamaciones de derechos de autor, pues en gran medida deben su fama al pisoteo de estos derechos (de autores de verdad) que ellos, en connivencia del canal público, han ignorado.

En definitiva, todo este vodevil no pasa desapercibido al público, que termina por explotar y entender que son sus derechos y su cartera las que siempre se recortan, sin tener muy claro que sea en pro de unas leyes justas, o cuanto menos, bien redactadas.

Es imprescindible una legislación CLARA y justa sobre los derechos de autor, pero sin frikis, sin ramoncines, sin SGAES, y con una clase política (gobierno Y OPOSICIÓN), que se moleste en conocer el tema del que va a hablar antes de coger un micrófono.

Os dejo con una fotografía de la Sede de la SGAE en Madrid, mirad que chabolita.

La foto no la he hecho yo, espero que Ramoncín sepa perdonarme.

Me uno al MANIFIESTO

2009-12-02T14:54:00.001-08:00

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…
1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.
Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por varios autores, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

COMICS Y ARTE DE VERDAD

2009-10-11T06:16:00.001-07:00

Hace unos días surgió una polémica, una batalla dialéctica librada sobre todo en la red, que comenzó cuando los dibujantes de comics, o los amantes y disfrutadores del medio, en general, leímos atónitos las palabras del escritor Vicente Molina Foix en las que arremetía contra los tebeos (y de paso, el cine de animación y otras muchas cosas).

El artículo puede leerse en el enlace

http://3.bp.blogspot.com/_pv9JmuoNuVE/SriV0Ig4CgI/AAAAAAAAOvo/8_JRlYHn_Xo/s1600-h/Foix_Comic.jpg

Dejando totalmente de lado polémicas y comentarios sobre este artículo en particular (cuya sóla lectura retrata su profundidad y documentación), lo cierto es que toda esta polémica, ya a toro pasado, es un buen ejemplo del ficticio conflicto entre lo que son ARTES con mayúsculas, el GRAN ARTE, y el arte de segunda categoría, de segunda división.

Yo soy, y siempre seré partidario de que cada uno opine como le dé la gana. Esté documentado mínimamente o no (como es en este caso), porque hay cosas que no dependen de la documentación de uno, sino de algo más intangible como son los gustos personales (aunque en este caso puede ser aventurado hacer de estos gustos un argumentario presuntamente objetivo).

De todos modos, hablar desinformadamente de las cosas, una actitud muy contemporánea, no suele ser un argumento de entrada muy recomendable para abrir o participar en un debate...sin embargo, basta ver cualquier debate televisado en cualquier canal de la tele, sobre cualquier tema, para darse cuenta de que hoy cualquiera se sienta autorizado para sentar cátedra sobre algo aunque lo desconozca.

Y esto es una cualidad omnipresente en dos tipos de personajes públicos:

1-los frikis, que opinan alegremente sobre cualquier tema, con cualquier interlocutor, y en cualquier foro, con la ingente autoridad que su propia estulticia les concede, ante la sonrojante convicción de que cuando no reciben respuesta (casi nunca) a sus opiniones es porque han dicho "una verdad como un templo", y no porque la vergüenza ajena impide contestar debidamente a los contertulios, incapaces de ponerse a la altura de alguien así. Ejemplos como este sobran en nuestras teles. Yo pondría el de Belén Esteban porque es el primero que se me ocurre ahora, pero es una plaga demasiado grande para personalizarla en este auténtico icono mediático contemporáneo.

En todo caso, yo nunca arrojaría la piedra contra este tipo de personas, incapaces de abarcar el calado de su idiotez, y ajenas por este mismo motivo a toda culpa, sino a quienes las utilizan como involuntarios bufones.

2-Los "grandes artistas". Seres que se creen por encima del bien y del mal, y que están convencidos de que, por dedicarse a cualquier faceta, (y a veces hacerlo bien) que exige una cierta preparación intelectual tienen un aval social que les permite explayarse en público sobre cualquier tema, por lejano que les resulte.

Digo deliberadamente "grandes artistas" porque se da esta condición (la de la opinión alegre) cuando trabajan en una de las grandes artes (es decir, básicamente las subvencionadas).

Cuando leo una entrevista a un buen dibujante de comics, por poner un ejemplo, que sea también un gran artista (para mí y para mucha gente hay unos cuantos, pero no para los medios y el gran público), suelo ver en sus opiniones sobre temas que le son algo lejanos mucha prudencia.

La misma que echo en falta muchas veces cuando opina un escritor, un "artista contemporáneo" o un director de cine.

Hoy, en el Diario EL PAIS, Elvira Lindo habla en un gran artículo ("Violación violación") de esa vaga facilidad para opinar de los ARTISTAS, que tiene que ver muchas veces con corporativismos mal entendidos, y en la que se vislumbra una peligrosa tendencia de algunos artistas al autoconvencimiento de que son seres superiores cuyas opiniones sobre lo que sea valen más que las de cualquier otro.

El citado artículo, que puede leerse aquí:

http://www.elpais.com/articulo/opinion/Violacion/violacion/elpepusocdgm/20091011elpdmgpan_1/Tes

cita como ejemplo de la vergozante corriente de opiniones de colegas de profesión a favor de Polanski (tras su detención por una violación hace treinta años a una niña de trece por la que nunca fué juzgado) unas palabras de Daniel Sanchez Arévalo (el artículo no cita su nombre pero yo sí, porque en su día ya sentí vergüenza al leer esto), en las que decía sobre la detención:"Me parece indignante, aunque no estoy muy informado del asunto".

La opinión del mencionado director tal y como la trancribió en su día el mismo diario está aquí:

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/Solidaridad/violador/elpepisoc/20091002elpepisoc_1/Tes

El artículo de Elvira Lindo aún le ha hecho el favor de suavizarla un poco.

De todos modos, este niñato, porque no tiene otro nombre, no ha sido el único que, desde el púlpito del GRAN ARTE, se ha lanzado a opinar sobre algo que desconoce. También lo han hecho, para mi sorpresa e infinita decepción, gente como Woody Allen o Almodovar.

Personajes, que desde su condición de artistas oficiales, se creen en el derecho, y a veces en la obligación, de tener una opinión formada sobre todo...con lo difícil que es eso.

La diferencia entre "ARTES" y "artes" para mí no existe. Sí creo que hay cosas que pasan por arte y no lo son (auque tampoco es que pasen por ello a ojos de mucha gente, pero sí de la suficiente, de la que administra-que no pone- el dinero), pero esto es otro tema.

El caso es que UP, película de la que también habla (despectivamente, claro), Molina Foix, para mí es una obra de arte, a pesar de que esté hecha con "plastilina", y que muchos comics lo son tanto como cualquier buena película, o buen cuadro o escultura.

Puede que la misma esencia del problema es que haya categorías de arte, que un estado esté dispuesto a gastarse 20 millones de euros en que un artista oficial pinte una cúpula como una discoteca de pueblo, o que los artistas emergentes de turno no pasen carencias de subvenciones jamás en su vida, en tanto que dibujantes de comics, pintores, ilustradores y artistas alternativos (pero alternativos de verdad) que en verdad hacen mover la cultura, se deban buscar la vida arriegando cada céntimo que gastan en la creación de su obra.

Puede que la esencia del problema es que los ARTISTAS teman tener que repartir el pastel que ahora se comen sólos con los artistas. De hecho, Molina Foix, autor por cierto, de dos películas, fracasos de taquilla, subvencionadas, pone el grito en el cielo por la concesión (con cuantía económica) de un premio Nacional de comic, quizás temeroso de que el pesebre de unos pocos tenga que aumentar los comensales.

Pueden estar tranquilos...los dibujantes de comics, los pintores...no queremos eso.

Preferimos que no haya pesebres para nadie.

Y así nadie disparará con la pólvora del rey.

Curioso que muchos de los detractores de las "pequeñas artes" como el comic -y como ha evidenciado Molina Foix, y algunos de los que le han respondido en la blogosfera-, se crean en la obligación de buscar a un miembro de las GRANDES ARTES que valide y certifique con su aval al pequeño y pobre arte del comic: Boris Vian, Ionesco, Nabokov...

El comic es un arte, pero aunque Nabokov no lo creyera así sería un arte exactamente igual.

Y la pederastia nunca será un arte aunque la practicase, en sus años mozos, Polanski.

BUROCRACIA, ES LA PALABRA

2009-09-08T14:22:00.000-07:00

En el diario EL PAIS del 7 de septiembre aparece un interesante artículo de Rafael Argullol, titulado Disparad contra la Ilustración, que puede verse en este enlace:

http://www.elpais.com/articulo/opinion/Disparad/Ilustracion/elpepuopi/20090907elpepiopi_4/Tes

En él, el ensayista hace una lectura pesimista del estado de nuestras universidades, que según él se adaptan siempre a dos formas de funcionamiento: la empresarial, en la que priman criterios de eficacia y de concepción de esa universidad como una entidad destinada a rentabilizarse y funcionar como una empresa, o a lo que él llama una "academia de tramposos", una escuela burocratizada donde el mérito del profesorado a la hora de optar a las plazas y de promocionar en su trabajo se sustituye por la habilidad para medrar en una tupida red burocrática.

Añade más adelante (el artículo merece la pena leerse en su totalidad) que una universidad excesivamente burocratizada es el triunfo de los tramposos, el triunfo de la astucia administrativa sobre la calidad científica.

Ojalá la Facultad de Bellas Artes donde yo estudié fuera al menos una Facultad burocratizada, donde los profesores llegasen a su puesto o promocionasen a base de leerse con lupa los DOGAS o los BOES cada desayuno. En esa facultad ni siquiera saber leer parecía ser necesario. Mucho más efectivo y resolutivo era el puro y simple roce físico con un profesor titulado para optar a una plaza.

Pero en fín, dejando a un lado miserias del pasado o vergüenzas del presente, lo que está claro es que la burocratización de la que habla Argullol no es algo propio de la Universidad en particular, sino en general de todo lo público, todo servicio o institución de relevancia que paguemos todos.

De hecho, la palabra burocracia viene muy al caso en muchas de las cosas que ponemos en tela de juicio desde el hartismo, relativas a la relación de los artistas, la administración, y en definitiva, el público que asiste a los foros que de esa administración dependen.

LLevo dos días tratando de solicitar una exposición colectiva en una entidad Cultural pública de mi ciudad. Después de unas 10 llamadas (los interlocutores me pasaban sucesivamente a otros y la persona "encargada" siempre había salido a "hacer una serie de recados"-imagino que en la cafetería-) y dos visitas en persona, y de no resolver absolutamente nada, me he dado cuenta de que burocracia es la palabra que andaba buscando.

Como cuando uno solicita una subvención, o una sala para proyectar un trabajo audiovisual, o lo que sea que alguna de las muchas instituciones públicas de reciente creación te pueden "resolver", lo primero que uno se encuentra es un muro burocrático descomunal, en el que el esfuerzo que exige simplemente solicitar algo es inversamente proporcional al esfuerzo que costaría resolverlo, si quienes deben hacerlo lo intentasen.

Me pregunto cuántos sueldos, cuantas personas, viven cada mes directamente de esa burocracia en salas públicas, centros culturales, agencias audiovisuales, museos de arte contemporáneo, auditorios, casas de la cultura, consellerías y ministerios de cultura, de fomento de la creación, etc, etc...y cuántos "problemas" resolverán al día esos centenares o miles de esforzados trabajadores (escogidos, a buen seguro, por rigurosa oposición).

De hecho me gustaría saber si todos estos centros no funcionarían mejor si no los atendiese, organizase o controlase absolutamente nadie.

Esta mañana, en mi travesìa en el desierto que cito como ejemplo, hablé con seis o siete personas distintas. O bien no sabían "quien llevaba ese tema", o me pasaban a otra persona que con frecuencia me pasaba a alguien con el que ya había hablado.

Seguro que esto que cuento no es una historia demasiado original. Pero hay ámbitos en los que el excesivo peso de la burocratización, y el peligro que conlleva, se hace mucho más grande.

La Sanidad, por ejemplo, también está muy burocratizada, pero si tu necesitas un servicio sanitario y te presentas después de haberte caído de la moto a 100 por hora, aún después de pasar la serie de controles pertinentes de preguntas estúpidas a destiempo ("¿ha estado alguna vez aquí antes?..¿qué seguro tiene?"), el médico te dirá : "EL PACIENTE SUFRE HEMATOMAS"...y casi seguro que no se equivocará.

Si te presentas con 39 de fiebre, tos, dolor muscular y toda tu familia ha tenido la gripe A, el médico te dirá (después de traspasar el muro burocrático): "EL PACIENTE ES POSIBLE QUE PADEZCA LA GRIPE A".

En fín, que en ámbitos como el sanitario, la burocracia modifica los medios pero no los fines, es un estorbo, pero no hace que te diagnostiquen gripe A cuando te caes de la moto, ni hematomas cuando te presentas con fiebre, tos y dolor muscular.

El problema serio ocurre en los ámbitos en los que la burocracia no se utiliza para diagnosticar al paciente, sino al doctor. En los ámbitos en los que para optar a un trabajo debe sobrepasarse un muro burocrático , por ejemplo, y no algo mucho más sencillo, que es demostrar valía en ese trabajo.

O como en el caso del arte, cuando acceder a uno de los múltiples foros públicos en los que mostrar tu obra al público (valga la redundancia), supone sortear obstáculos en forma de personas que alguien ha puesto (se supone) para ayudar.

Los foros culturales, (incluyendo por supuesto, facultades y escuelas de arte),como muchas otras cosas públicas, no son otra cosa que una agencia de colocación de cuñaos, como genialmente ilustra Anxo en el número 2 de la revista Harte Contemporáneo (página 69)

http://www.hartismo.com/descargas/revista/harte_0002.pdf

...de colocación de "asesores y organizadores culturales" de todo pelaje y también, por supuesto, de todo tipo de "artistas", en especial "emergentes".

Cuando en este país comience a respetarse la palabra PÚBLICO, como algo no robable, mangoneable ni susceptible de trampas, es muy posible que un porcentaje sorprendentemente alto de la basura que solemos ver en Museos de Arte Contemporáneo y similares, simplemente desaparezca. Pero ese día todavía está muy lejos.

Es infinitamente más fácil derribar muros como el de Berlín, que tirar los muros burocráticos e inservibles que sólo esconden la infinita ineficacia de un sistema social cuyos malos vicios ponen en peligro su propia supervivencia.

NO-DO

2009-07-19T10:53:00.000-07:00

Ver un vídeo de los antiguos NO-DOs es una experiencia curiosa.

Llama la atención escuchar el verbo florido, literario, pomposo, rebuscado hasta el ridículo, involuntariamente caricaturesco, y ver como las imágenes no son más que un complemento para ese texto ya escrito.

Si el caudillo iba a visitar una fábrica, la voz en off adelantaba segundos antes de la entrada de esas imágenes la felicidad, admiración y devoción cristiana de sus trabajadores.

Si el tirano visitaba las obras de su mausoleo, era evidente (segun el animado speaker, no segun las imágenes) que los esclavos que allí trabajaban lo hacían felices por servir a la patria.

La burda y torpe manipulación de los lenguajes audiovisuales, aún en pañales entonces, era comprensible (lo de burda y torpe, no el hecho de manipular) por lo relativamente novedoso de esos medios.

No ocurría sólo aquí ni sólo en las dictaduras, pero se hacía más evidente en éstas, y sobre todo, en nuestro entrañable NODO.

Eran tiempos de balbuceo en la TV, y en el lenguaje audiovisual e incluso en el simplemente visual (diseño gráfico) aplicado a la comunicación de masas, arma siempre tentadora para un dictador.

En estas manipulaciones imberbes no se permitía que las imágenes hablasen por sí solas, lo cual hubiera supuesto una manipulación más inteligente, o al menos más afinada (como se hace ahora).

El temor a su poder evocador, a que pudieran ser interpretadas de modo distinto al oficial, de modo diferente al texto, más la dificultad para controlar un lenguaje en cierto modo nuevo y enigmático, hacía que al final se echase mano del lenguaje más viejo y conocido, el de la palabra, de forma que la imagen se convertía en una simple muleta de la locución, en un elemento ornamental innecesario. De hecho, daría lo mismo ver un nodo en el cine que oírlo en la radio. Era el texto, la palabra, lo que prevalecía, el mensaje. Las imágenes sólo eran la aceituna.

Años después, produce cierta sonrisa ver este estadio precasposo de nuestra comunicación audiovisual patria (el casposo aún lo vivimos ahora).

Estas píldoras en blanco y negro, tan castizas, y tan burda y evidentemente sesgadas resultan más cercanas a la comicidad que a la tragedia si obviamos todo lo que representaron, que evidentemente, fue más trágico que cómico.

Décadas después, hemos aprendido a que las imágenes hablen solas, y quien desea manipular y utilizar estos lenguajes para crear opinión puede ser igual de mezquino, pero infinitamente más profesional.

La imagen en movimiento, la imagen en definitiva, como lenguaje en sí mismo, no es una muleta de nada, ni necesita muletas. Es un lenguaje que puede dialogar y complementarse con otros, pero también funcionar con una enorme fuerza por sí solo.

Cualquier comunicador por malo que sea sabe del potencial de las cosas que se ven, sin necesidad de cubrirlo bajo un manto de literatura, explicaciones y palabras, ni de caer en el ridículo estilo de aquellos no-dos, estilo que visto hoy sería motivo de burla y estupor (recordemos el famoso ce-ce-o-o de aquel "genio" de la comunicación que tuvimos por director de la tv pública).

El exceso de verbo ante las imágenes puede hacer incluso que documentos serios y no intencionadamente manipuladores lo parezcan.

La Tv se ha puesto al día en todo esto, y la sociedad también: En YOUTUBE hay millones de vídeos, de pequeñas píldoras que comunican, que transmiten, hechas en la mayoría de los casos por chavales que ya han aprendido a ver y hacer vídeos al mismo tiempo que a hablar y a escribir.

La comunicación audiovisual ya no es un recurso estanco para los comunicadores profesionales y para los artistas, el el habla del mundo, es el lenguaje más vivo que existe.

Pero, en el ARTE, esa actividad humana que antaño caminaba 50 años por delante, por increíble que parezca, las cosas van un siglo por detrás.

Museos, Bienales, y festivales de Videoarte exhiben como ¡vanguardia! piezas que son también muletas de un texto, apéndices de una argumentación escrita, ejercicios académicos de no-dos contemporáneos.

Piezas que no conectan con un público que sabe que hay más vanguardia, más vida y más creación en YOUTUBE que en esas "zonas negras" habilitadas para novedosísimas proyecciones en el Museo-pelotazo urbanístico de su ciudad.

El arte, por primera vez en la historia, el arte oficial, ya no es la vanguardia de nada. Es un NODO de imágenes que una animada voz en off nos dice que son vanguardia, que son el último grito, e incluso que son arte.

Pero todos, como los espectadores de aquellos NO-DOs, aunque algunos callen por miedo al tirano, sabemos que todo lo que dice esa voz es mentira.

EL SANTO OFICIO O EL CLUB DE LOS ARTISTAS MUERTOS.

2009-05-23T14:37:00.000-07:00

Cuando cursaba la carrera de Bellas Artes, la principal obsesión del profesorado (y a la sazón, del dócil alumnado), era enseñar a DEFENDER el propio proyecto artístico locuazmente ante la clase, llegar a convencer a los demás de que lo tuyo era arte y porqué lo era.

Profesores como Ruiz de Samaniego llegaban a decir que la obra era "lo de menos" y que era el hecho de saber defender tu obra lo que te iba a abrir un hueco o no en el "circuito" del arte.

El tiempo, en cierto modo, les ha dado la razón...dentro de ese circuito, es la capacidad de colársela a las instituciones lo que te abre camino.

Teniendo en cuenta que en nuestro entorno no existen apenas los coleccionistas privados, ni los Saatchi, ni los mecenas, sino las Consellerías, los Ayuntamientos y los Ministerios, al final la salud del arte "circuitero" y de los que quieren estar en él se basa en saber moverse en ese círculo de subvenciones y prebendas más o menos encubiertas, peajes y servilismos, y buenas relaciones con instituciones públicas comisariadas y "aconsejadas" por los de siempre (entre ellos el propio Samaniego, que eligió, él solito, la representación española en la Biennale de Venezia hace dos años, de ahí que sepa bien cómo funcionan las cosas).

No hay hoy, desde el punto de vista radicalmente pragmático, oficio más útil para el artista que el santo oficio de trepar, medrar y escalar al calor de la política, entiéndase esta palabra en toda su extensión.

El oficio como forma de expresión del talento, y el talento mismo, la fuerza, la expresividad o el valor artístico de la obra y del artista ya no es algo relevante en absoluto para llegar a esas instituciones (que no al público, que permanece ajeno a ellas).

En estas clases de aprendizaje de marketing artístico lo primero que era evidente a ojos del espectador era que ningún alumno se sentía cómodo en ese papel, ni siquiera los que dócil y mansamente lo acogían e incluso justificaban a capa y espada, con la esperanza de entrar cuanto antes a formar parte del club.

El alumno contestatario o simplemente escéptico con la utilidad o necesidad de este tipo de enseñanza era relegado el olvido y al ostracismo de este incipiente amago de "circuito artístico".

Fueron unas clases, sin duda, muy esclarecedoras.

La pregunta es :¿esto es una Facultad de Bellas Artes?...aceptar un estado de las cosas viciado y encaminar la enseñanza al ultrapragmatismo de defenderse dentro de ese entorno de la élite del arte ¿es enseñar honestamente a un alumno el/los oficios artísticos que ha ido a aprender?

Esto es algo así como si en una facultad de Arquitectura se enseñase exclusivamente al futuro arquitecto a "llevarse bien" con concejales de urbanismo y constructores, y se considerase que el hecho de saber diseñar bien una vivienda o inmueble fuese totalmente irrelevante...O como si en una facultad de Económicas se enseñase al futuro economista a forrarse especulando en bolsa en vez de explicarle los fundamentos históricos y sociales de la economía.

Enseñar un oficio o un trabajo no exime de enseñar o al menos advertir sobre las miserias del oficio...otra cosa es convertir esas miserias en el único objeto de estudio, convertir en este caso el artisteo en arte y relegar el arte al limbo.

Sorprende que ese pragmatismo ultra se justifique con el nombre de "libertad" o de "vanguardia" en tanto que la intención de pretender FORMARSE de los poco alumnos indóciles que suele haber en una facultad se etiquete rápidamente como algo conservador y atentatorio contra ese statu quo único, por lo visto, posible.

Una Universidad que se rebaja a perpetuar la costumbre de enseñar al alumnado a moverse como pez en el agua en un sistema enfermo, y que no aspira a enseñar a futuros posibles artistas para curar esas enfermedades al sistema y a la sociedad misma, es una universidad muerta, un espacio para zombies que continuarán generación tras generación ese santo oficio del arte acomodado para todos: los que lo enseñen, los que lo aprendan, (si es que hay algo que aprender aparte de la resignación de que no vas a aprender nada),y los que lo ejerzan enganchados a esta rueda (muy pocos, por cierto, y que no dependen de su propio esfuerzo).

La universidad es el germen de la sociedad futura, y en el campo de las Bellas Artes, la planta que va a nacer ya está marchitada antes de salir del suelo.

SÓLO MIRO LOS DIBUJOS

2009-04-19T07:54:00.000-07:00

Cuando somos pequeños tendemos a "leer" las revistas, los tebeos y los libros aún sin saber leer, porque contienen imágenes. Si preguntamos a un niño que no sepa leer porqué está "leyendo", nos dirá que "sólo mira los dibujos". Hay una tendencia natural en los niños, que yo conozco muy de cerca siendo profesor, a comunicarse por medio del lenguaje gráfico, de las imágenes, las fotografías y todo lo inmediatamente visual.
Una vez aprendemos a leer y a comunicarnos con el más convencionalizado y abstracto lenguaje de las letras, abandonamos la fascinación por las imágenes que nos ha acompañado los primeros años de nuestra vida. Algunos tenemos la suerte de no abandonar esta atracción por lo visual nunca, pero sí que una inmensa mayoría de los niños pasa en poco tiempo del dibujarlo todo al "yo no sé dibujar" y a la inhibición ante un mundo en el que hacía bien poco era un pez en el agua.
Es muy posible que la deficiente educación plàstica y visual que históricamente se ha tenido sea cómplice directa de esta situación, reduciendo durante décadas la relación con las imágenes de los niños ya preadolescentes y adolescentes a luchas improductivas sin cuartel con grafos calibrados, papeles milimetrados, trazados de polígonos de equis lados, y resoluciones de tangencias, bisectrices y otras muchas amenidades en las que tanto alumnos como profesor despegan del mundo del disfrute plástico y visual para siempre jamás.
La percepción del arte visual no sólo desde el punto de vista de los creadores sino del público, y muchos absurdos dogmas de fé que sobrevuelan el concepto de ARTE hace el resto. Se llega a un momento en el que el individuo se divorcia para siempre del dibujo, de la representación gráfica y plástica, porque cree que hay que ser un entendido y una persona especial no sólo para SER un artista, sino también para APRECIARLO .
Llega un momento de nuestras vidas, un miserable momento, en el que cuando vemos una imagen (dibujo, pintura), entendemos que ya no está hecha para nosotros...o lo está para los niños o para los entendidos, dos colectivos de los que nosotros ya nunca formaremos parte.
Podemos comprar un libro lleno de dibujos para nuestro hijo o sobrino, o para nuestra prima "la que hace bellas artes"...pero no para nosotros.
Las ilustraciones son para niños, los comics para frikis, y el arte para eruditos. A nosotros nos queda el democrático mundo de la letra.

Cuando yo era pequeño existían unos libros, de color marrón dorado, que tenían a los personajes dibujados con reproducciones de acuarela en el lomo, libros de formato pequeño que creo que recordareis porque todos los teníamos en casa, y que contaban una historia a modo de novela, y también en comic, intercalando trozos de este cada 20 o 30 páginas. Creo que ya entonces se les llamaba novelas gráficas, un término muy de moda ahora y que se refiere al comic puro y duro, pero aquello no era comic sólo, sino la misma historia contada dos veces, en comic y en "libro".
Como cuando cayeron en mis manos yo era pequeño sólo leía el comic, por cierto fascinantes muchas de las historias. Un poco mayor decidí leer la parte "seria" del libro y descubrí decepcionado que contaba exactamente la misma historia que el comic (yo hasta entonces pensaba que era otra historia).
No entendía (ni entiendo ahora) el porqué de contar una historia dos veces de dos maneras diferentes en el mismo soporte. Quizás el esitor creyó conveniente que, dado que entonces las familias tenían más hermanos, los mayores y ya estudiaos leyeran la parte novelada, y los pequeños o los retrasados se quedasen con el comic. Lo que se llama visión empresarial. Posiblemente quienes ditaron estos libros creyeron que usando dos tipos de lenguaje se asegurarían un abanico más amplio de público...como quien ahora edita libros que también se pueden escuchar o comics que se pueden ver en la pantalla del ordenador...
El lenguaje escrito y el visual no son el mismo, no se perciben de la misma manera y no pueden contar la misma historia de la misma manera. No son hermanos y si lo son, pocas veces son bien avenidos.
Quizás el comic (y en cierto modo el cine) han logrado unir la naturaleza descriptiva del dibujo o la imagen con la narrativa de la palabra, y aún así de una manera siempre delicada y no siempre armónica.
Como dibujante y lector de comics sé de la dificultad que existe cuando se hace (o cuando se lee) un comic para congeniar a estos dos hermanastros de forma que no se peleen, sé de lo que puede llegar a chirriar una historieta (o una película) si el texto es demasiado largo. A todos nos jode ver una película con subtítulos aunque se mantenga así el privilegio de contemplar la versión original.
En todas las épocas y en todas las artes visuales la palabra ha estado presente junto a la imagen, no sólo como parte de ella, a veces, sino otras muchas como un complemento muchas veces enriquecedor de la obra, y muchas veces aportado por personas ajenas al propio artista.
Pensaba hace unos meses en que tuve ocasión de volver a ver las Meninas, en la cantidad de ríos de tinta que se han escrito sobre el cuadro en cuestión, de tesis, ensayos y libros sobre posiblemente el cuadro al que la palabra más ha intentado someter a su jurisdicción.
Muchas de las cosas que críticos, historiadores o el propio artista han dicho o escrito sobre el cuadro han enriquecido nuestra visión sobre él, y otras muchas han sido puro placebo, engorde literario que para el espectador es tan insignificante como el aire que no llegamos a respirar nunca.
Pero este cuadro, a pesar de ser deudor de una explicación conceptual y contextual mínima, resiste a la carencia de ella por la fascinación que ejerce lo que es su pura y simple contemplación.
Muchas obras de arte visuales se han hecho pensando en ser objeto de contemplación y otras objeto de lectura, y otras objeto de lectura y contemplación a la vez, como mis libros de color marrón. Las del segundo y tercer tipo fallan en el momento que la literatura se ausenta. Si no hay un guía que nos la explique, si no hemos leído al filósofo o al teórico del que parte el soporte intelectual de la obra, o simplemente si no queremos leer sino sólo mirar usando nuestro intelecto, y no el prestado por las palabras que otros han escrito, esa obra se nos cae, no nos llega.
Si el autor ha sido valiente y ha usado sólamente una carta, la del lenguaje visual, la de buscar comunicarse a través de la mirada, es seguro que esa imagen tampoco llegará a todo el mundo, pero al menos no necesitaremos muletas si queremos llegar a ella, ni echaremos un falta nada más que esa obra para ejercer el derecho a su contemplación.
Sin entrar en consideraciones éticas, jugar con dos barajas a la vez no garantiza ganar la partida, y hace el juego mucho más engorroso, dificulta la comunicación, en la que (sea de la naturaleza que sea), el exceso de elementos es siempre un enemigo para el receptor y para el comunicador.

VACÍOS METALINGÜÍSTICOS

2009-04-12T10:54:00.000-07:00

Tuve un alumno, hace años, de nombre Salvador, que como trabajo sobre el tema del COMIC me entregó un folio en blanco con el título "La Historia del Hombre Mudo e Invisible". Ante la demostración de ingenio, tuve que ponerle una buena nota. Había sido capaz de disfrazar su vagancia o cuanto menos su ausencia de trabajo en un brillante ejercicio metalingüístico. Dió sentido al hecho de NO HACER cuando lo que se esperaba es que hiciera algo.

El arte contemporáneo está lleno de muestras de NADAS, de ejercicios de inacción artística, en las que lo que realmente tiene sentido artístico es la justificación que le damos al público para que acepte, e incluso alabe, esa inacción, esa falta a su, digamos, deber.

No sé si es exactamente lo mismo, pero ayer me llegó un mail de un amigo en el que me enlazaba un interesante vídeo de una amiga suya, artista también, que había convocado al público a una performance. En el vídeo, la artista finalmente no realizaba la performance que había anunciado, y en su lugar se sinceraba con el público, comunicando su deseo de no hacer nada por la necesidad de iniciar una reflexión sobre su propio papel de artista, sobre el porqué de su actividad en el arte. Hablaba de que en sus últimas performances no había sido capaz de conectar con el espectador, y eso le llevaba a detener su actividad, para reflexionar sobre esto. El dicurso de esta artista, que enlazo más abajo, tiene cierta conexión con el caso de la Bienal de Sao Paulo, y tantos otros eventos en los que se sustituye una esperada obra o actuación por la ausencia de las mismas, con la intención o el pretexto de la REFLEXIÓN como finalidad de esa ausencia.
http://www.youtube.com/watch?v=hf2WB42QCnk
Este acto de negación, de deliberrada ausencia de obra en un espacio donde se espera, se ha convertido en un gesto, como antes decía, ya habitual, y sintomático de una serie de características del arte actual:

-Uno de ellos es la forzada SIMULTANEIDAD entre la CREACIÓN de obra y su ANÁLISIS. La excesiva presencia de la teoría en el arte actual, y la preponderancia del teórico, comisario, crítico..., sobre el artista, hace que con mucha frecuencia el artista se vea obligado a establecer un permanente, y bien visible al público, análisis de su obra. Por supuesto que analizar la propia creación es necesario, pero es obvia condición necesaria esperar a que al menos se produzca y cuaje esta creación. Recuerdo que en la hiperconceptual Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, la asignatura de PINTURA en 4º curso se dividía en tres partes: MÉTODO, PROYECTO Y ANÁLISIS. Debíamos explicitar, en una libreta, y de manera continuada, un análisis sobre nuestra propia obra (llamémosle mejor trabajo), trabajo que muchas veces aún estaba en proceso o no existía. La confusión actual entre arte y teoría, entre arte y parafilosofía, entre artista y analista, convierte al artista en historiador y en esclavo de la historia, y obvia el hecho de que en todas las artes y épocas, ha habido ARTISTAS, y después ha habido gente que se dedicaba a ANALIZAR el arte que hacían los artistas. Covertir al artista en su propio crítico (aunque de un modo interior tenga que serlo) es un ejercicio ya no metalingüístico, sino metaexistencial, que no lleva a ninguna parte, sólo a entorpecer el propio trabajo del artista. En el momento artístico contemporáneo, el artista que aspira a pertenecer a la oficialidad se siente obligado a ejercer en voz alta esa constante reflexión metalingüística sobre las fronteras y los sentidos de su propio trabajo creativo, una reflexión a veces honesta (así parece la del vídeo que adjunto), y a veces impostada, pero una reflexión al fín y al cabo, que puede obstaculizar el propio trabajo del artista, y frustrar al espectador, cuando se convierte en el objeto mismo de la obra.

-También el resbaladizo papel del artista como teórico, sin tener claro qué se es en mayor medida. Si en Sao Paulo era el curador o comisario el que proponía el VACÍO (o más bien lo imponía), en el caso de este vídeo es la propia artista la que, disculpándose ante el curador, que acepta de buen grado, impone al público y se impone a sí misma el silencio, la no ejecución de su obra.

-La (supuesta) y oficialmente aceptada indefinición de fronteras en las artes es un peso más que incide en la abundancia de estos ejercicios artísticos autoreferenciales. La sobreactuación, y la sobredimensión mediática que en el arte contemporáneo han tenido los "transgresores de fronteras" ha llevado a que en el arte de este circuito contemporáneo reine una cierta sensación de interinidad permanente de los más básicos conceptos sobre la naturaleza misma del arte, y esta interinidad se haya convertido ya en un comportamiento standar, en el que el artista no aspira a comunicar, sino a jugar permanentemente con estas fronteras interinas, que insista en el permanente juego negación-afirmación de la obra, y se perpetúe en un constante discurso de metalenguaje que llega un momento que no interesa al espectador, ya que carece de contenido más allá de una reflexión que el espectador ya conoce, porque no es precisamente nueva. Nadie entendería que un director de cine diga el día del estreno que no ha hecho finalemente la película para "reflexionar", ni que lo haga un escritor, o un trabajador cualquiera de una actividad que no sea el arte, en la que, seguro, habrá también reflexión...pero lo que sucede es que en otras artes y en otros ámbitos, ese estado de interinidad no es lo normal, en todo caso puede ser un impás, un periodo corto marcado, por ejemplo, por el paso de un modelo de producción a otro (la revolución industrial, la revolución digital). Pero esos estados interinos en otras actividades no se prolongan artificialmente, no se convierten en el puro objetivo de la actividad, pues eso sería el final de esa actividad, o al menos, su desconexión con la realidad.

-Otra característica del momento actual es la posición egocéntica del artista, el EXHIBICIONISMO del creador. El "mi obra soy yo" lleva a artistas a asumir erróneamente que sus circusntacias personales e íntimas interesan al público, pero es SU ARTE lo que interesa al público. Muchos artistas han tenido una vida intensa y apasionante, turbulenta a veces, y su vida cobra interés como pasto para el analista una vez ellos (los artistas) han hecho una obra interesante y merecedora de análisis. El camino opuesto es erróneo, exhibir la propia vida como el objeto artístico en sí es algo carente de interés para el espectador. También es algo muy propio de la sociedad actual, en la que la incomunicación ha logrado hacer de la cotidianeidad de las personas normales un espectáculo (qué decir de Gran Hermano). Sin embargo, aún ahora, la gente espera algo más del arte que de la tele. En definitiva, el pepel del artista es HACER, y las reflexiones metalingüísticas, en todo caso, deben verse en su obra, (como en el caso de mi alumno, Salvador). Si se trata de una reflexión personal permanente , eso es algo que acabará siendo rechazado o simplemente abandonado por el público.

Quizás uno de los grandes problemas del arte oficial contemporáneo sea que haya olvidado que el papel del artista es el de HACER, FABRICAR, TRANSMITIR , (que no están reñidos en absoluto con REFLEXIONAR), y el de pensar y analizar en voz alta sobre la obra recae, sobre todo, en última instancia, en el ESPECTADOR, que es a quien nos dirigimos, no de quien huimos.

LA MODERNA TIMIDEZ

2009-03-28T05:54:00.000-07:00

Hay un chiste que dice que entra un tímido en un bar y dice: "¿Me pone un café?"; el camarero le pregunta: "¿sólo?"; y el tímido le contesta: "b-bueno, póngame dos".
Esta timidez que obliga a las personas a hacer cosas que no quieren hacer o en las que no creen es un mal muy común en las instituciones culturales, que dejándose llevar por lo que creen o han creido interpretar que es lo correcto, actúan muchas veces de manera conscientemente absurda e incomprensible, aunque convencionalmente dócil.
Estas últimas semanas me han invitado a participar en algun "Festival de arte" de una ciudad pequeña.
Al hablar conmigo la persona organizadora, me ha presentado el festival en cuestión como una especie de "Salón de Pintura".
Pero acto seguido, ha empezado a matizar que se trata de un salón "abierto" a todas las tendencias, que no quiere "ser convencional", y que también habrá videoarte, performances, comics, y no sé cuantas cosas más.
No es que haya nada malo en la propuesta, al contrario, pero veo que muchas instituciones sufren un arranque de esta enfermedad, la moderna timidez, cuando programan sus actividades culturales, y por cierto miedo a "no ser excluyentes con ninguna sensibilidad artística", convierten posibles eventos interesantes en cajones de sastre en los que al final el espectador se ve perdido ante un cruce de propuestas inconexas y que exigen mecanismos de percepción diferentes.
A mí me encantan los comics, pero dudo que una exposición de pintura y de comic puedan compartir espacio de una forma coherente. No te digo nada del video y menos de la performance.
Me parecería más lógico hacer un festival de pintura, si acaso, otro de performance, u otro de comics...en fín, no mezclar cosas que no tiene sentido mezclar.
A nadie se le ocurriría en un festival de performances plantear "vamos a exponer también cuadros, o comics, para que se vea que no excluimos la pintura y los comics como arte..."
Muchos curadores institucionales (no muy al loro de donde viene el aire en su ocasional labor), sufren esta patología de la moderna timidez y se lanzan al tan políticamente correcto objetivo de NO-EXCLUIR-que-está-muy-feo, de respetar las sensibilidades de todos y todas...
Digo yo que tendrán que guardar un cupo de exposiciones también, para artistas inmigrantes, otro para discapacitados (qué pena que Tolouse Lautrec y Basqiat ya hayan muerto...), y que se respete la paridad artistas hombres y mujeres escrupulosamente.
También sería injusto exponer cuadros, comics, videoarte, performances, y olvidarse de otras actividades artísticas como el teatro, las corridas de toros, los bailes regionales, la cocina de autor, los grupos de hiphop, los camelletes del barrio pintando graffitis...¿porqué excluir a estas pobre gentes de las artes varias?...además, juntar todo esto en una misma sala, mihura incluído, sí que iba a ser algo en verdad irrepetible y seguro que muy sonado en la prensa del día después.
La moderna timidez, la obsesión por "no excluir lo moderno" lleva a esperpentos que perjudican al espectador como tal, y convierten muchas muestras de arte colectivo en ensayos de parques temáticos inómodos de digerir y de entender.
Separar las cosas no es malo, al contrario...los grandes museos lo hacen, y lo hacen también entre sí...no puedes ver lo mismo en el Reina Sofía que en El Prado, y dentro de cada uno, las obras y los pintores se reparten de una forma coherente para el espectador.
No entiendo esas exposiciones, cada vez más habituales, en las que después de ver obras bidimensionales (no digo pinturas porque eso casi no existe en salas oficiales), encuentras un nicho oscurecido a base de cortinas y pintura negra donde puedes ver una obra de videoarte, que se repite en un bucle constante...y después de esto pasas, en el mismo espacio, a "disfrutar" de una instalación.
No entiendo como nadie se plantea la interferencia mutua entre artes de distinta naturaleza y de distintos lenguajes, y como no se impone la obviedad de que estas interferencias no son deseables para el espectador.
Imagino que tras esto (en el caso particular del salón al que fui invitado) subyace el miedo, el pánico diría yo, de los curadores institucionales de provincias (ahora hay auditorios y museos contemporáneos en pueblos de 5000 habitantes, así que no digo esto peyorativamente, sino como una realidad) a organizar algo que se llame a secas Salón de Pintura.
El papanatismo imperante les hace ser conscientes de que eso no sería moderno, y la moderna timidez les invade y les hace convertir esas modestas salas, que podrían estar llenas de vida y posibilidades, en un auténtico pisto de artistadas varias, en una especie de bazar de la creación que sólo produce ganas de huir al primer vistazo.
Hoy, "queda mal" organizar un festival de pintura desde una institución, a no ser que esté convenientemente flanqueada de arte oficial (aunque sea malo).
La pintura puede estar presente por sí sola, eso sí, en eventos menores como Certámenes de pintura rápida, concursos, mercadillos, ferias y eventos de este palo.

De todos modos, esta moderna timidez, mal también conocido como papanatismo visual grave o enfermedad de la noexclusiónquesoymoderno, es una dolencia institucional que no sólo afecta a las artes plásticas..tampoco se libra la "industria" audiovisual (así le llaman algunos, bravo por ellos) por ejemplo en Galicia...pocos espectáculos hay tan abrumadoramente eclécticos como la Gala de Premios Mestre Mateo al "audiovisual gallego" , en la que compiten películas, productos televisivos, (incluídos anuncios), páginas web...el no va más.
Para los que no sean gallegos tengo que darles mi palabra de que todo esto último es rigurosamente cierto.
Es una muestra más del avance de esa peligrosa dolencia, esa lacra diezmadora de la moderna timidez, para la que existen unos buenos remedios caseros, que no cuestan mucho y que pueden adquirirse y encontrarse fácilmente en cualquier ciudad, incluso en las que no tienen museo de Arte Contemporáneo.
Se llaman libros.

CATALONIA IS NOT SPAIN

2009-03-26T11:47:00.000-07:00

He leido en el Diario Público del 25 de marzo una noticia que realmente me ha emocionado: Cataluña acudirá con representación propia a la Biennale de Venezia, en verano, con un grupo de artistas que han sido escogidos POR CONCURSO PÚBLICO.

Josep Bargalló, que dirige el Instituto Ramón LLul, que debe ser algo así como el equivalente a la Consellería de Cultura de Galicia, ha declarado que la decisión de quién debe ir sólo puede ser tomada por un tribunal de expertos y que el IRL no es ninguna "institución canónica que deba decidir lo que es bueno o malo en el arte".

Leyendo esto uno se emociona...relamente, hay gente así en el mundo, EXISTE en el mundo del arte gente como este señor Bargalló...pero a los gallegos nos pilla muy lejos, en Cataluña, a más de mil kilómetros y, lo que es más insalvable, a cien o doscientos años de distancia.

Contrasta la posición del Gobierno de España, que ha designado a dedo políticamente, muy a la española sin duda, al comisario, Enrique Juncosa, y al artista, Miquel Barceló.

El presidente del jurado catlán, Manuel Borja-Villel, ha declarado que es clave separar la parte política de la cultural en este tipo de eventos...una perogrullada, sin duda, pero una perogrullada necesaria en este momento.

Después de leer la opción catalana, uno siente envidia sana de los comedores de butifarra (a mucha honra lo digo, que mi madre es catalana), y el deseo inconfesable de que los catalanes invadan el resto de España y nos catalanicen de una vez, a los pobres habitantes de la infraeuropa que nace por debajo del Ebro, y sobre todo, en la zona oeste de nuestra piel de toro de los cojones.

Quizás alguno de los miembros de ese jurado hayan sido puestos a dedo (dirigentes de museos de arte contemporáneo y similares...), no lo sé...que el jurado de expertos lo fueran de verdad de la buena y con méritos contraídos de forma ajena al politiqueo ya sería la hostia...pero sin duda es un buen comienzo, y una carta de presentación para Cataluña que deja muy en evidencia a España y sus instituciones culturales.

Tanto es así que desde el Ministerio Español se asegura que en el 2011 la selección de artistas españoles también se hará por concurso.

Pero eso llegará, como siempre, ya tarde.

No he visto aún el proyecto catalán, pero sólo por como ha sido seleccionado, ya merece mi absoluto respeto.

Puede verse en http://www.llull.cat/

el artículo del Público al que me refiero puede leerse aquí:

http://www.publico.es/culturas/212671/proyecto/abierto/publico/transparente

TRAMPANTOJOS Y CREACIONISMO

2009-03-11T13:27:00.001-07:00

Después de tertulias, conversaciones blogueras y en persona con gente del hartismo y fuera de él, acuerdos, desacuerdos, discrepancias y discusiones, una de las conclusiones principales que puedo sacar es la ausencia de conclusiones válidas para todo el mundo, e incluso las válidas del todo para mí mismo.
Esto del hartismo ha sido, y es, un cauce importante para reflexionar sobre ARTE, en un entorno en el que la reflexión apenas existía, a pesar de ser un concepto (el de reflexión) invocado por muchos actores que luego, a la hora de la verdad, se niegan a ejercerla.
Yo he aprendido muchas cosas de todas estas discusiones, de quienes congeniaban con mi visión de las cosas y también de los que no, incluso de quienes las negaban radicalmente.
Veo que, efectivamente, el arte no es, por definición, un ente estático en el tiempo, y que su replanteamiento es uno de los motores del devenir de las sociedades.
No puede defenderse un arte que equivalga a estancamiento como no puede defenderse un arte que se estanque en la obsesión por una evolución que no se arraigue en nada del pasado, y que por tanto no suponga evolución sino una innovación artificiosa y constante, lo cual, además, es también por definición, imposible.
Ningún ámbito de la vida humana (y todos necesitan evolución) crece a base de rupturas y cambios de paradigma negadores de todo lo anterior. Los paradigmas cambian, no se sustituyen ni se pueden negar unos a otros tajantemente.
Quizá lo que muchos detractores del hartismo no pueden ni quieren entender es precisamente que nosotros no negamos el valor de cualquier aportación artística, sino su imposición paradigmática, negamos el caudillismo estético propio de esta época.
Quizá haya existido ese caudillismo, que nosotros llamamos oficialidad, en toda época, pero en otras épocas no se ha vendido ese modelo como un modelo ecléctico, abierto y dialogante, ni transgresor o rupturista. En otras épocas se era consciente de la pertenencia a un punto en la evolución. En esta no. De ahí parte el gran error de un concepto básico en esta época como es el de CONTEMPORANEIDAD, como dando por sentado que hace unos cien años hubo un hito que marcó un antes y un después. Eso no ha ocurrido en la vida real, sólo en la visión acotada que se dice perteneciente a esa visión contemporánea, como opuesto a lo conservador, que sí es consciente de su carácter supeditado a una evolución.

Un ejemplo: He leído ayer las bases para la solicitud de subvenciones al audiovisual gallego, y esas bases insisten en que se valorará la transgresión y la innovación de los lenguajes propios del audiovisual.
Es un camino equivocado ofrecer dinero a quien innove, o a quien crea innovar, o a quien justifique teóricamente que está innovando los lenguajes visuales. Las innovaciones no surgen así...los autores o artistas realmente innovadores no funcionan de esa manera, y si realmente son innovadores, seguro que esto pasará desapercibido a funcionarios y políticos, a los planteamientos oficialistas que en el fondo buscan ligeras modificaciones en la forma, no en el fondo.
Un artista o una corriente que cambie de verdad el fondo de las cosas en el arte, que las haga evolucionar, no lo hará de un día para otro. No se puede pretender que cada año, 20 productos audiovisuales dentro de Galicia sean verdaderamente rupturistas con la forma de narrar historias, que por otro lado, se mantiene vigente siempre pese a su evolución, con unos parámetros mal llamados clásicos por el hecho de que sean estables y entendibles por el espectador.
No nace un Orson Welles todos los días y no hay nada peor que hacer creer a alguien que apenas balbucea con el medio, que puede ser un Orson Welles. Esto es un engaño para él, y una valla que lo va a separar del público, del supuesto receptor de la obra.

El arte mal llamado clásico ha sido, casi siempre, y me sobra el casi, una ventana a un mundo ilusorio, un trampantojo en el que mostrar una realidad. A este supuesto paradigma de la REPRESENTACIÓN se ha opuesto tradicionalmente ( y pongo la palabra tradicionalmente muy a propósito), el arte posicionado como contemporáneo, que se negaba a ser una representación de la realidad. Este paradigma, en su deriva conceptual, ha acabado sustituyendo esta vocación de trampantojo, de ilusión, por un misticismo pseudoreligioso, bajo la promesa de que el nuevo arte se hace para reflexionar sobre él, a oposición, supuestamente, del anterior.
Pero el supuesto nuevo paradigma no es tal. Al final, el espectador busca inconscientemente en todo arte una representación, de uno u otro modo, de una realidad que le saque de la suya propia, que le saque de sí mismo. Lo hacemos al ser lectores de un libro, al mirar un cuadro o una escultura, o una representación. O al ver una película.
Un creador tiene siempre en cuenta eso, de un modo inconsciente. Incluso un creador conceptual o uno que crea estar por encima de esa idea de representación a la que se oponga en la teoría.

Puede haber propuestas cuya única razón de ser es la ruptura, la deconstrucción, el no contar una historia, sino oponerse a que el espectador acceda a esa obra como un oyente, espectador o lector de un relato. El tapado del cuadro del S XVII del artista del que hablamos en el blog del hartismo, la exposición del Pompidou de las salas vacias (que novedoso, eh?), o tantas y tantas repeticiones de tics iconoclastas ya se han convertido en un rito, como antes decía, que tiene de rito místico y seudoreligioso lo que no tiene de narrativo.
Además, en el fondo incluye un discurso tan narrativo y tan de representación como el más plano de los cuadros costumbristas, sólo que el discurso que se pretende que genere la obra está generado artificialmente desde fuera de la obra, en relación no con la obra en sí, sino en la forma y lugar de presentarla. La nada no es una obra de arte, así que..¿porqué lo iba a ser dentro de un museo?
El acto performático de echar fuel a la Costa da Morte, del que también hablamos en el blog del hartismo, obra de un artista vasco, es un acto con tanta vocación de representación como una pintura realista, su lectura es bien evidente, y si acaso mucho más acotada y unívoca que las lecturas teóricas que puede provocar una pintura.
Además, la baza a la que se agarra este tipo de arte que supuestamente pretende ser el reflejo de un cambio de paradigma, la de ser germen de reflexión para el espectador, no se cumple, puesto que el espectador se siente casi siempre ajeno a este tipo de propuestas, a las que no concede ni la propiedad de generar reflexión, ni la capacidad para cambiar un paradigma que no se considera obsoleto de manera natural.

Porque en el fondo, el arte, pese a su evolución y su necesidad de más evolución, siempre mantiene los mismos parámetros en su relación con el espectador. Este siempre buscará un trampantojo, una realidad en la que ver reflejada la suya, un espejo. Esto no ha quedado obsoleto en ningún momento, ES lo que ha sido el arte y es lo que sigue siendo ahora.

El discurso de la sucesión de paradigmas contrapuestos es, además, en muchos casos, perverso.
Es curioso como en otros ámbitos de la vida humana un discurso similar sería considerado radicalmente conservador.
El pensar que el arte tal y como lo conocemos hoy en día nace después de Duchamp, e invalida todo lo anterior y lo hace obsoleto, es un modo análogo de pensar al creacionismo como teoría de las especies.
Es la evolución constante de las cosas, el devenir natural de las actividades humanas (y no humanas), la que las va gestando de una manera continua y nunca finalizada. Las artes no mueren, como se ha dicho de la pintura, evolucionan, y siempre será artificioso pensar en rupturas y en antes y después de algo.
Y esa naturaleza evolutiva es tan inherente al arte como a lo que más, ya que el arte es ante todo una actividad humana, y la humanidad no cambia de la noche a la mañana.
Defender esta especie de creacionismo artístico, que genera espontáneamente un arte contemporáneo, y defenderlo en oposición a una concepción evolutiva de las cosas, es, como mínimo, aventurado.
Y no deja de ser curioso, como antes decía, que los planteamientos creacionistas sean considerados ultraconservadores, por no decir fascistoides, cuando hablamos de cosas que no sean ARTE, donde, por lo que se ve, Adán y Eva sí existieron.

ÉRAMOS POCOS Y LLEGÓ LA ABUELA

2009-03-02T09:47:00.000-08:00

"Yoko llegó al punto de componer canciones que sólo existían en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música que oía"...

( de esas canciones también he compuesto yo unas cuantas...)

La frase entrecomillada está sacada de la Wikipedia, en uno de los párrafos que le dedica a la artista conceptual Yoko Ono, que va a ser premiada en la Bienal de Venezia, según su presidente, Paolo Baratta, por "haber desarrollado modelos artísticos que han dejado huellas duraderas", y por haber hecho una "renovación profunda de los lenguajes expresivos, y plásticos del arte conceptual, y estar comprometida con la investigación, el riesgo, la poética y el activismo pacifista...".

Son el tipo de infraargumentos de la misma especie que los que aparecieron para justificar el premio nacional de artes plásticas español a Esther Ferrer. También se habló de renovación de lenguajes, transgresión, riesgo, compromiso...

Es el cuento de siempre. La letanía con la que se nos justifican los constantes apuntalamientos artificiales del antiarte, del arte aburrido y soporífero que se insiste en que siga siendo vanguardista.

No puedo entender de qué riesgo habla Baratta, y mucho menos cuáles son las huellas profundas que ha dejado el arte de Yoko Ono, más allá del circo que la rodea.

Yoko Ono es una millonaria aristócrata japonesa cuya noción de riesgo no va más allá de salir de casa con menos de seis tarjetas de crédito. Lo más parecido al arte que ha hecho fue arrimarse al Beatle John Lennon y catapultar así una carrera artística basada nada más y nada menos que en la ausencia de obras.

Lo increíble, lo alucinante es, no que lo que hace (o no hace) esta abuela cebolleta de la posmodernidad, sino el hecho de que se siga vendiendo como un acto arriesgado y transgresor, y se premie en una Bienal que se supone es escaparate del arte mundial.

Nos quejábamos de Sao Paulo, pero la verdad es que para esto era mejor que en Venezia también estuviera todo vacío.

Bueno, es que lo está...

MÁS CLARO QUE EL PAN

2009-02-27T14:49:00.001-08:00

Cuando era pequeño tenía un amigo que se llamaba Vicente que mezclaba los refranes, un auténtico Joan Brossa del verbo. No lo hacía a propósito, debía tener alguna extraña conexión en el cerebro que lo hacía muy simpático. Cuando soltaba alguna de las suyas ni siquiera entendía de qué nos reíamos, así que creo que era un don que a él le pasaba desapercibido. También mezclaba los chistes, de manera que muchas veces empezaba contando uno y enlazaba con otro de manera que ambos perdían todo su sentido, lo cual hacía que todo el mundo se riera el doble, y que todos esperáramos ansiosos su turno para contar su no-chiste.
En cuanto a los refranes, la más laureada de sus creaciones fué "está más claro que el pan". Decía esta frase varias veces al día, y además normalmente en situaciones en las que no venía a cuento, ni siquiera aunque dijese el refrán bien.
Era un tío peculiar, sin duda.
Esta frase de "más claro que el pan" me viene muchas veces a la cabeza cuando leo las explicaciones que da un político acerca de algún chanchullo que se le ha descubierto.
Entonces imagino a mi amigo Vicente convertido en político poderoso diciendo su frase y contando uno de sus chistes, vestido con traje y corbata, y no con el pantalón de deportes del Osasuna que en él era habitual. E imagino a la audiencia de periodistas afines riéndole las gracias y apuntando sus chistes para luego transcribirlos literalmente, ante el estupor de los lectores.
Vicente sería un gobernante mucho más simpático que los de verdad, aunque fuera seguramente igual de desastroso, no más.
El verbo de Vicente, en efecto, estaba "más claro que el pan", como el de nuestros gobernantes, la diferencia está en que en el caso de mi amigo era un arte, y en el de ellos una táctica, un mecanismo de ocultación.

Me acordé de Vicente el 6 de febrero de 2009, hace unos días, cuando leí un artículo en el Diario Público firmado por Marco Schwartz, en el que afirmaba que España NO está entre los 70 países que disfrutan de una ley de acceso a la información pública.
Entre los países que SÍ la tienen están 25 sólo en Europa y algunos tan exóticos (para nosotros) como Azerbayán o Zimbaue.
La aprobación de una ley de este tipo ha sido, siempre según este artículo, una promesa electoral de Zapatero en 2004 y 2008, pero eso es lo que sigue siendo hasta hoy.
El periodista autor de este artículo cita como ejemplo de la necesidad de esta ley una anécdota en la que cuenta cómo en una ocasión intentó, como periodista, recabar información en un Ministerio sobre cuánto se gastaba ese Ministerio en papel (en folios), ya que había sospechas de un exceso de gasto en ese sentido. El Ministerio le negó la información alegando que eso era "información interna".
El periodista hace una interesante interpretación de ese hecho, y del hecho mismo de la ausencia de esa ley, como un reflejo de una democracia inmadura, que es la que padecemos, donde a los políticos les sale más a cuenta tratarnos como a idiotas que como a adultos, y nos escaquean permanentemente una información que nos dan ya "interpretada".
Si esto pasa con los folios, y ahora ya no cito al periodista del Diario Público, qué no pasará con el arte, en el que el hecho de que exista una inflación exagerada de los gastos contables ni siquiera se puede demostrar objetivamente (dicen).
Hace poco surgió una noticia en un blog, de la que nos hicimos eco en el blog del HARTISMO, en la que se adjuntaba un albarán público, del Ministerio de Cultura, en la que se documentaba la adquisición (sin explicar en qué términos exactamente), de unos vídeos de food art de un tal Miralda por parte del Reina Sofía por un valor de 4 millones de euros, cifra que aparecía dos veces en el mismo documento, por cierto.
Uno de los miembros del hartismo fué esos días por Madrid, y ya de paso que visitaba el Reina Sofía osó preguntar por esos carísimos vídeos y el porqué de su precio.
Allí le contestaron que eso "era un error", y que esos vídeos no costaban ese dinero.
Al ser informados de que el "error" figuraba DOS veces en el mismo documento, emitido además por ellos, aseguraron que la adquisición de los vídeos había supuesto a nuestro bolsillo "como mucho 50 mil euros", pero sin dar cifras exactas ni más explicaciones, y atribuyéndolo en todo caso a un error nuestro.
Por cierto, que los vídeos, destinados según el documento en cuestión, a fondo de Biblioteca, no podían consultarse en la Biblioteca.
Imagino que los tendrán en la caja fuerte.
Otro caso de claridad semejante es el de la cúpula de Barceló...se manejaban en los medios cifras muy diferentes, e historias que parecían leyendas urbanas sobre cocineros privados, suntuosos hoteles, y prolongaciones del contrato del artista...Todo ello en ningún caso ni demostrado por unos ni desmentido por otros, ya que al no haber una ley que garantice a los ciudadanos la información precisa de CUANTO Y CÓMO se ha gastado en algo, todo lo que se diga a favor o en contra estará siempre como en otra dimensión...mejor para los que lo cobran...peor para los que lo pagan (nosotros).

No costaría mucho legislar de una vez en este sentido y garantizar a cualquier ciudadano el derecho a saber de qué manera se gastan sus impuestos, sin trampas ni explicaciones estúpidas que pueden dársele a un niño de dos años, pero no a un adulto.
Además, seguro que esa transparencia evitaría, por pura verguenza, muchas cosas que se hacen ahora, no sólo al amparo de la nueva religión contemporánea, sino sobre todo al amparo de la pura opacidad.
De lo contrario el mundo del dinero público, y mucho más el gastado en arte, seguirá estando más claro que el pan

POLITICAS CULTURALES

2009-02-01T04:55:00.000-08:00

Uno de los conceptos que más miedo me producen es el de "política cultural". Es un concepto que parte del principio, posiblemente equivocado, de que la Administración debe AYUDAR la labor de creación de los artistas y de la gente de la cultura.

Cada vez son más los creadores de todo tipo que reclaman que las ayudas administrativas no se centren en la CREACIÓN (subvenciones, para entendernos), sino en la DIFUSIÓN de los (buenos) trabajos ya existentes...claro que en la asignación del cartel de BUENOS acabarían influyendo las inclinaciones políticas, cuanto más visibles mejor, de esos productos culturales, y además, es justo pensar que lo bueno debería defenderse por sí sólo en un mercado abierto.

Incluso en el caso de ayudas a la difusión habría que legislar con lupa para evitar que la cultura hacha bajo el paraguas de un determinado gobierno, o con el apoyo de determinada administración, no se convierta en un simple instrumento de poder a favor del (o de los) partido(s) políticos que forman ese gobierno, o esa administración.

Es posible que nuestra tendencia a sobreproteger a la "cultura", (y también la cara más visiblemente negativa, la tendencia a politizarla), provenga de los complejos culturales y la desertificación cultural del franquismo, un periodo en el que la cultura de verdad era prácticamente inexistente, o sometida a un férreo control de la dictadura, con lo cual automáticamente podemos quitarle el nombre de cultura.

Antes, y en los primeros años del durante, la cultura de verdad, la insometible, fué perseguida, exiliada, o directamente aniquilada como un enemigo del poder absoluto y de los que lo detentaban.

Cuando se acabó este negro período, había una ebullición cultural, una olla a punto de abrirse, que recogía la efervescencia macerada en años de silencio impuesto, de oscuridad. Muchos creadores tenían muchas cosas que decir, y de repente, podían decirlo. Madrid, y no sólo Madrid, también Barcelona, Vigo y otras muchas grandes ciudades, se convirtieron en focos de explosión cultural, donde de repente todo era posible, donde la creatividad eclosionaba por sí sola, muchas veces en forma de excesos y otras muchas veces en forma de maravillas, pero casi siempre con una honestidad y una fuerza que no ha vuelto a verse desde entonces. A esto se le llamó la movida, y como toda explosión cultural que se precie no pasó desapercibida a los políticos.

La izquierda española, por entonces invencible en las urnas, fué (y es) tan consciente como el anterior gobierno autoritario de la fuerza de la cultura para mover conciencias, ideas y acciones sociales, así que desde un principio optó por capitalizar, por apadrinar, toda esa efervescencia natural, hacerse su aliado, y no su enemigo (como suele hacer la derecha). Subvencionar no es lo mismo que aniquilar ni que ignorar, obviamente, pero igualmente es una manera util de silenciar, de inutilizar , de desactivar.

El cine, el arte, la cultura, en la España de los 80 y 90 no necesitaba subvenciones, era un barco con las velas llenas de viento que podía llegar a cualquier parte, era una oferta que siempre tenía demanda. Pero de repente surgió de los gobernantes la declaración imperiosa de que había que pagar con dinero público toda esa explosión espontánea y urbana.

Posiblemente la cultura española habría llegado a mucho más de lo que ha llegado si la política no le hubiese dado la mano. La necesidad de decir se unía a la necesidad de escuchar de un pueblo, no hacían falta intermediarios que estropeasen la fiesta...el entrometimiento de los políticos no fué un error, fué un calculado trámite hacia la tranquilidad (la de ellos).

La Ley de Pilar Miró a principios de los 80 recogió por primera vez la idea, llevada a la práctica, de subvenciones anticipadas a la creación cinematográfica.

No hay que ser un sesudo analista para observar, 25 años después, qué es lo que ha conseguido esa ley...lejos de prestigiar al cine español, lo ha enemistado con su propio público, que ve al "sector" (difícilmente puede hablarse en serio de sector sobre algo industrialmente improductivo) como un abrevadero sostenido con apaños y prebendas políticas. Algo que no es del todo justo (en el mundo del cine hay mucha gente, y gente de todo tipo), pero que sí tiene un trasfondo de realidad.

Es muy probable que el cine español hubiera llegado a mejores puertos sin esta ley. En los 70 el cine era algo falto de recursos, muchas veces clandestino, pero sobrado de energía e ilusión en nuestro país.

La sobreprotección posterior quitó la energía a las pantallas, barrió la ilusión y la fuerza de nuestro cine, la creatividad de las cámaras y los guiones, y convirtió a nuestra "industria" cinematográfica en un pobre y aburrido fresco sobre episodios de la guerra civil, visto siempre desde los lugares comunes que exigía el pagador de todo esto (la administración), y creativamente incapaz de aportar nada a nadie.

Tuvo que llegar un británico, Ken Loach, en 1995, para enseñarnos a que se podía hacer una pelicula sobre nuestra guerra civil amena, honesta, buena y conmovedora, sin que para ello hubiera que pedirle dinero a papá estado.

Creo sinceramente que ha sido Ken Loach quien más ha hecho por el cine español (quién inventaria la unión entre estas dos palabras), mostrandonos que el camino hacia la creación no pasa por coger antes el dinero en la ventanilla del ministerio de cultura, sino por contar una historia, y contarla bien.

Pero ese vicio ya ha quedado incrustado en nuestro tejido cultural, y es un poco descorazonador ver como muchos jóvenes muy jóvenes que tienen ganas de hacer cosas reclaman, a la mínima ocasión que tienen para darse a conocer en los medios, subvenciones para lo suyo.

Y muchos (hasta los graffiteros) las consiguen.

Es un hecho que gran parte de la cultura en nuestro país funciona de esta forma viciada. El llamado audiovisual galego copia los mismos vicios que ya hicieron malo al cine español, y la presencia de las ayudas, lejos de ser una llamada a los individuos creativos, lo es para gente que no tiene nada que decir, y que probablemente no lo haría si no tuviera el dinero en la mesa.

El año pasado, sin ir más lejos, la Consellería de Cultura destinaba subvenciones a la creación de cortometrajes "sobre la memoria histórica"...por muy bien que pueda sonar esto (yo soy el primero que cree que muchos asuntos de la guerra y posguerra civil deben ser revisados-pero en serio, no en las películas- y reparados), lo que es cierto es que NUNCA una administración cultural debe intervenir en los contenidos creativos de las obras de los artistas, porque eso es una clara intromisión en la cultura, una manipulación, y además una llamada a la insinceridad que no hace ningún bien a las ideas que dice apoyar.

Si una administración considera la posibilidad de crear un producto audiovisual de determinado tipo, puede hacerlo (o no, obviamente depende del contenido) diréctamente encargándolo, y no incentivando a los creadores teóricamente libres de una manera como esta.

Y bueno, si hablamos del mundo de las artes plásticas, ahí ya me podría extender más de lo que desearía...

El caso es que quizá seamos los propios creadores, el "mundo de la cultura" los que debamos sopesar si realmente vale más nuestra comodidad o nuestra libertad, y sobre todo, qué es lo que valora más el público al que nos debemos, más allá de las palmaditas en la espalda que nos puedan dar los dos o tres que beben de nuestra misma fuente.

EL GUIÓN DE LAS COSAS

2009-01-25T05:05:00.000-08:00

Es muy difícil luchar contra las cosas que se establecen como verdades universales, indiscutibles, porque la mayoría de las personas tiende a opinar, a actuar, e incluso a vivir, de acuerdo, no con los parámetros que siente que le hacen más feliz, sino con los que cree que son compartidos por una mayor cantidad de gente.

Las verdades oficiales, así, están blindadas, al menos durante un tiempo, a la permeabilidad del juicio subjetivo, porque puede sobre él el juicio que se considera objetivo.

Los outsiders, los que salen del comportamiento considerado normal, siempre, en cualquier época y cualquier lugar, han sido vistos con una mezcla de desdén, recelo, y a veces también envidia, por los que han contribuído a establecer los pilares del comportamiento objetivamente bueno, más bien por inacción, por pasividad, que por acción o militancia, por creencia real en lo que hacían o dejaban de hacer.

La masa es el mejor aliado de una verdad oficial, y como es imposible convencer a la masa, en el sentido de conjunto de cabezas individuales pensantes, sí al menos es posible adormecerla, hacer que por inacción, omisión o pereza dimita de entrada de pensar que las cosas pueden ser de otra manera, quizá mejor, que como nos las pintan.

Tengo un amigo al que, como a mí, le gusta viajar. Los dos compartiamos la misma forma de hacerlo, e incluso hemos llegado a hacer algún viaje juntos, algún viaje de los de verdad, de coger el coche e irse a otros países durante semanas sin un plan fijo ni trazado de antemano.

Recientemente, le propuse a este amigo hacer un verano uno de esos viajes, pero él me dijo que "ya no tenía edad para hacer esas cosas", y que prefería ir a una agencia y que "le dieran todo ya hecho y no preocuparse por nada". Puedo entender esta postura, pero mi amigo pasó entonces a alabar aquellos viajes en los que no había guión previo, en los que el guión lo hacían los propios viajeros, y a reconocer que lo había pasado mucho mejor, e incluso había gastado menos dinero, que en los que formaban parte de un paquete organizado.

No entendía, ni entiendo, el porqué de la actitud de mi amigo, que reconociendo la opción A como mejor que la B, escoge la B porque forma parte de la opción convencionalmente aceptada como mayoritaria, y lo que es peor, la opción más adecuada y ajustada a la inacción y a la pasividad que afloran con el paso de los años, como una cómoda (y muy peligrosa) actitud vital.

Acompañé a este mismo amigo en otra ocasión a una de estas Agencias de Viajes, en las que la dependienta le mostraba las bondades de sus ofertas con estas palabras, reproducidas lo más literalmente que puedo: "ahora un destino que se está llevando mucho es Malta, y también Vietnam...os lo recomiendo".

La bondad o ventaja de la oferta planteada aquí no reside en otra cosa que hacer ver al comprador que si elige uno de esos destinos (que muy probablemente ni él -ni posiblemente la dependienta- sabría situar con precisión en un mapa) forma parte de una colectividad , y no será un outsider, un mochilero de la vida, un desgraciado.

Es curioso como la apreciación de muchas cosas, y no sólo las que tienen que ver con el ocio, es prisionera de verdades supuestamente objetivas, de paquetes de ideas fijas, que como los paquetes de viajes, no admiten discusión sobre su objetividad.

Cuando de repente, sucede algo que muestra que esa objetividad era un camelo infundado, se cae el frágil castillo de naipes, y queda al desnudo que la verdad oficial no era más verdad que cualquier otra.

En este país, sin ir más lejos, era una verdad objetiva que había que comprarse un piso, porque todo el mundo lo hacía y todo el mundo no podía equivocarse, que los intereses siempre serían estables y que los pisos siempre se revalorizarían.

Y si este tipo de guiones férreos y preestablecidos dominan los aspectos ligados a la vida personal de la gente, y a sus actitudes más básicas, ¿cómo no van a hacerlo en cuestiones mucho más accesorias, como son la apreciación y valoración de las artes?.

Esos férreos guiones que dirigen las opiniones (y las vidas) de las masas ya están escritos, la oficialidad tiene a su favor la enorme potencia de los discursos objetivos y veraces. No importa que casi nadie crea en ellos, porque cada uno, cada unidad dentro de la masa, cree que los demás sí creen, y nadie quiere ser visto como el outsider.

El que realmente se arriesga a ello será visto con esa mezcla de recelo, desdén, pero también con la envidia de quienes, compartiendo en el fondo de su corazón el punto de vista del outider, jamás se atreverán a decirlo.

ANÁLISIS DEL ANÁLISIS

2008-12-27T05:52:00.000-08:00

Es costumbre que, en todas las épocas, los artistas hayan mantenido una relación de amor-odio, más bien odio que amor, hacia la crítica y el análisis del arte.
Ayer cayó en mis manos una revista de arte de los años 60, en la que un joven (joven al menos en cuanto a vitalidad y carácter) Laxeiro despotricaba de un modo sorprendentemente furibundo sobre la crítica y los críticos, sorprendentemente digo porque en gran medida estos habían contribuído, ya de aquella, a convertirlo en el mito que es hoy de las artes plásticas gallegas, posiblemente (a mi entender) sobrevalorado (todas las mitomanías no son otra cosa que una sobrevaloración que tiene bastante de arbitraria y afortunada).
Pero su ataque a los críticos y a su actividad no me dejó indiferente. Hablaba de parasitismo y arribismo con un rencor que pocas veces he oído o leído.
El análisis del arte está, lo ha estado siempre, sujeto a tantas pasiones como el arte mismo, y pocas veces como en la actualidad postvanguardista, o el contexto histórico mal llamado "contemporáneo" ha sido objeto de tanta unanimidad negativa, no sólo entre muchos artistas, sino, y sobre todo, entre la inmensa mayoría de público, que pone constantemente en tela de juicio y bajo sospecha esta actividad.

Hablando con otros artistas, o asitentes a las tertulias del hartismo, veo que hay quien cree que mi postura, o la del hartismo, es de confrontación y hostilidad sin más a la misma existencia de la crítica y el análisis como actividad, cuando no es así, o al menos, esto es algo que se debe matizar mucho.

Yo pienso que la crítica, la teorización y el análisis del arte es algo que es tan necesario como el mismo arte, que de una manera u otra ha existido siempre, y que en muchas épocas ha contribuído a establecer un nexo absolutamente necesario entre la creación artística y la civilización en la que está inmersa.
Es un nexo necesario por ambas partes, necesario para el público y necesario para el artista, que ve en ella, aunque sea de una manera representativa, CÓMO llega su obra al público, habida cuenta de que el crítico, al fín y al cabo, es parte del público.
Yo no otorgo al analista una autoridad en cuanto a captación sensible del mensaje artístico, en esto su opinión es tan válida como la de cualquiera, pero sí que posee una cierta autoridad en el sentido de que es (suele ser) una persona acostumbrada a VER y a OBSERVAR, a contrastar, y a analizar, a aplicar la perspectiva histórica sobre las cosas que ve (aunque esto a veces puede ser una trampa para la propia crítica), y por lo tanto, ha adquirido una permanente actitud reflexiva como observador que hace su aportación teórica interesante y digna de ser escuchada.
Sobre el papel, esto es así...sobre la realidad actual del arte, no.
El problema de la teoría, de la crítica que acompaña a gran parte del arte "contemporáneo" es, no su naturaleza analítica, sino su carácter dogmático, fruto de una deriva que ha llevado a gran parte de la teoría ha un punto en el que se ha convertido en justo lo contrario que fue en épocas pasadas, y en lo que debería ser.
Ha dejado de ser un nexo con el público, desde el momento en que se ha convertido, precisamente en un mecanismo para ahuyentarlo, encriptando el mensaje en vez de clarificarlo. No se puede entender, no es útil, un análisis del arte que huye del lenguaje sencillo y claro (para mí, es en esto donde reside la auténtica intelectualidad), y abraza un lenguaje enrevesado y parafilosófico, que esconde realmente una vacuidad apoyada en no más de dos o tres dogmas cuya misión es básicamente imponer un cambio de paradigma estético que la sociedad nunca ha aceptado.
Por lo tanto, la labor de análisis fruto de esta deriva IGNORA, por un lado, al público, deja de ser un nexo con él. Por otro lado, ignora también al artista que no acompañe al propio discurso dogmático de esa crítica. Deja de ser, de este modo, un discurso analítico y postartístico, y se convierte en un discurso DOGMÁTICO Y PRE-ARTÍSTICO, en una guía-para-quien-quiera-ser-artista-oficial-contemporáneo.
Se convierte así, en una actividad autoreferencial, onanista y desconectada del mundo real, por propia voluntad, y la consecuencia lógica es la desconfianza del público mayoritario, que es perfectamente consciente de este hecho, y antepone, ya cada vez con menos rubor la suspicacia e incluso la repulsión, a cualquier discurso que se pretenda analizador del arte contemporáneo.

Hay, por supuesto, muchos críticos que ejercen su oficio con honestidad, y como "honestidad" yo entiendo en este caso, la concienciación del papel que le corresponde a cada cual. Un analista, un crítico, debe asumir que su palabra, su análisis, debe ser POSTERIOR, y no PREVIO a la obra de arte, lo contrario es una perversión de la que los críticos y teóricos "oficialistas" son perfectamente conscientes.
No estoy, ni los hartistas como colectivo (creo) ,estamos, CONTRA la teoría y la crítica, pero sí contra esta deriva que ha instituído una clase de críticos de élite, unos GURÚS, como dictaminadores de lo que debe ser arte HOMOLOGABLE con nuestra época, y de espaldas al auténtico recipiente en el que debe estar el cambio de paradigma que ELLOS, y no los artistas, proponen, que es la sociedad.

Este modo de funcionamiento perverso, alentado o más bien incluso CREADO por las instituciones, que han mantenido y aupado al olimpo a este tipo de crítica y teoría, que de no ser por el apoyo oficial se habría diluído y desaparecido, es lo que ha convertido a la teoría sobre las artes plásticas, al análisis, a la crítica, en un enemigo, no sólo de las artes, sino también de la propia crítica, que ha perdido así la esencia de lo que siempre fue, y se ha convertido, al calor de estos gurús, en una profesión detestada a partes iguales por los dos estamentos a los que debería unir, el arte y el público, y valorada únicamente de un modo endogámico por la propia clase arribista de los cuatro gatos que viven de la persistencia del arte oficial y del eterno empeño por convencer a una sociedad cada vez más reticente y ausente del debate, de que debe seguir (y sufragar), un cambio de paradigma artístico y estético que sólo existe dentro de ese mundo endogámico y cerrado.

Es urgente, pues, que la crítica retome su valor, que es mucho e importante, y su vocación de acercamiento al arte, por un lado y al público por otro. De no hacerlo, se convertirá en una actividad tan sospechosa por extensión y por generalización, que el público acabará por rechazarla de una manera absoluta, y de ese modo, se convertirá en una acividad destinada a desparecer cuando no disponga del beneplácito e incluso del beneficio de los recursos públicos.
Algo así sucede en la política...cuando los políticos generan desconfianza, la sociedad establece una distancia respecto a ellos, los acepta pero siempre considerándolos un estamento bajo SOSPECHA. Si la desconfianza es muy grande, el sistema acaba por reventar y el sistema deviene en dictaduras y en procesos de involución.
A nadie conviene que la crítica esté permanentemente bajo sospecha, y posiiblemente haya que repensar la relación de la crítica con el arte y con el público, para que retorne, en lo posible, a una relación armónica y útil para todos, no sólo para los teóricos, y no en una relación de pacífica hostilidad, como la que hay ahora, en la que el público es consciente de que EXISTE una especie de clase privilegiada, autotejida alrededor de la palabra ARTE, que se ha parapetado a golpe de crípticos discursos y se ha construído un abrevadero con el dinero de todos del que vive una autoprocalamada, y de dudoso mérito real, élite.

Hay que tener en cuenta también otros factores para entender el proceso de involución que ha sufrido la crítica, y de su mano, el arte oficial, después de las vanguardias del siglo XX.
De una manera también perversa, la apresurada historiaografía oficial devino en entender el concepto de BELLEZA clínicamente muerto, después de las vanguardias. El hecho de que se hubiese cuestionado y recuestionado, e investigado los límites de este concepto durante los primeros años del Siglo XX, hizo extender por reducción al absurdo entre la inteligentsia artística que el arte tal y como lo conocíamos había muerto, que la belleza ya no era ni sería nunca más, el objeto del arte.
Esto puso a la crítica en una encrucijada. O aceptaba un cambio de paradigma que no era real ni acompasado con la sociedad, o se mantenía en unos preceptos que la modernidad de nuevo cuño insistía en tachar de anacrónicos. La mayoría optó por lo más fácil, que es seguir la corriente del momento.
La teoría del arte había sido, desde que se instituyó como actividad más o menos reconocida, una manera de reglar o de hacer explícitas las exigencias que una obra debía de cumplir desde el punto de vista de su principal objetivo, que era, simplificando, buscar la belleza. También era su misión teorizar ya no sólo sobre el arte, sino sobre qué era el propio concepto de BELLEZA. Vitrubio en sus teorías habla de rudimentarios cánones como fírmitas, venustas y utílitas, intentando de algún modo apalabrar, transcribir a palabras, lo que todos, de un modo inconsciente, percibiamos (y seguimos percibiendo, pese a quien pese) como belleza.
La crítica y teoría posterior, con sus sucesivos cánones y estándares, basados en lo humano, lo geométrico o lo supuestamente divino, no hizo sino moldear el concepto de BELLEZA y estirarlo o encogerlo, adaptándolo como un chicle, a las circunstancias políticas, religiosas y sociales de cada momento, y que tuvieron su mejor muestra en la arquitectura y la pintura, las grandes ARTES que seguían de un modo más fiel los cánones de la época, aceptados siempre tácitamente, y en algunas épocas, como el Renacimiento, incluso entusiastamente, por la sociedad.
Pero el fín de la validez del concepto de belleza, que tiene un abrupto final con el ready made del urinario de Duchamp, convenientemente exagerado por la propia teoría anti-belleza, crea también un seísmo en la crítica. Si la misión del teórico no es ilustrar sobre qué es la belleza, ya que esto es algo obsoleto,... ¿para qué sirve el teórico ahora?.
La teoría se convierte así en un lugar común de conceptos cruzados y descaradamente anti-artísticos (desde el punto de vista "clásico" del arte, aún vigente para la mayor parte del público), como "transgresión", "deconstrucción", "rupturismo", coceptos que en su afán de destruir cánones "vetustos" instituían en la práctica un canon mucho más férreo, que llevado al absurdo de lo extremo venía a decir que "todo vale menos lo que ha valido hasta ahora".
La teoría, y de su mano, el arte deudor de ella, el oficial, lejos de "liberarse" de corsés, se encorsetan de un modo furibundo e inédito.
La demolición de la aceptación de la posibilidad de captación SENSIBLE y emocional de la obra, como proponían los "bellecistas", aumenta el papel de la INTELECTUALIZACIÓN, del valor de la obra en virtud de la teoría, que asume así un papel principal. Esto tiene un valor doblemente desastroso: asume la cabeza de carrera un barco a la deriva, la teoría del arte se convierte en vanguardia en sí misma, pero es una teoría huérfana de toda su tradición, y necesitada de inventar unos cánones que por otro lado niega.
Lo único que sostiene todo este despropósito es la muleta, el apoyo que de repente, y tras el fín de las vanguardias, ofrecen los gobiernos y las administraciones (y no precisamente los más democráticos), a todo lo que huela a MODERNO. El arte y la CRÍTICA, cabeza visible del mismo, se convierten en un escaparate ideal en el que el poder puede mostrar al pueblo que los políticos SÍ son modernos, sí estan al día, porque han aceptado el cambio de paradigma que la crítica ha impuesto.
Los museos, instituciones públicas culturales, etc, se obstinarán a partir de este momento en gastar dinero y recursos en hacer permanente este escaparate de modernidad, sólo sostenido por un autoconvencimiento teórico, y sólo apreciado por una minoría de público que también quiere ser partícipe de algo tan atractivo como la MODERNIDAD puesta en bandeja de plata.

La crítica y la teoría se convierten así no sólo en un elemento DISTANCIADOR entre arte y público, sino además en el más dócil y fiel aliado político del poder de turno (el que sea), mediante la anulación del poder subversivo e irreverente que tradicionalemente habían tenido el arte y la cultura.
Antes el arte SÍ podía ser subversivo, incluso saliendo de los dineros del poder, y los críticos ejercían de acercamiento y de mediación entre la mentalidad observadora y clarividente del artista y la sociedad.
Ahora, tanto el crítico (primero) como el artista (después, y escogido por este), son ya parte del entramado de poder, son un puro ornamento (curioso, en un panorama estético que se opone al ornamento como concepto) de la clase dirigente.

Otro aspecto muy a tener en cuenta, en el particular ámbito de las Artes Plásticas, es el hecho de plantearse hasta qué punto tiene sentido una teorización, y más aún una intelectualización que se salga de lo estrictamente historicista y contextual, del trabajo de los artistas.
Si bien en las artes narrativas, como la literatura, el cine, o los comics, que son por fuerza testigos y portavoces de su tiempo, por su caracter narrativo, la teoría y el análisis tiene un sentido evidente (ya que no sólo analiza las artes como artes sino también como crónicas, como historias), en las artes plásticas la teorización se hace más dificil de encajar.
Para empezar, en el mundo de la literatura, hermanado también con el cine, o con los comics (que yo considero-habrá quien no- un arte tan válido y potente como aquellos dos), el análisis UTILIZA EL MISMO LENGUAJE que aquello que analiza: la palabra...por ello el análisis y la discusión siempre resulta apasionante y productivo.
En cambio en las artes plásticas, que usan un lenguaje de una naturaleza muy diferente, el lenguaje escrito se convierte a menudo en en extraño, en un intruso que no siempre aporta algo útil.
Podemos usar quinientos millones de palabras en describir un sabor o un olor, que nunca seremos lo suficientemente claros para alguien que no lo haya percibido nunca.
Y no es muy distinto lo que pasa con un cuadro o con una obra plástica, a no ser que haya sido hecha directamente a partir del dictado de la teoría.
Cabe plantearse y replantearse qué papel debe tener la teoría en el arte contemporáneo. Si es verdad que ha triunfado la libertad y nos hemos liberado de los cánones, no son necesarios guardianes ni policías de cánones que supuestamente no existen. Si realemente estamos en una época ecléctica y subjetivista, no tiene sentido más opinión que la de uno mismo.
Y por último, si la tradición no se considera relevante ni necesaria, sino además nociva, ni siquiera la aportación historicista del teórico tiene sentido alguno.
Es la propia figura del crítico contemporáneo la que niega su propio valor.
El nihilismo es lo que tiene...en un descuido, uno se acaba negando a sí mismo.

ARTE Y ENSEÑANZA

2008-12-10T08:10:00.000-08:00

Como algunos sabreis, además de pintamonas soy profesor de dibujo en la enseñanza secundaria.
No sé si soy yo, que igual me quejo de vicio, o es que la realidad es así de terca, pero la enseñanza y el arte son dos mundos en los que veo ciertos paralelismos que han llevado a ambas (e importantísimas) parcelas de la sociedad a una decadencia y un estado de cutrefacción como en pocos tiempo y en pocos lugares se ha visto.
Yo no soy precisamente de los que piensan que todo tiempo pasado fue mejor, ni muchísimo menos...creo que en el momento y contexto actual hay enormes ventajas respecto a épocas anteriores. Vivimos en un mundo de libertad (no toda la que parece, pero eso es otra historia), y sumergidos en una revolución tecnológica que hace pequeños milagros diarios. La propia expansión del HARTISMO ha sido uno de ellos...quién podría decir hace sólo quince años que tres mindundis de la esquina del continente podrían hacer llegar sus ideas, y compartirlas, con gente de todos los sitios de manera simultánea, y sin siquiera conocerse...(bueno, esto también tiene sus peligros).
El caso es que yo estoy muy feliz de vivir en el tiempo que vivo...que cerca de aquí no haya habido guerras desde que yo he nacido, que sea posible vivir más o menos decentemente, que uno se pueda comunicar y pueda acceder al conocimiento y a otras personas tan fácilmente...hay muchas cosas por las que sentirse afortunado. Aunque es evidente que no en todos los sitios tienen esa suerte, porque al fín y al cabo ser traído a este mundo en uno u otro lugar es cuestión de suerte.
Quizá el problema que tengamos los occidentales sea la falta de problemas DE VERDAD, y como el ser humano necesita enemigos a los que batirse, muchas veces crea el enemigo dentro de sí mismo.
Cuando uno ve los telediarios y es testigo de los GRANDES PROBLEMAS que nos aquejan la experiencia es a veces sonrojante: que si la crisis inmobiliaria, que si unos tíos se compraron un piso de 80 millones y ahora no pueden pagarlo, que ha caído la venta de coches un 20 por ciento, que si en invierno nieva y estamos en alerta naranja en seis comunidades y en verano hace calor y estamos en alerta naranja en otras cuatro...
Bien cierto es que hay mucha gente que tiene motivos sobrados para quejarse, gente que malvive, gente que está fuera de la sociedad del bienestar, pero es curioso que estos no suelen quejarse de la crisis porque para ellos nunca ha habido bonanza...suelen ser los que más tienen los que más se quejan.
Somos unos quejicas, todos..los hartistas también somos quejicas, no lo niego, pero al menos no lo disimulamos, lo llevamos escrito en el nombre.

El caso es que, volviendo al tema inicial, el de comparar ARTE y ENSEÑANZA, creo que ambos espacios sufren del mismo problema, y es de la enfermedad del nuevo rico, de la hiperprotección y del empacho de bienestar que hace que de pura ausencia de problemas, el sistema los cree automáticamente, no se sabe muy bien porqué.
El sistema educativo que padecemos parece tenerlo todo a favor. Nunca se han tenido tantos medios, tantos elementos, tanta preparación, tan pocos alumnos por aula, tantos putos ordenadores por alumno, tantos orientadores, TICS, y tantos eufemismos de los que echar mano para decir lo mismo...y los resultados, objetivamente, nunca han sido peores.
En el mundo de la cultura, jamás ha habido nunca tantas subvenciones, tanta multiculturalidad, tanta administración intersada en apoyar la cultura, tantos premios y tantos premiados, tanto museo de arte contemporáneo, auditorio, o similar, ni tanta información y oferta disponible con sólo apretar unos botones...y en cambio parece que la cultura no llega, no es apreciada por la gente, el arte queda muy lejano a los ciudadanos, no les interesa.
En ambas cosas nos dejamos, vía impuestos, mucho, muchísimo dinero, muchas horas de trabajo, mucha burocracia y trabajo administrativo, pero ni una cosa ni otra parece que puedan funcionar peor, cuando, en las épocas y en los lugares donde esto no costaba y no cuesta tanto, parece que no funciona tan mal...¿cual es el problema?.

Yo creo que el problema es exactamente ese, el exceso de recursos materiales y la ausencia de control sobre ellos, el empacho de bienestar, que ha conseguido crear, tanto en la enseñanza como en el ARTE, una nueva e intocable clase: LOS EXPERTOS.
Estos expertos son personas que, algunas veces con buena voluntad, muchas otras sin ella, se han convertido en la catalizadores e iluminadores del camino en que se utilizan los dineros públicos destinados a enseñar y a crear.
Son los que crean opinión, que de repente, se convierte en ley y después en esclavitud para los auténticos trabajadores del arte y de la enseñanza.
Suelen ser individuos que no tienen ni la más mínima idea de una cosa ni de la otra, pero que han conseguido ejercer una labor normativa a base de arrimarse a la parte burocrática del sistema, que está más cerca de la tesorería, mucho más cerca, que el ruedo donde de verdad pasan las cosas.
En la enseñanza estos individuos se llaman PEDAGOGOS, PSICOPEDAGOGOS, o simplemente, EXPERTOS. Suelen ser gente que ha desertado de la enseñanza o que nunca la ha ejercido, pero que en ambos casos, cobra por enseñarnos (por imponernos, más bien) a los demás cómo ejercerla.
Sus dogmas se basan en ideas normalmente inaplicables a la realidad, al menos a la realidad de verdad, no a la virtual de lo políticamente correcto y del eufemismo como forma de existencia que impregna a la vida política, de la que ellos forman parte.
Su palabra (y nuestro trabajo, que es sin desearlo esclavo de ella), está fuertemente marcado por ese empacho de bienestar del que hablaba. Han conseguido crear problemas donde no los había, y de paso no resolver los que siempre hubo. Labor meritoria, sin duda.
En el ARTE, estos EXPERTOS tienen varios nombres: gurús, curadores, comisarios, críticos, teóricos...también suelen ser trepillas que han crecido al calor de alguna administración, y se han hecho fuertes y han conseguido tener una capacidad normativa, un PODER, que en muy pocos casos ha venido precedido de un conocimiento sobre el ámbito en el que están teorizando.
Su vasto discurso puede hacer creer a un profano (como en el caso de los pedagogos y EXPERTOS EN ENSEÑANZA) que saben de lo que están hablando...nada más lejos de la realidad..quienes sabemos algo de esto nos damos cuenta de que no tienen ni puta idea de lo que están hablando o escribiendo...jamás han cogido un lápiz o un pincel y si lo hicieran, no sabrían qué hacer con él, y además suelen carecer de la sensibilidad necesaria para ser buenos observadores, lo que les lleva a una esfera ajena a esto, que es la TEORÍA, que al final, como en el caso de la pedagogía, y tristemente, se convierte en normativa y en ley que padecemos los que trabajamos también en esto.

Pero hay más víctimas: son los sujetos pasivos de la indolencia administrativa, que ha colocado al timón a esta ralea de trepas: los NIÑOS y adolescentes en el caso de la enseñanza, y todos los ciudadanos en el caso del arte.
En ambos casos son estos sujetos pasivos los que salen perdiendo, porque tanto el sistema educativo como las artes se hacen PARA ELLOS, y la persistencia de estos expertos-que-no-lo-son hace que lo que les llegue a estos sufridos sujetos pasivos sea algo muy degradado en relación a lo que les podría llegar.

He leído hoy que en el resto de Europa se plantean recortes drásticos en educación: en Italia, Francia y Portugal se plantean gastar menos dinero en una cosa que, total, está dando pésimos resultados. Lo mismo sucederá con el arte...llegará un momento en que el bienestar y el exceso del que nos hemos empachado se acabe y los museos de arte contemporáneo echen el cierre porque quienes los administran se den cuenta de que el que más los visita es el segurata.
Habremos pasado por una época de enorme potencial económico y cultural, de bienestar y de grandes posibilidades, con una cosecha de fracaso inexplicable.
Como siempre, en este mundo de extremos, a esta etapa de excesos le seguirá otra de penurias y ajustes. Pasaremos de destinar 20 millones a una eyaculación de pintura sobre un techo inestable, a no dar un duro ni a los mejores artistas que puedan existir. Pasaremos de un ordenador por alumno a privatizar toda la enseñanza, porque total, la pública no funciona...
Pasaremos de subvencionar cualquier mierda que se haga avalada por algún EXPERTO, a alentar un panorama en que los buenos artistas pasen hambre (los malos no la pasarán porque ya habrán abandonado el barco, lo mismo que los EXPERTOS de ambos tipos).
Entonces nos daremos cuenta de que teníamos el enemigo en casa, y que nuestro propio exceso nos causó el problema, y de que, tengamos mucho o poco dinero, en cualquier administración, casa o puticlub, las riendas debe llevarlas la gente que sabe, la gente que DEDICA SU VIDA a eso...no la gente que dice saber..esa cuanto más lejos de la caja, mejor.

BARCELÓ

2008-11-24T14:33:00.000-08:00

Muchos simpatizantes del Hartismo nos han preguntado nuestra opinión sobre la "capilla sixtina" de Barceló, en la sede de la ONU en Ginebra.

Se ha dicho y escrito tanto sobre esto que todo lo que se pueda opinar parece redundante. Sobre todo se ha utilizado el tema políticamente, algo muy habitual en este país.

Los medios de comunicación tampoco parecen muy fiables en un tema como este. Para los de la ceja es una maravilla que ha salido a precio de ganga, para los de la melena engominada un gotelé a precio de oro y nosequé otras cosas más.

Hay algo que sí se puede ahorrar el ciudadano, y es el lamentable espectáculo mediático e incluso parlamentario que dan los políticos a la mínima que pueden y que se arreglaría instantáneamente con un secillo antídoto: la TRANSPARENCIA.

Porque, en el fondo, esto es una cuestión de transparencia, o mejor dicho de opacidad, y no me refiero a los colores...me refiero a la opacidad que rodea a absolutamente TODO lo que tiene que ver con el arte mal llamado contemporáneo, es decir, el que ataña a artistas en activo.

Esta opacidad, que consiste en una vaguedad de criterios previos que hace que el criterio final sea propiedad limitada de una o unas pocas personas, lo emponzoña todo.

En cualquier actividad proyectiva destinada a uso público que suponga un desembolso de dinero también público, ya sea relacionada con la arquitectura, urbanismo, medio ambiente...las administraciones deben cumplir y atenerse a una legislación que basa las adjudicaciones en CONCURSOS, constituyendo una grave irregularidad, incluso delito, el saltarse ese concurso, adjudicando a dedo .

Esto ocurre en todos los ámbitos....excepto en el arte. De los edificios públicos que se han construido previo concurso para arquitectos, y cuyas actividades internas relacionadas (cafeterías, suministros, mantenimiento...) también han sido sometidas a concurso, cuelgan cuadros o lucen obras de arte que en ningún caso se han escogido (ni a ellas ni a los artistas), con un concurso de por medio.

Esta naturaleza "especial" del arte condena a esta actividad a un clientelismo cuyas consecuencias vivimos día a día.

No entro a valorar si la "capilla sixtina" de Barceló es buena o mala, es cuestión de gustos y el mío me lo reservo hasta que la vea. Pero es verdad que es inevitable pensar que su adjudicación a este artista ha tenido algo que ver con ponerse el dedo en la ceja. Y si no ha tenido algo que ver, por lo menos lo parece, lo cual es igual de malo.

Si ha tenido algo que ver, resultaría algo enormemente injusto para los artistas que no han hecho el particular concurso de méritos que se debe hacer en este país. Si no ha tenido que ver, la sospecha que levanta esta manera de interpretar la creación pública resultaría algo enormemente injusto para Barceló...

En todo caso, es una polémica que es perfectamente evitable, basta con adjudicar las obras de arte, a partir de un cierto tope presupuestario, a la propuesta ganadora de un concurso. De un concurso anónimo, no basado en nombres sino en obras, y escrupulosamente llevado, como en muchos otros ámbitos (donde, a pesar del escrúpulo, también hay trampa).

La pregunta que yo me hago es: si la decoración (lamento si esta palabra es artísticamente laica, pero hablamos de decoración) de la cúpula de la ONU se hubiera sometido a un concurso anónimo, ¿sería pensable por alguien que se destinaran 20 millones de euros a una propuesta consistente en aerografiar toneladas de pintura, prácticamente al azar, sobre unas estalactitas?.

¿sufragaría la clase política, con nuestro dinero, una obra de estas características y este coste si el autor no se llamara Barceló? ...Las artes plásticas, cuando se pagan con dinero público, ¿no merecen ningçun rigor?¿no lo merecemos los ciudadanos?...

Yo ceo que estas son las preguntas que hay que hacerse, más que si el dinero ha salido de nuestro bolsillo derecho o izquierdo, o si esto se parece realmente a la capilla sixtina o al techo de un after.

No se trata de si Barceló tiene talento o carece de él, o de si su obra es buena o es mala...el problema está mucho antes de él. Es el problema que es el caldo de cultivo de todos los problemas del mal llamado "arte contemporáneo", que se ha convertido en un compartimento estanco de dinero, de mucho dinero, sobre el que deciden unos pocos sin dar cuentas a nadie.

Y pedir cuentas y rigor supone ir "contra el arte y la cultura".

La transparencia no hace daño a nadie, y hasta donde llega mi conociemiento, en un país suele ser una variante directamente proporcional a la cultura y a la responsabilidad de la gente que vive en él, y en especial sus administradores.

La falta de transparencia sólo denota una enorme falta de cultura, por muy furiosos que nos pongamos, muchos millones que nos gastemos y muchos colorines que pongamos a nuestro escaparate.

BOCAVULARIO DEL ARTE DAORA

2008-11-17T11:15:00.000-08:00

COMISARIO: de comis-ario. Individuo destinado a preservar la raza aria en el arte moderno. Nada se puede salir de lo soporífero, frío y insípido. Su labor policial en defensa del gusto contemporáneo es muy apreciada en muchos círculos (sobre todo en Círculo de Lectores, ya que la gente, gracias a las mierdas de exposiciones que hay por ahí, lee mucho más)

INSTALACIÓN: Cantidad aleatoria de objetos feos que, como dice la propia palabra, instan-a-la-acción (de romperlo todo, sobre todo la cara del comis-ario).

VIDEO-INSTALACIÓN: Dícese de la operación que realiza el operario de Canal Satélite Digital cuando te instala el mencionado producto en tu casa, previa llamada. Esta operación puede ser considerada una PERORMANCE: El individuo, ataviado con un mono de un color vivo, te llena la casa de cables y tuercas misteriosamentente pasadas de rosca, hace llamadas constantemente a un supuesto jefe (yo estoy seguro que su walkitalki no tiene a nadie al otro lado, es para que flipemos con sus cacharros), y después se larga sin decirte cómo funciona todo.

GURÚ: Tío que dice verdades como puños y que tiene a consecuencia de ello, un ejécito de gente inteligente y capacitada que desea oir sus interesantes teorías sobre la vida y sobre el arte. Hay y ha habido muchos gurús: Jesús Gil, Yoko Ono, Pedro Ruiz, Sanchez Dragó, y la mayoría de críticos de arte, comisarios y este tipo de gentuzas.

CRÍTICO: Estado médico en el que quedaría un individuo de someterse a la lectura ininterrumpida de las entradillas de los catálogos sabiamente ilustradas con los pensamientos de los comisarios, gurús, entendidos en arte y demás inmundicia social.

CURADOR: Este palabro designa a las buenas gentes que tratan de acercar el arte bueno, moderno y eso, a los prehomínidos que, como nosotros, pensamos que todo eso es una mierda, porque de pequeños, en clase de plástica esmaltábamos espejitos en vez de aprender las teorías de la deconstrucción y el buen hacer artístico, gracias a las cuales estos curadores sí saben lo que es bueno...Su nombre viene de ahí, precisamente, de que curan la burricie en la que estamos sometidos la mayoría de los individuos de bien.

PERFORMÁTICO: Todo lo que supone un proceso (comer, cagar, mear, dormir, pajearse) y por tanto es susceptible de ser considerado arte sin previo aviso por un comisario, gurú, crítico, o artista que lo convierte así en arte. Este proceso de conversión, similar al de la santidad, tendrá en nuestra burricie de infraseres una fuerte oposición, que se encargará de curar el curador, el crítico, o alguna escoria humana similar, con un texto al efecto que no nos convencerá (porque no está hecha la miel para la boca del asno), pero nos disuadirá de seguir siendo convencidos.

ARTE CONCEPTUAL: arte muy pensao, que hay que plantearse antes de hacerlo muchas cositas varias veces, no como hacía Velazquez, que cogia dos plastidecores y hala...un cuadro en media hora...los conceptuales van más allá, no se quedan en lo bonito, que es lo que hacemos los catetos, sino que su arte pasa por un proceso muy serio en la que se hacen muchas preguntas que dan sentido a su obra y se lo quitan a todo lo demás.

ARCO: Feria de la arcada en Madrid. Se suele celebrar en el mes de febrero, y es una instalación en sí misma: insta-a-la-acción de vomitar, de ahí su nombre, ARCO, que proviene de la abraviatura del vocabo ARCADA.

BIENAL : Acontecimiento que por fortuna sólo acontece cada dos años en alguna ciudad que otra, y el que suele asisitir un número ingente de personas...por ejemplo, en la última Bienal de Pontevedra fueon vistas cuatro personas, aunque se cree que dos de ellos eran gemelos siameses, por lo cual se duda que uno de ellos entrase a voluntad propia.

DOKUMENTA: instalación de mierdas en cantidades industriales que se hace, por suerte, una vez cada cinco años, y en ciudades donde hace un frío de la hostia, y así ya se nos quitan las tremendas ganas de ir que tendríamos si no fuera por esto. La más famosa es la de Kassel, y allí te dicen el arte que se va a hacer de ahí a cinco años. Es decir, aúnan los interesantes e imprescindibles para la sociedad oficios de curador y adivino.

TRANSGRESIÓN: Actos superescandalosos y superguais que remueven conciencias, crean debate, suponen vueltas de tuerca, cuestionan los límites del arte y todo eso, tío...qué guai...Normalmente son subvencionados por algun ministerio, al que tienes que explicar la transgresión que vas a llevar a cabo en un mínimo de veinte folios, y justificar una previsión de gasto de uno o dos millones de pesetas (sin contar el trabajo de los obreros-no vas a hacer tú la obra...............-¿qué obra?)

VANGUARDIA: Cosa moderna, no hecha para gente de provincias, sino para modernos sólamente. El término vanguardia (os lo voy a explicar para los que no sabeis inglés) significa "el que va por delante"...esto es, el primero que se pega la hostia cuando descarrila el tren.

VINTAGE: este término no tengo ni puta idea de lo que quiere decir, pero me consta que es algo moderno, porque he preguntado a mis abuelas y tampoco saben lo que es. Se recomienda acudir a un curador a que te lo explique (previo pago, claro).

TEORÍA: Explicación densa y correosa, como la carne de ñu, que trata de explicar a los gañanes que una cosa es arte y no mierda como ellos creían antes de leerla. Bueno, realmente nadie las lee, ahí esta el mérito.

PINTURAPINTURA: término que usan los gurús, críticos, curadores, comisarios e hijosdeputa para referirse a la pintura. La mientan dos veces y no una, porque si la nombrasen sólo una vez podría ser también un vídeo, una performance, un ritual, una foto...como ahora no hay limites. Es por tanto la pintura ideal para los gañanes como tú que lees esto.

IRONÍA: arma letal con la que lo moderno y guai desmonta las críticas en su contra...que astutos...

HARTISMO: Grupúsculo de paletos que pintan mucho y se duchan poco, y que pretenden que vuelva la pintura a los museos y joder el negocio a tantos padres de familia y buena gente que se lo ha currao durante años. A mí personalmente me dan bastante asco, y eso que soy uno de ellos, pero esto forma parte de mi ironía contemporánea.

Este vocabulario está basado en alguna cosilla que hicimos en los tiempos de la Facultad Anxo, Carmen y el menda y que apareció an la revista de la ACME. Si se te ocurren más definiciones, envíalas a la página web del hartismo...
Hay que REDEFINIR el arte moderno

CHAMANISMO

2008-11-06T04:01:00.000-08:00

Ayer por la terde se puso en contacto por teléfono conmigo una redactora del diario El Correo Gallego, que quería preguntarme mi opinión sobre la obra que acaba de hacer en Santiago la artistra brasileira Christina Oiticica en el patio de la facultad de Geografía e Historia, como parte de un proyecto de 'land art', que se entremezcla con la pintura y la performance.

Allí por lo visto la artista enterró hace tiempo unas pinturas sobre un material oxidable (creo que era cobre), y ayer procedió a su desentierro, en el que se hizo visible la labor pictórica que hizo la propia naturaleza en conexión con la artista.

Me dió la sensación de que la redactora, más que intentar averiguar mi opinión, quería que yo ratificase la suya propia, que era, claro, negativa hacia este tipo de arte, y hacia el hecho de que esta artista hubiese creado expectación en virtud de "ser la mujer de.." (Paulo Coelho) más que en virtud de su trabajo.

En todo caso, ese es un problema más bien de los propios medios, que tanto a la hora de magnificar como de denostar a una persona y su trabajo muchas veces valoran cosas accesorias, como su matrimonio, que su trabajo en sí.
Yo en el momento no me atreví a opinar sobre algo que no había visto, y así se lo dije a la redactora, pero ahora, ya informado, opinaré gustosamente sobre el tema, no sé si como HARTISTA, pero seguro que sí como Mariano.

En primer lugar me gustaría recordar que el HARTISMO reivindica la LIBERTAD DE JUICIO y de OPINIÓN de todas las personas con respecto al ARTE, la misma libertad que sentimos cuando vamos al cine o cuando leemos un libro. Esa libertad, que ahora no existe, será seguro, el principio del fín de muchos mamoneos que atenazan este circo del ARTE.

Por ello, aunque me halaga que un medio recabe mi opinión como HASTISTA o como artista, en el fondo me apena que lo haga, por el hecho de que hace mi opinión más válida que la de los demás, cuando no es así.

Parece que la periodista esperaba una opinión autorizada, cuando la mía lo es tanto como la suya, en este caso bastante menos porque yo no sabía de qué iba el tema.

Ella me dijo su opinión (con el tono cauteloso habitual cuando se habla de ARTE), y a mí me pareción una opinión que compartía en muchos aspectos y no tanto en otras, pero respetable en toda su extensión y perfectamente formada y defendible.

Así es que, si esta persona tiene una opinión ...¿para qué necesita la mía?..¿O la de los hartistas..(que serán varias opiniones diferentes)?..TODAS las opiniones tienen la misma validez.

Después de dejar claro esto, que creo que es muy importante, pasaré a dar mi opinión, tan válida como la del que está leyendo esto, que igual lo ve de otra manera:

Para mí, lo que hace esta señora se enmarca dentro de un acervo y un poso cultural diferente al nuestro. Yo conozco a otros artistas brasileiros (como Fernando Casás), y veo en ellos cosas muy comunes: el protagonismo de la TIERRA y cierto "chamanismo" en el sentido de que el artista se convierte más bien en una especie de sacerdote que celebra un acto ritual, más que en el tipo de artista que tenemos en la cabeza nosotros, en nuestro contexto diferente.

El entorno natural de Brasil, y su contexto social, religioso y vital, hacen que yo SÍ me pueda creer esta obra en un artista de allí...(depende también de quien sea, claro)

No me suelen gustar en absoluto las "landarteradas", ni el rollo chamanista en las cosas que veo habitualmente (me horroriza la obra de Beuys, por ejemplo), porque en muchas de estas cosas veo más impostura y postureo que otra cosa.

Pero conozco la obra de Fernando Casás, como antes citaba, y conociéndolo a él, sí la veo hecha con honestidad, y por lo tanto, respetable y válida. Quizás no sea lo que más me llame como espectador, pero no dudaría de su honestidad.

Hay quien dice que la honestidad no se puede medir. Yo no pienso igual...una cosa es que no sea mesurable y otra que no se note en el trabajo final, y en lo que hace y como vive el artista.

A esta artista de la foto (por cierto, foto de la Voz, de mi colega Alvaro Ballesteros), no la conozco, ni a ella ni a su trayectoria, lo bastante como para opinar, y por la foto tampoco puedo hacer un juicio mínimamente serio de la obra en particular.

Sólo digo que este tipo de ESPERIENCIAS artísticas tienen más o menos sentido según quien las haga y de dónde venga, y por lo tanto esto es algo que también se debe valorar.

El problema que existe en gran parte del arte OFICIAL es que ese CHAMANISMO, esa actitud de artista como sumo sacerdote de una tribu que convierte en arte lo que a él le da la gana, y que también convierte el RITO en parte de la actividad artística, es demasiado frecuente y recurrente hoy en día, y muchas veces (demasiadas) se hace de una manera desarraigada, descontextualizada e imitativa, como un simple rito de artisteo, sin contenido, de forma impostada y afectada, como si un chino de repente se pusiera a cantar flamenco en china sin conocer la cultura de la que ha nacido.

Como muchas cosas, el chamanismo y el rito pueden ser parte de una obra honesta y seria, otra cosa es que el hecho de que siempre que concurran estos elementos se esté ante ARTE porque un iluminado así lo haya decidido.

EL FINAL DE UN CAMINO

2008-10-18T16:47:00.001-07:00

Después de nuestra PRESENTACIÓN MUNDIAL del Hartismo, en Santiago, tuvimos ocasión de tomarnos unos licores y entablar una interesante charla entre amigos sobre el manifiesto que acabábamos de leer, ya más tranquilos después de pasar por el trance de nuestro paso ante el público.
Allí estuvo con nosotros, nuestro colega Juan Pablo Etcheverry, que dejó el trabajo en su nueva peli por un rato, y a quien hacía tiempo que no veíamos, y que, como siempre, apuntó cosas interesantes
Entre ellas, dijo, por ejemplo, algo que no deja de ser cierto, y es que el arte contemporáneo, el arte contemporáneo OFICIAL, es un reflejo en cierto modo de la época en la que vive, y de alguna manera la degradación y falta de valores de la sociedad se refleja en el arte.
Quizás tenga algo de cierto que el ARTE sea un heredero de las grandezas y miserias del momento en el que vive, y que de algún modo pueda ser víctima de sus contradicciones y excesos.
Después de las guerras mundiales se consolidó una nación como potencia hegemónica mundial, los Estados Unidos de América. Estrenaron su imperio con dos bombazos (como en las fiestas del pueblo), y se erigieron a partir de ese momento en una gran POLICÍA mundial...en el aspecto económico, se permitieron plocamar SU sistema y concepción económica y social como la ÚNICA posible, y vigilaron y persiguieron a los países que se proclamaban divergentes. Lo mismo es el diseño de sus políticas sociales.
Y en el aspecto cultural y artístico, se convirtieron en la GRAN CAPITAL mundial del arte.
A base de capitalizar el propio concepto de vanguardia, hurtado a Europa y sobre todo a París tras el Armory Show de 1913, USA trasladó al mundo de las artes el SUEÑO AMERICANO, la tierra prometida que ilusionaba a los ciudadanos que vivían bajo su bandera.
De la misma manera que en lo económico y social el mundo se abría a un libre mercado absoluto que era de hecho un levantamiento de la veda a la pura especulación, y se hacía ver al ciudadano que CUALQUIERA puede llegar a lo más alto con su trabajo, el viejo camelo de ese sueño americano, en lo cultural y artístico se hacía también dogma de fe la idea de que CUALQUIERA podía ser artista. Que hacer arte no requería saber dibujar, ni ser virtuoso ni bueno en nada, que el arte era por fín un mundo libre...y que igual que cualquier ciudadano, fuera quien fuera, podía llegar a ser rico y poderoso, CUALQUIER COSA podía ser ARTE si el artista así lo decidía y covertía un objeto tocado por su divinidad, en pieza única de incalculable valor.
El ciudadano era, así, tratado como un burro con un palo atado al lomo, del que cuelga una zanahoria...el sistema funcionaba a base de la ilusión de esos ciudadanos que creían que con su esfuerzo ELLOS también podrían llegar a ser poderosos y ricos, que hipotecarse hasta las cejas y dejarse la vida en ello era el menor de los problemas dado el maná que les esperaba al final del camino.
En lo artístico, también nacía la nueva ilusión de que el arte era para todos, ya que todo el mundo podía ser artista, y podía compartir con la gente de a pie "eso" que antes sólo era cosa de Europeos.
Durante un tiempo, el burro persiguió sin dudarlo la zanahoria, y la rueda de la especulación funcionó.
Las grandes capitales de la economía liberal mundial también lo eran del arte y de la cultura: Londres, Nueva York , Berlín...porque el arte de la especulación necesitaba el dinero de la especulación...efectivamente, uno era el hijo del otro.
Pero un buen día el burro, por un momento, miró a los lados de sus orejeras y pudo ver un espejo, y se dió cuenta de que la zanahoria estaba atada a su lomo y que jamás la alcanzaría, y vió además que otros, unos pocos, se estaban dando el banquete gracias a su esfuerzo y el de otros millones de burros como él.
Ese día, el mundo vió que el SUEÑO no era más que un poster, y que la realidad presente, hipotecada y ruín, nunca se convertiría en una realidad futura de lujos y excesos, porque eso estaba reservado para quienes habían diseñado todo esto.
Ese día es HOY, y hoy estamos viendo que ese mundo ideal, esa forma de vida que parecía la única posible, se cae, se desmorona, y que muy posiblemente después de esta crisis el mundo no volverá a ser de la misma manera.
Con ese derrumbe económico, y en cierto modo, moral, de nuestra forma de vida, es muy posible que se derrumbe el poder hegemónico del país que nos ha llevado a ello,
Se cumplirá así un ciclo de la historia, que para mal o para bien, pronto será pasado.
Y el arte cambiará también con este cambio. Como en otros aspectos de la vida de la sociedad, el arte nacido de ESE modelo de sociedad que ahora agoniza ya no tendrá sentido, y como en otros aspectos de la sociedad, también al burro se le caerán las orejeras y podrá ver que ese "arte para todos" nunca ha sido otra cosa que otro reducto privado presa también de la especulación.
Posiblemente la llegada del HARTISMO y su coincidencia temporal con muchas cosas no sea una pura casualidad, y sí probablemente la demostración de que nosotros SÍ somos, de verdad, contemporáneos.
Y posiblemente la necesidad de cambios en muchos aspectos de la sociedad, cambios estructurales y no simplemente coyunturales, sea hoy más grande que nunca, y esos cambios sean más inminentes que nunca.
En los momentos en los que se vislumbra un cambio en el estado de las cosas siempre surge, además de la ilusión, la incertidumbre, y a veces el MIEDO a lo que vendrá.
Pero yo creo que hay algo que da mucho más miedo que los posibles cambios, y es la INERCIA, que hace marchar a la fuerza cosas que ya no funcionan

SALIR DEL ARMARIO

2008-10-09T03:16:00.000-07:00

Es curioso observar como, en los círculos de artistas, especialmente pintores, hay un desapego, una alergia, casi un rechazo, al uso de la palabra, al apoyo de la palabra escrita o hablada como una manera de que el artista pueda comunicar con su público.
Esto ahuyenta también posibilidades de promoción o de difusión de la obra de un pintor, que en un acto casi de autismo voluntario, se recluye en su pintura como la única verdad en la que cree dentro de un mundo del arte que considera demasiado prostituido para intentar arreglar nada.
Lo hemos comprobado estos días desde el HARTISMO...nos llegan montones de mensajes de adhesión, de gente que está deseosa de compartir su visión sobre el estado actual de las cosas, y de mostrar su obra, en muchos casos muy buena, que permanece recluída en el mundo privado de este artista, y en muchas ocasiones, después de unas muy interesantes palabras, cortan de repente su discurso con un "bueno, pero a mi no me gusta hblar, lo que me gusta es pintar...".
Una cosa no debería excluir a la otra, y las reflexiones de un artista sobre su obra y sobre su trabajo, que se hagan en voz alta, no pueden ser malas para nadie, todo lo contrario.
Lo que ocurre que nos hemos acostumbrado tanto a que nos "vendan la moto", al arte sostenido con discursos teóricos y pseudofilosóficos, que los propios artistas tendemos equivocadamente a ver la palabra como un enemigo.
Lo es cuando la teoría precede al arte y anula así su fuerza y validez creativa y expresiva, y cuando ese uso de la palabra es asumido por gente ajena al arte, que se asegura sin merecerlo un puesto en el pastel del arte oficial.
Este arte oficial ha hecho tan omnipresente la teoría y la palabra (ya hablaba de esto Tom Wolfe en La Palabra Pintada hace muchos años), que a mucha gente le puede parecer que la teoría es un elemento indispensable para ver y SENTIR el arte y no es así.
Pero tampoco tiene porqué ser un elemento enemigo, puede ser enriquecedor para el espectador. Lo que ocurre es que el ARTE que ha hecho de la palabra su monopolio y su razón de ser hace desconfiar al público y a los propios artistas de la honestidad de los discursos artísticos, a los que siempre se les hace sospechosos.
La solución a esto es que los artistas y pintores HABLEMOS, que salgamos del armario, que promocionemos sin complejos nuestra obra, porque si no lo hacemos contribuiremos a un círculo vicioso, en el que el espectador al que se le hable de arte se pondrá a la defensiva esperando a que se la metan doblada.
Y también contribuiremos con nuestro silencio y omisión, a que el espectador siga creyendo en la impostura de que el ARTE CONTEMPORÁNEO es un montón de chorradas donde la pintura no existe o si existe es una actividad artesanal en plan terapia ocupacional.
Hay magníficos pintores trabajando, muchos y muy buenos, y ellos son los primeros que tienen que defender su trabajo y no conformarse con circuitos de segunda división.
Hay muchos Museos de Arte contemporáneo, galerías e instituciones, foros y espacios que están tomados por el arte post-discurso. Exijamos los pintores ocupar esos espacios y no huyamos de ellos (y de las palabras) asumiendo con la cabeza baja que son patrimonio exclusivo de quienes los han tomado como tal.
Salgamos del armario de una vez

TEST. ¿SOY HARTISTA?

2008-10-03T08:10:00.001-07:00

Contesta las preguntas de este test de acuerdo con las respuestas dadas. Descubrirás si debes unirte al Hartismo o no.
Contesta con sinceridad. Ahora no te ve nadie.

1.Te acercas a ver un exposición de Joseph Beuys llena de sus clásicos, botes de parafina por el suelo, cajitas con cosas , trapos, etc. Tu piensas

a-esto es una puta mierda
b-estas cosas ya me parece haberlas visto antes. qué mal huele aquí
c-hay que respetar todas las sensibilidades, entiendo que haya quien diga que es un genio
d-una exposición magnífica y muy recomendable. Hierofánica.

2.En la boda de tu primo van a servir un novedoso plato: tiburón. Tú puedes elegir cómo quieres que te lo preparen:

a-en caldeirada
b-en ajada
c-en espuma
d-en formol

3.El pueblo de tu madre, a 120 kilómetros a la redonda de cualquier forma de vida conocida, está en fiestas. Te han nombrado concejal de cultura interino porque el titular tiene una hernia ya que intentó cambiar la rueda de su camión sin usar el gato, levantándolo a pulso. Por presiones ajenas a tí, en las que no vamos a entrar ahora, te instan a "modernizar" las fiestas, que siempre suelen consistir en masivas ingestas de chorizo y aguardiente, y en una charanga donde tocan unos tíos con trajes de charol todavía más borrachos que el resto de la gente.
Te dicen que debes acabar con esta tradición prehomínida y que organices en su lugar un festival de videinstalaciones. Ante esto, tú:

a-te suicidas
b-les presentas a los paisanos el festival, pidiendo disculpas de antemano por si alguien echa de menos su fiesta anual. En la presentación procuras que beban muchísimo para que luego no puedan seguirte.
c-les exiges respeto y silencio ante la colección de obras de arte procesual que van a contemplar, y les dices que ya iba siendo hora de que su puto pueblo fuera moderno y vanguardista. Mientras dices esto, a tres metros de tí tienes el coche en punto muerto, listo para meterte en él y abandonar el lugar a 150 por hora en cuanto empiece el show.
d-lo mismo que en la respuesta anterior, pero sin el coche esperándote.

4. Comes con tus compañeros de trabajo en un conocido restaurante de estos de nueva cocina. Tras un menú "degustación" consistente en un variado mix de espumas, aires, esencias e hilos variados, llega la cuenta, cuando tú no recuerdas haber comido nada, y el montante asciende a una cantidadequivalente a tu sueldo de 15 días.
En ese momento, un hombre vestido a lo Elton John, de negro riguroso, viene hacia vuestra mesa, y os pregunta qué os ha parecido lo que os ha preparado. Tu respuesta es la siguiente.

a-le agarras de los huevos con todas tus fuerzas y le dices que te traiga la comida.
b-le dices que muy bien, le das una palmada en la espalda y aprovechas para robarle la cartera, que por cierto, está repleta.
c-tragas bilis y hiel por no quedar en ridículo, y al salir te vas a cenar al Mc Donalds, del que vas a tenerte que ir sin pagar, pues ya no te queda un duro.
d-Te sientes partícipe de una experiencia magnífica.

5. Vas al museo de arte contemporáneo con tus sobrinos. Hay una exposición de videoarte, con unas piezas que un hijodeperra que te ha cobrado tres euros por cabeza te asegura que son muy interesantes.
Entras en una sala oscura y comienza el vídeo. Es una imagen de una vieja sentada en una silla. Pasan quince minutos y la imagen todavía no ha cambiado de plano. Tus sobrinos comienzan a impacientarse y tú no digamos.

a-Buscas el aparato de DVD , lo arrancas y lo lanzas con toda tu alma hacia el rostro del que te sacó la pasta al entrar. Con el revuelo aprovechas para robar el proyector, y huir con tus sobrinos.
b-buscas el aparato de DVD, convencido de que alguien le ha dado sin querer a la pausa.
c-Instas a tus sobrinos a que se callen y te dejen terminar de ver la obra.
d-Explicas a tus sobrinos el significado de la obra.

6-Acudes al museo del Prado a ver una exposición de obras de Velazquez no expuestas habitualmente. Después de dos horas de visita

a-no notas el cansancio, te apena irte y pensar que puede que nunca vuelvas a ver in situ esas obras.
b-estás muy cansado, pero te gusta tanto la exposición que aguantarás más tiempo
c-te parece todo una antigualla, a tí te van mas las cosas modernas
d- ¿el museo de quéee?

7-te venden un coche híbrido, diseñado por el insigne artista Damien Hirst.
Te cuesta 40 mil euros más IVA. Cuando llevas con él tres días caes en la cuenta de que consume la hostia, no arranca, se cala, no le funciona la marcha atrás ni los intermitentes, y que de híbrido nada, sólo funciona con gasolina 95. Vas a la casa, una marca de nuevo cuño llamada Sothecar´s, donde te informan que el valor del coche viene dado por quien lo ha diseñado, y que lo de híbrido no significa que funcione con gasolina y con electricidad, sino que unas veces funciona y otras veces no. Después de explicarte esto con desgana y sin mirarte a la cara, te hace una seña con desdén con la mano para que te marches, porque está muy ocupado.
Según él, la casa va a recibir la visita del Señor Hirst. Tú...

a-Esperas al Hirst y cuando llega lo reduces, a él y al señor que te atiende, y les obligas a tragar 16 mil litros de formol (a cada uno)
b-así como te hace la seña con la mano el hombre que te atiende, se la coges y se la retuerces con todas sus fuerzas
c-Bueno, son cosas de los artistas...ja, ja, qué ingenio tienen.
d-qué suerte tienes, poca gente en el mundo puede decirlo, y sólo te ha costado 40 mil euros.

8.Después de acabar este test, te ha parecido:

a-una soplapollez que flipas
b-un pasatiempo. No tenías nada mejor que hacer
c-interesante
d-una obra de arte procesual de la que tú eres una parte fundamental.

Las respuestas a valen 0 puntos, las b 1 punto, las c 2 puntos y las d ocho trillones de puntos.
Suma todos los valores y si el resultado es
-CERO, es que eres un HARTISTA, a tí no te la dan con queso, únete a nsosotros, colega!
-Entre CERO y DIEZ, es que eres una persona normal. No hartista, hartista propiamente dicho, pero un tío normal. Pero bueno, tienes que exteriorizar esas cosas que piensas de vez en cuando, porque guardarse lo que uno piensa no es nada bueno.
-Más de DIEZ. Tienes que ir pensando en montar una galería, o hacerte comisario de exposiciones, tienes cierta empatía con el arte moderno. Qué suerte tienes.
-Más de MIL. Eres un crítico y/o teórico en potencia, lo tuyo es de verdad el arte de vanguardia, qué afortunado, ojalá yo fuera también así.
-Me da MUCHÍSIMO, pero no voy a contarlo que me canso. Bueno, esto ya es el acabose. ERES UN AUTÉNTICO ARTISTA CONTEMPORÁNEO.

LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS

2008-09-17T13:52:00.000-07:00

Ayer ví en la tele una interesante entrevista a Maitena, dibujante de comics argentina, en la que decía que, en estos tiempos, lo más importante en una obra (se refería al comic, pero por extensión a todas las artes), es el contenido, el guión, lo que se comunica o se expresa, y que últimamente se había sufrido un empacho de "nuevas tecnologías" hasta el punto de que en las artes primaba muchas veces la exhibición del dominio sobre estas sobre ese contenido.
Yo no puedo estar más de acuerdo. Creo que la obstinación de muchos creadores plásticos, productores y directores de cine..., artistas y promotores artísticos en general, por ser "artistas de su tiempo" y confundir eso con la imperiosa necesidad de hacer QUE SE NOTEN en la obra esas tecnologías, hace mediocres muchas propuestas, que sin mediar esa equivocada obsesión pudieron llegar a ser interesantes.
En el mundo del diseño gráfico ya se pasó (y afortunadamente ya se vuelve), por esa absurda fase en la que, tras la llegada de los primeros programas informáticos populares, se extendió el uso y abuso de extrusiones, sombreados, rellenos fotográficos, exceso de tipos de letra en un mismo diseño, y en fín, exhibiciones de potencial informático que no eran más que un canto gratuito a la horterada.
A mí me recuerdan a esos vídeos de boda en los que cada secuencia se separa de la siguiente con cortinillas variadas, de todas las formas posibles relacionadas con lo amoroso: corazones, palomas, y otras maravillas...todo aderezado con profusión de efectos de virados a sepia, a azul, y a lo que haga falta, sin olvidarnos de los glamourosos efectos de difuminado, a lo Sara Montiel.
Muchas películas muy taquilleras y famosas no se alejan mucho de esta concepción "artística" en la cual se pretende mostrar al espectador un diluvio de recursos, bajo cuya presencia el mensaje es...inexistente.
Y si existiera, desde luego, quedaría empobrecido y ninguneado, pues de cualquiera es sabido que en las comunicaciones, y en el arte posiblemente muchas veces también, rige un principio de eficiencia según el cual decir mucho con pocos recursos es más interesante para el espectador y más enriquecedor en la conexión de este con el creador que decir algo (mucho o poco) con muchísimo arsenal de recursos.
Las artes plásticas no se libran de esta reverencia al totem de las nuevas tecnologías, y en muchas muestras de arte "contemporáneo" se observa como la pintura y el dibujo ya no son formas "actuales" de crear imágenes, y debe ser el ordenador quien, por narices, y de forma lo más NOTORIA posible, genere el imaginario de la vanguardia plástica.
Vemos en muchos cartelitos de exposiciones auténticas odas a la tecnología (y a la pedantería)...yo ahora mismo recuerdo una profesora de la Facultad de BBAA de Pontevedra que exponía "electrografías sobre acero y cristal" (fotocopias enmarcadas, para entendernos).
Y si en una exposición de las del "circuito" vemos figuración, es en forma de obra infográfica, donde la antigualla de la pincelada ha dejado paso al contorno y al píxel, mucho más libre de lo sensible, lo anecdótico, y esas mierdas antiguas contra las que lucha ferozmente la policía de la modernidad en que se han convertido estos altares del arte moderno.
Yo también uso el ordenador, lo confieso, pero no más ni menos que las pinturas o el boli. Para mí, todos se reducen a la categoría de INSTRUMENTOS, y acaso, un lápiz o un picel estén en una categoría superior, puesto que su sencillez y simplicidad permiten un trazo inmediato, de la cabeza a la mano y al soporte, que el ordenador cubre con fases intermedias (es decir, con sucesivos instrumentos, no un instrumento único).
Esto hace que un trazo manual, gestual, sea una extensión lo más pura posible, de la persona. Es como un grito, algo animal, comparado con una frase o una palabra, algo ya codificado.
Anxo Varela, en su blog, que cito abajo, hace una interesante defensa del dibujo, necesaria en nuestro tiempo.
Defendamos pues, el dibujo, y el arte con contenido, no limitado a una exhibición de "recursos modernos".
Esto sería como pretender hacer "poesía moderna", y para ello escribir poesía que incluyese las palabras "email, dvd, usb, etc...", como si fueran las palabras, el continente, lo que da sentido a una obra y no su contenido.
Las artes, la literatura, la pintura, el teatro, la música, el cine...siempre han hablado y siempre hablarán de los temas que están dentro de todos nosotros, y que siempre lo estarán: la vida, la muerte, el amor, el odio, el miedo...las pasiones y las debilidades humanas.
Que ahora mandemos emails en vez de cartas no evita que esas pasiones sigan guiando nuestras vidas y que lo sigan haciendo siempre, y no puede ser una excusa para que el arte dé la espalda a eso que ha sido siempre objeto de la creación humana, y abrace un arte en el que el envoltorio de actualidad sea un objetivo en sí.
Cuando no se tiene algo que decir no se hace arte por mucha "electrografía" y mucho photoshop que pongamos en el asador...y cuando damos la espalda a las cosas que siempre y desde siempre han estado en las creaciones de los artistas, pensando en que ahora "es diferente", lo único que conseguimos, como artistas, es que sea el público el que nos dé la espalda, y que nuestro arte sea tan moderno como inútil.

EL TIMO DE LA ESTAMPITA

2008-09-16T04:20:00.001-07:00

Imaginemos por un momento que un ser cándido, noble y virginal, con aspecto humano, llega a la Tierra con una edad ya madura, y libre de las miserias con las que el ser humano gusta de amenizar su existencia.
Algo así como el Clark Kent de la película Superman.
Supongamos que ese tipo, en su proceso del aprendizaje de las inexcrutables e inexplicables contradicciones humanas, va a dar un paseo por la ciudad y se encuentra, agachado en una esquina y cagándose en los muertos de alguien cuyo nombre no le suena a nuestro Clark Kent, al desolado galerista de Damien Hirst.
Nuestro héroe le podría preguntar a este hombre:
-¿Pero qué le pasa a usted?
Y el respondería:
-Nada hombre, que me acaban de joder ahí un negocio...hace falta ser cabrón.
-Pero explíqueme un poco, que es que no soy de aquí, vengo de muy lejos...¿en qué consistía el negocio?¿quien le ha estafado?.
Nuestro galerista, consciente de que está ante un completo indocumentado culturalmente, que además es un ser inocente y bueno, le explica en palabras llanas y entendibles por él la trama del abuso que ha sufrido:
-Pues nada, que llevo cinco años de socio con un tipo, intentando vender animales disecados haciendo creer a idiotas que son obras de arte...habíamos dado la campanada y ya los teníamos tasados en una casa de subastas por varios millones de euros, íbamos a vender obra y a forrarnos y el muy hijoputa...va y me deja plantado...¡a mí!, a su galerista, que llevo aguantando sus mierdas durante años, tengo en casa varios bichos disecados de esos que huelen que apestan, y además dan miedo a mis hijos...tengo que guardar el coche en la calle porque en mi plaza de garage hay un rebaño disecado de cabras...Además, un día que llegué borracho a casa se me cayó un poco de formol por accidente en la zona genital, y se me ha necrosado un testículo...en fín, amigo, una vida de sacrificios para nada, ahora nos llega la oportunidad para subastar y este tío lo hace por su cuenta y pasa de mí.
-¿Varios millones de euros?¿cuánto es eso?...es que soy de fuera, no entiendo su concepto de dinero.
-Joder, macho...me ha mirado un tuerto, primero me estafan y ahora tengo que explicarle al pesao este... a ver, hombre, a ver...Mire, más o menos medio millón de euros valen para construir un colegio. El cabrón del Damian ha vendido uno de los becerros disecados que hizo en 4 millones de euros...fíjese, yo voy al cuarenta por ciento, asi que...
-O sea, me está diciendo que con ese dinero..pero...entonces, no entiendo, ese becerro, ¿no vale ese dinero?
-Pues claro que no, estúpido, ese becerro no vale ni para una churrascada, está metido en formol...hombre, tiene una pieza que se supone que es de oro...la verdad es que no lo es, pero bueno, nadie va a meter la mano en el formol para comprobarlo...yo sólo metí un huevo y mire como se me ha quedado..
-No hombre, no hace falta que...
-Mire, joder, mire ahí!
-Uy, pues sí que le ha quedado mal, si...
-Bueno, pues no, claro, el asunto es que...a ver, usted no es de aquí, ¿no?...no sabe nada de arte moderno.
-Me temo que no
-Pues la cosa está en crear una especie de mitomanía hacia la obra de un tío, hacer creer que es buenísimo, y que esa plusvalía nos dé dinero a los que le hacemos subir su cotización.
-pero...¿y no sería lógico subir la cotización de alguien bueno de verdad?
-Pues claro que no, hombre...pero que tonto es usted...si un tío es bueno y su obra también...¿donde está la plusvalía?..además si es bueno, la gente lo va a apreciar y va a querer ver cosas suyas en los museos, va a meter las narices, y nosotros necesitamos discreción, ¿me entiende?...que la gente pase de nosotros...Además, es incluso mejor que el artista sea un poco tonto...que no esté mucho en el ajo, que realmente se crea que lo que hace es bueno...así se conforma con su fama de artista y el dinero nos lo quedamos todo nosotros, los intermediarios. Yo, en cuanto ví a Damien me dije: "este es tonto", pero resulta que no lo era, el hijoputa...
-Pero usted actúa de manera incorrecta.
-oiga, oiga, que ser manager es muy jodido, eh?...no se crea que aquí es todo...míreme ahora, tenía que estarme forrando y estoy aquí, con usted.
-Es usted una persona indecente, jamás lo hubiera pensado...¿cómo puede vivir así?
-oiga, retrasado, déjeme en paz, ¿no te jode el cuatro ojos este?...¿quien se cree..
-Lo siento, pero voy a tenerle que aplicar mi rayo de mirada laser como medida de castigo..
-su que?...oiga, no, no se pase, eh?...que yo no le he faltao...NO!...no!, EN LOS HUEVOS NO!...AAAAAAAGGGHHH!.....qué gran artista muere conmigooo...

Este sería, a groso modo, un hipotético encuentro entre un hombre bueno del espacio y el galerista de Damien Hirst, ese que se siente estafado por su artista, que no ha contado con él para repartirse el pastel.
Estamos ante una versión un poco aglamourada del españolazo TIMO DE LA ESTAMPITA, en el que la mecánica consiste básicamente en hacer creer a un tipo que va a estafar a un tonto, cuando al final, el estafado es él.
En la vida real, el individuo víctima del timo de la estampita jamás lo denuncia por que evidentemente, la sociedad lo repudiará, no sólamente por imbécil, sino además por estafador, aunque en grado de tentativa, que es aún más triste y despreciable que serlo en grado sumo.
Sin embargo, en el acotado y extraño.mundo del arte, este timador timado sí se atreve a salir a la palestra y decir: "oye, Damian...que me tienes que dar por lo menos dos millones por el becerro disecado ese que vendiste"...y lo dice, el tío, sin temor a que el gran público juzgue sus palabras...posiblemente porque el gran público es ajeno a todo esto, no quiere ni ver este corral, y considera esto una polémica entre trileros, una trifulca de piratas de medio pelo.

Posiblemente, hablando en descargo de toda esta CHUSMA, hay un pequeño matiz que diferencia la ESTAFA de la ESPECULACIÓN.
Ambas son hermanas gemelas, pero sí es cierto que, como todos los gemelos, no son iguales del todo...
La ESTAFA es un acto meridianamente delictivo, por el cual obtenemos beneficio de un incauto por un bien o servicio que no lo vale...por unos sellos que se hace creer que valen millones, por un coche con el cuentakilómetros tocado, etc. Es un acto en el que la parte activa conoce el acto de valoración ficticia de lo que ofrece, y la pasiva no.

La ESPECULACIÓN es una estafa consentida por ambas partes, que sabrán (o esperarán) que haya una tercera, que a su vez esperará que haya una cuarta, y así ir aumentando una plusvalía sobre un objeto que está destinado a pasar de mano en mano.
El objeto de la especulación pierde su valor de uso real, y se convierte en un valor de cambio, generador de dinero por su simple cambio de manos, en una artificial fábrica de dinero...
Esto ha sucedido, por ejemplo, con la vivienda...se han vendido miles de viviendas con un fín meramente especulatorio, hasta el punto de que nadie las veía ya como viviendas, ni reparaba en sus defectos de calidad, ni de habilitabilidad o capacidad mínima de suministros...porque no eran viviendas, sino monedas de cambio.
Como en el juego de la cerilla, el último, al que se le apaga, es el que pierde, y el que se quema las manos...las manos por las que va pasando el OBJETO de la especulación se llenan de dinero con el trasvase, pero llega un momento en el que la cerilla ya es demasiado corta, o cambian de repente las condiciones del juego, y la gente despierta...ya no hay un quinto o sexto jugador a quien pasarle la cerilla. La gente abandona el juego, y el que tiene la cerilla en la mano, pierde.
Para los piratas, lo peor que puede ocurrir es que se termine el tren de la especulación...para los que valoran ese objeto de especulación por lo que ES, y no por lo que PUEDA VALER, es un alivio...los piratas abandonan el barco y sólo se quedan los marineros.

Cuando alguien habla de que gran parte del arte contemporáneo es una ESTAFA, habría que corregirle y hacerle ver que no es exactamente eso..es pura especulación, el que se ha gastado cuatro millones en el becerro disecado no es un pobre tonto, o al menos de momento no...es un tipo listo que piensa que ha comenzado a rodar la noria de la especulación, y que tendrá que guardar esa horterada, que evidentemente NO es una obra de arte, en un almacén, hasta que aparezca el sujeto número dos y se la lleve por un millón más.
Puede que a este primer comprador aún no se le apague la cerilla, y puede que sí, que le salga mal esta aventura bursátil (porque no es otra cosa) y se quede sin sus millones y con una vaca metida en formol para el resto de sus días.
A mí, desde luego, lo que le pase a este tipo me da lo mismo...me gustaría no estar enterado de todo esto. Me gustaría que las secciones culturales del Telediario de la TV pública hablasen de ARTE y Cultura, y no de Damien Hirst, que los museos e instituciones públicas españoles y por extensión gallegos no intentasen torpemente imitar a la institución británica (privada) que ha amparado el SHOW Hirst, destinado a hacer brotar dinero. (Por lo menos, ellos no han utilizado el erario público para empezar a hacer girar su noria, como se hace aquí).
En fín, me gustaría que algún día los amantes del arte podamos NO SABER NADA de toda esta gente y de sus miserias, que las reyertas entre trileros sólo sean eso, y que el arte sea otra cosa y no tenga nada que ver...porque no tiene nada que ver.

LA NUEVA COCINA

2008-08-30T13:05:00.000-07:00

Hoy, el Diario EL PAIS contiene un interesante artículo en el que analiza el fenómeno de los cocineros-gurú, sus adeptos, sus imitadores y sus miserias.
El artículo se titula EL ARTE DE LOS FOGONES y puede consultarse en este enlace:
http://www.elpais.com/articulo/semana/arte/fogones/elpepuculbab/20080830elpbabese_3/Tes

Más allá de lo facilón que es ya hacer chistes sobre este tipo de cocina, que nos lo pone a huevo, o a espuma de caviar de gallinácea, como diría uno de estos tipos, es muy interesante el paralelismo que hace el artículo con el mundo del arte, y sobre todo con la definición de este tipo de manifestaciones como una respuesta a una necesidad que tienen muchas personas de diferenciarse por medio de snobismos y extravagancias que una supuesta convención social acepta como propias de paladares exquisitos.
La penosa estampa de ver a una política importante vistiendo un traje de Agatha Ruiz de la Prada es un ejemplo de como la extravagancia (y la horterada)puede convertirse en convención, pero en convención cara, lo que la hace apetecible por memos que creen ser privilegiados.

A mí me gusta mucho comer, y alguna vez he ido a un restaurante de estos, en los que se respira un ambiente más propio de un templo que de un comedero.
La verdad es que el sitio al que fuí no me dejó indiferente: la comida, que es lo único que me inportaba, me encantó, tengo que decirlo...jamás he comido tan bien. Eso sí, la performance que montaban los comensales, mis compañeros de mesa, queriendo hacerse los entendidos en vinos, tratando al chef como si fuese un emperador, y hablando en voz baja como si las conversaciones banales no tuvieran lugar en un recinto sagrado, me apenaron.
No entiendo porqué esta gente no le habla con el mismo respeto a un cocinero de una churrasquería, que aunque seguramente peor cocinero, ofrece una relación calidad-precio indiscutiblemente mayor.
Uno de mis compañeros de esta cena que para mí resultó un auténtico y triste experimento sociológico propuso dejar una propina de seis euros por cabeza.
Yo me negué, porque creo que si sumo las propinas que he dejado en mi vida, no llegarían a los seis euros.
Además, la cena me había costado ochenta, y creo que ya era una propina suficiente.
En fín, dudo que el que propuso esta ostentosa propina deje alguna vez seis euros en un bar, restaurante, o incluso puticlub.

Tras uno de los platos, que aunque riquísimos no eran muy abundantes, el chef vino a preguntar si alguien quería repetir, un detalle interesante(que también hacen muchas churrasquerías y comederos), y sólo yo dije que sí.
Cuando me trajeron el plato repetido, observé que varios de los comensales querían también repetir, (no había más que verles la cara), pero que no lo pidieron porque seguramente lo consideraron "vulgar". Yo pregunté a la chica que estaba a mi lado, a la que se le iban los ojos a mi nuevo plato, lleno otra vez, si quería más.
Me dijo, con voz de realizar una gran confesión, que sí, seguramente con la esperanza de que le diese un poco de mi plato.
Pero no era esa mi idea,...lo que hice fué levantar la mano y llamar al camarero, para hacerle una seña de que todos los demás querían repetir.
Cuando mis compañeros de mesa me vieron levantar la mano para llamar a ese semidios, como quien llama a un vulgar bodeguero con la nariz roja y un palillo en la boca, sentí su frenesí colectivo y su repentino pánico a la escena que estaban presenciando, y me bajaron la mano de la manera más vulgarmente fina que encontraron en ese momento.
Estuve a punto de ser linchado, y después, uno de mis compañeros de mesa, me dijo en voz baja y tomo piadoso, como quien le explica el fuera de juego a un gilipollas, que en sitios "como ese" no quedaba bien que se repitiera un plato...(por cierto, me lo dijo el mismo tío que luego quería soltar seis euros de propina.
Yo estuve a punto de levantarme e irme (sin pagar, claro), pero decidí quedarme a seguir viendo la performance colectiva que mis compañeros seguían montando.
Al final, el chef vino a charlar con nosotros, y a recibir las reverencias y el babeo de mis amigos.
Lo noté un poco incómodo ante tanta tirantez y postureo, entre tanto trato ilustre y palabra calculada.
Al final, se dirigió a mí, que estaba callado, observando, y me preguntó qué me había parecido la cena.
Yo le contesté que había cenado "de puta madre", y creí ver en él un suspiro de alivio, que le permitió relajar las cervicales durante un momento y volver a sentirse una persona normal.
En aquel momento, juraría que aquel tío hubiese dado lo que fuera por ser un bodeguero con la nariz roja y un palillo en la boca, y que es su bar la gente estuviera feliz, borracha y eructando hacia los cuatro puntos cardinales.

PERO QUÉ PUBLICO MÁS TONTO TENGO

2008-07-27T09:41:00.000-07:00

Recientemente saltó la polémica en Caldas de Reis (Pontevedra), a causa de una escultura, del artista Fernándo Sanchez Castillo, que resultaba ser una fuente de agua potable en la que el agua manaba de un busto del dictador Francisco Franco, enmarcado esto en un festival de arte que consiste en colocar obras, sobre todo esculturas e instalaciones, en las calles de Caldas, en los días que dura este festival.

A los políticos, como es costumbre, les ha faltado tiempo para hacer el ridículo. El portavoz del BNG es esta ciudad, Tino Carou, ha abanderado una furibunda cruzada por la "retirada inmediata" de esta "estatua" al dictador. Según la prensa, las palabras textuales de este individuo son: "Ahora que se están retirando los símbolos franquistas no tiene sentido esta estatua que parece devolverle la vida, echando agua por la boca".

Es lamentable que un indocumentado, por mucho puesto político que ostente (y no es mucho, en este caso), se lance al ruedo, no ya opinando alegremente y poniéndose en evidencia (al fín y al cabo la opinión es libre, allá él), y exija, de una manera histérica que se lleve a cabo lo que al fín y al cabo es un acto de censura, basado simplemente en su infantil interpretación de lo que él llama una "estatua".

Lo triste de la clase política que tenemos y merecemos es que consideran el arte un objeto que debe hacer uso de su propio lenguaje, el de los políticos, el lenguaje baboso de lo políticamente correcto y aséptico.

Quizá la cultura de la subvención les ha llegado a hacer pensar que son ELLOS, los políticos, los que deben marcar el compás de la cultura y del arte, y eso es una equivocación especialmente grave y temeraria, sobre todo cuando el político en cuestión no tiene ni idea ni de arte ni de cultura.

Yo defiendo y defenderé siempre, eso queda claro en este blog, la libertad individual de opinión y criterio artístico de las personas, pero NO así de los políticos que ostentan una representación ciudadana y que hablan de modo institucional, no individual.

En este caso la potestad para opinar debe quedar muy, muy restringida por el sentido común, máxime si esa opinión va adherida a inexplicables mensajes furiosos y a faltas de respeto gratuítas a un artista cuyo mensaje son incapaces de comprender.

Queda claro con las palabras de este hombre y sus colegas, que su concepción del "arte" no va más allá de "estatuas", y representaciones que ensalcen o apoyen o loen al poder. Eso, tristemente, pone en evidencia qué es lo que apoya y subvenciona esta gente cuando dice o busca "apoyar al arte".

Es obvio, es tan sumamente obvio que da vergüenza hasta explicarlo, que esta obra NO es una estatua, NO es una exaltación del franquismo ni de la dictadura. Es un juego entre el artista y sus espectadores, que deben elegir entre su repudio a un símbolo de significado evidentemente macabro, o entre calmar su sed en los calurosos días de julio.

Más que exaltar, yo diría que ridiculiza y utiliza la imagen de este personaje, de Franco, con una intención conmemorativa nula, que sólo puede ser captada en un espectador plano, acostumbrado a percibir el arte en la calle como un tributo a los políticos y no a los ciudadanos.

Parece doblemente lamentable que esta metedura de pata venga desde el representante de un partido, el BNG, que siempre se ha querido hacer pasar por abanderado de la cultura, en contraposición con anteriores gobiernos, que segun ellos dicen, la despreciaban.

Yo, de hecho, les he dado mi voto en más de una ocasión con ansias de que en Galicia cambiase el inmovilismo cultural y social que nos ha anclado durante décadas.

Pero, a no ser que en este asunto se produzca una rectificación que muestre que esto sólo ha sido un patinazo individual, y no fruto de una perversa concepción colectiva de la palabra "cultura", no lo volveré a hacer nunca más.

No, porque lo primero que debe hacer un político, sobre todo si se quiere mostrar como progresista a sus ciudadanos, es entender que la cultura, aunque se apoye desde la administración, no es un instrumento del poder ni tiene porqué entenderse desde sus parámetros, y cuando no se entienda, lo mejor es callar y seguir trabajando en las obligaciones propias de los políticos, que son administrar el patrimonio público.

La actitud del PSOE en el asunto no ha sido menos bochornosa...se ha negado a retirar la obra con el argumento de que la polémica que ha generado "hará venir más gente a Caldas y más conocido el festival", como si esa fuese una razón de peso para no ejercer un acto de censura, dejando quizás entrever que sí lo ejercerían si no viesen beneficio propio en no censurar.

El de la "estatua" los ha puesto en evidencia a todos, y ha dejado al descubierto qué significa la cultura para el ala progresista de nuestra clase política...mala noticia, sí.

Los lectores de este blog sabrán que yo no soy precisamente amigo de las conceptualadas, que a mi lo que me va es la pintura, los comics, y el arte que llega a la gente y no el que la esquiva. Tengo, además, especial aversión por todo lo que organice la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, en la que tuve la desgracia de recalar 5 años (esta facultad es la que organiza el certamen de Caldas)

Sin embargo tengo que reconocer que esta obra SÍ me parece interesante.

Yo habitualmente rechazo, y mucho, todo tipo arte que busque dejar en evidencia al público, a la gente normal, cosas tipo ready mades, como pretender hacer pasar montones de cajas, de mierda o de lo que sea, como arte, y usando el rechazo del público ante la engañifa como una forma de agredir al mismo público como si este fuese igorante o estúpido.

Eso, que los artistillas llaman ironía, que yo detesto, y que creo que es muy abundante en el mundo de la conceptualada, no está presente en esta obra. Esta obra no hace uso de la ironía, sino del humor negro e inteligente, que es algo muy distinto, y además no busca dejar en evidencia la percepción relación del arte con el espectador normal, con la persona de la calle (lo cual es mezquino y ruín), sino con el poderoso, (en este caso el político con poder municipal), lo cual es brillante.

No sé si el autor lo ha hecho así a propósito o no, pero tengo que darle la enhorabuena, porque esto, a diferencia de tantas y tantas obras de un corte parecido, sí me parece interesante.

Espero que esto no se quede en una simple anécdota y sirva para que muchas personas que ocupan un puesto de responsabilidad en asuntos culturales hagan una seria reflexión sobre el papel que deben desempeñar de cara a la cultura, y de su propia concepción de la misma.

Pretender utilizar, sesgar, seleccionar o manipular la oferta cultural según parámetros políticos o ideológicos, y hacerlo además tan burdamente no es muy bueno para la imagen de los políticos y puede hacer que pierdan por muchos años lo que realmente les importa, que es evidente para todos que no es la cultura, sino el poder.

El poder del que se ríe a carcajada limpia el autor de esta "estatua"

LAS ARTES CON MAYÚSCULAS

2008-06-26T09:55:00.000-07:00

Siempre se ha dicho que hay SIETE artes mayores, que son, por este orden:

pintura, escultura, arquitectura, literatura, música, danza, cine.

Parece ser que se ha concedido que el COMIC se considere el "noveno arte", y supongo que la fotografía el octavo.

No quisiera que esta entrada fuese un monólogo, sino un debate sobre hasta qué punto esto tiene sentido en el panorama actual.

Si hablamos del arte OFICIAL, del catalogado como actual por las instituciones que se conceden el derecho a poner esta etiqueta, parece claro que la PINTURA ha dejado de ser el primer arte, y la escultura el segundo.

En su lugar ha aparecido ALGO que podríamos llamar "arte actual", o "arte para grandes eventos", o "arte del circuito"...(o arte oficial, que es lo que es , al fín y al cabo).

Este arte se jacta de su RUPTURA DE FRONTERAS, de que supone el final de la división entre diferentes artes, y por ello, una especie de nueva "libertad" para creadores y espectadores. Sin embargo, esta ruptura de fronteras es sólo ilusoria: es cierto que desvanece la frontera entre pintura y escultura, pero crea una frontera mucho más fuerte, un auténtico muro que separa este ARTE del mundo real.

Cuando las ARTES eran espacios delimitados y acotados, eran paradójicamente, más cercanos al público, más populares.

La supuesta llegada de la "libertad" que proponen las postvanguardias, basada en esa ruptura interna de fronteras, no existe realmente para el espectador, porque no es un paso que se ACERQUE al espectador, es un paso que HUYE de él, busca hacer un arte más elitista.

Esta tendencia a HUIR del público, o cuanto menos, transformar el público objetivo en una aparente ELÍTE, es coetánea con la popularización de la cultura que se da en el siglo XX. La educación ya no es un privilegio, los medios de masas llegan a todo el mundo: quienes gustaban del arte tan sólo por su valor elitista y diferenciador de clases ya no tienen otra opción que creer en un arte que base su carácter diferenciador en el hecho de que sólo puede ser entendido por unos pocos.

Surge aquí la hipertrofiada necesidad de la TEORÍA que convierta en arte cosas que nunca lo habían sido, que de una explicación racional y coherente a algo inaceptable desde el punto de vista artístico.

Mientras ese GRAN ARTE de Bienales y grandes galerías leva anclas hacia el país de nunca jamás de estas autoproclamadas élites intelectuales, las ARTES MENORES ocupan, sin pretenderlo, y sin haberse dado ni cuenta, el espacio que otro tiempo ocupó la pintura y escultura: el de ser las ARTES que MEJOR DEFINEN su contexto histórico.

Aunque obviamente sujetas a otras servidumbres, el cine, la literatura, la música, los comics..., han crecido fuera de los atavismos de querer ser vanguardia, de querer ser contemporáneos, de obstinarse en ser incomprendidos.

Los dibujantes de comics, los cineastas, los escritores, los fotógrafos...se han limitado a CREAR desde su interior, a ocuparse de observar y hacer observar los problemas, las obsesiones y las pasiones del mundo.

Mientras el ARTECONMAYÚSCULAS continúa con su viaje a ninguna parte, estas "artes menores" se han convertido en artes mayores de nuestra época, sin que los teóricos, los gurús, y todos los idiotas que fingen entender de esto, se hayan dado cuenta.

Una vez oí a Miguelanxo Prado, gran dibujante de comics, decir en una conferencia que si en el año 3000 se estudiase el arte de este siglo, el XXI, seguramente se estudiarían el cine, los comics, incluso los programas de tv, pero seguro que se ignoraría todo ese GRANARTE que es hoy el arte oficial que ocupa nuestros museos.

Ese arte que nos aburre y que se empecinan en hacer pasar por NUESTRO, no será entendido como tal en el futuro, por la sencilla razón de que tampoco lo es en el presente.

Puede que en ese futuro se hable también de pintores del siglo XXI, como resistentes de una de esas 7 artes mayores que sólo serán reconocidos cuando ese GRANARTE deje ver el bosque.

Volviendo a esa lista de las GRANDES ARTES, nos queda también la arquitectura, hoy bipolarizada en dos corrientes, también, y muy lejana a la actividad que mereció esa consideración de una de las grandes artes.

Esas dos corrientes son, por un lado, la arquitectura intrascente, insignificante, asociada a la pura necesidad ( a veces, más que necesidad, actividad lucrativa, moneda de pura especulación), de construir viviendas, y por otro lado, la arquitectura pretendidamente trascendente, la arquitectura espectáculo, que se hermana más con el GRANARTE del que hablaba, de las Bienales y grandes eventos, que con algo realmente honesto y que busque ser un puente entre el creador y su público.

Así las cosas, mi opinión es que en el panorama artístico actual, entendiéndolo qe la forma más amplia posible, se ha instalado un ombliguismo y una autoadoración que destruye la esencia del propio arte y que es un camino hacia ninguna parte.

El arte como privilegio, como símbolo de las élites, o para las élites, condena de hecho al GRANARTE a ser un pequeño arte, y posibilita a los pequeños medios de creación , relegados a un pequeño lugar en el olimpo, a convertirse, fruto de su propia humildad, en los auténticos documentos artísticos vivos del mundo en el que están inmersos.

QUÉ AMENO Y QUÉ BIEN TODO

2008-06-17T08:17:00.001-07:00

El falaz dogma de fe del arte actual que considera el arte como algo disfrutable sólo desde el intelecto y no desde los sentidos, disfrutable al fín y al cabo, como lo son las cosas de la vida de las que disfrutamos, ha llevado a nuestra sociedad a condenarse al padecimiento de un arte insoportable de puro aburrido, soporífero y gris.

Ha caído en mis manos este folleto que anuncia que el CGAC (Centro de Arte Contemporáneo de Galicia) está de cumpleaños y por lo tanto, en fiestas, ofreciendo un ramillete de actividades culturales y artísticas.

Esta imagen que abre el catálogo, de hecho, lo dice todo...el arte que cuelga en nuestros museos de arte contemporáneo es la alegría de la huerta, el disfrute puro, orgasmos para nuestros ojos.

Lo malo no es que el arte oficial sea puro aburrimiento, sino que además se regodea en parecerlo, en hacer hincapié en esa estética alternativopija, de diseño aséptico y gris, de irritante eclosión de la nada.

En este contexto, por supuesto, la pintura no pinta nada. Hasta el Perro Enterrado de Goya es un canto a la fiesta y a la alegría de vivir al lado de las propuestas de nuestros CGACS, empeñados en negar al arte la posibilidad de ser disfrutado sin más, de ser un espectáculo visual en sí mismo (y no en virtud de una supuesta transgresión o exceso).

L a gran equivocación de lo que hoy es el arte oficial es el erróneo papel que se ha asignado a la crítica y a la teoría artística, que se han convertido en un obstáculo a la pura y simple contemplación y el goce estético, ha alejado al público del arte que debe disfrutar, el de sus museos públicos, y ha creado un perfil de "artista-entendido en arte" ombliguista que desprecia el arte como expresión y abraza su uso como una mera transliteración de teorías estéticas, que además, de ya manidas y recauchutadas producen bostezo incluso entre estos propios entendidos, que aún así, se resisten en abandonar el club privado que nuestros impuestos les pagan sin que nosotros queramos.

El diseño y marketing de este arte aún redunda más en este pretendido elitismo intelectual que no es tal...Este panfleto nos dice bien claro que sí, que esto es una fiesta del arte, pero no es una fiesta cualquiera...es una fiesta sólo para "ellos", para los que forman esa élite que es la única en el universo capaz de intelectualizar el arte, cosa que los mortales que no entienden del asunto jamás podrían hacer.

Para fiestas como estas, quién necesita velatorios...Los artistas y espectadores a los que esta estampa (intencionadamente) ahuyente, entre los que evidentemente me incluyo, esperamos con la paciencia que ya nos hemos forjado a golpe de artistadas que algún día el público entre ansioso a uno de estos museos a DISFRUTAR, a comentar sin miedo, a degustar el arte, y a dejarse llevar por un discurso que no pretenda alejar, sino acercar, y que no requiera un texto previo para ser disfrutado.

Mientras, seguiremos pagándoles las fiestas a este grupete de entendidos de medio pelo, con la esperanza de que al final ellos acaben aburriéndose tanto que abandonen la idea de que pertenecen al ARTE. Me temo que sólo así volverá el arte de verdad, el que conmueve, el que se dirige al corazón y no a la cabeza, a ocupar los museos de los que ahora está exiliado.

EL ARTE EN LA ENSEÑANZA

2008-06-09T15:10:00.000-07:00

La posición que en la enseñanza ocupa el ARTE y los medios de creación o expresión visual es algo que a los que nos dedicamos a ello nos obliga a dar constantes explicaciones, incluso a nuestros propios colegas los profesores, que muchas veces malentienden y hacen malentender nuestra misión en esta vida, lo cual no beneficia mucho a nuestros alumnos y menos aún a nosotros.

Esto que voy a explicar bien válido es para el otro blog que tengo, quehechoyoparamerecereso.blogspot.com, donde también descargo mi bilis contra un sistema educativo, que por esto y por muchísimas otras cosas, me parece muy mal planteado.

Resulta que todo el mundo asume que estamos en la era audiovisual, en la era de la imagen, en la que los niños ya definitivamente ven el mundo y aprenden de él a través de pantallas y de imágenes.
No hace falta ser un lince para observar que el lenguaje escrito (e incluso el oral) ha perdido peso respecto a los lenguajes visuales, que son, de manera abrumadora, los que dominan las comunicaciones entre las personas, entre nosotros y los demás, y ésta es una tendencia que va a más, y que por tanto, será más acentuada en los niños, el día de mañana, que en los adultos de ahora.
Cuando observamos cómo los niños cada vez leen peor y se expresan peor por escrito, no nos debemos dejar poseer por el demonio y pensar que la causa es que todos los niños son gilipollas, que los padres no los educan, que hay que volver a dar con la regla en la mano, y que con Franco se vivía mejor... Quizá sea el mundo el que está cambiando, y los niños no sean más que el reflejo de esto...de esto de lo que el sistema educativo no se ha enterado.
Los niños leen peor que nosotros y nuestros padres, sí, pero son capaces de contar una historia con imágenes a poco Premiere que les enseñes (cosa que sus padres no harían ni en tres vidas), y son mucho más conscientes de la potencia de la imagen, y de la de SU propia imagen...se comunican con fotologs, con imágenes envíadas por bluetooth, y con más cosas cuyos nombres les producen únicamente estupor a sus abuelos.

Nosotros seguimos empeñados en que lean y escriban más horas, que reciten los verbos, los pluscuamperfectos y tiempos verbales que no utilizarán en su puta vida (porque muchos tiempos verbales ya hace siglos que han desaparecido del lenguaje coloquial y el sistema educativo no se ha coscado de que si alguien fuese por ahí diciendo "si yo hubiere..."..tendría más probabilidades de recibir una paliza que una respuesta)
Los lenguajes hablados y escritos nunca morirán, es evidente que debe dárseles toda la importancia posible...pero ¿porqué no dársela a los lenguajes visuales, que han ido sumando revolución tras revolución en los últimos dos siglos, y muy particularmente ahora?..
El invento de la imprenta fué importante, en efecto...y también lo fueron el de la fotografía, el del cine, el de la imagen 3d, el de la animación, el vídeo, la imagen digital...y el ingente desarrollo de los lenguajes visuales en los últimos tiempos de la humanidad...¿acaso estos lenguajes visuales no tienen peso en nuestras vidas?¿acaso no tienen todos estos lenguajes juntos MÁS peso en nuestras vidas que nuestro lenguaje oral y escrito...?

¿porqué la enseñanza esquiva la potenciación de los lenguajes visuales, porqué escatima a los futuros adultos el conocimiento y la profundización en estos lenguajes, como si no los fueran a utilizar?
¿porqué se sigue pensando (y lo más lamentable es que lo opinan muchos porfesores) que la materia de EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL sólo atañe a "pintar y dibujar", como si del desarrollo de una habilidad manual sin más se tratare (fíjense, he utilizado esta mierda de tiempo verbal por primera y última vez en mi vida).

Me encuentro demasiadas veces, en mi trabajo como profesor de Plástica, teniendo que explicar QUÉ es mi trabajo...lo más triste es que no tengo que explicárselo a los niños ni a los adolescentes, que lo entienden perfectamente, sino a los adultos, que muchas veces me dicen eso de que "claro, es que tu asignatura es muy subjetiva, porque si un chavel dibuja bien, ya tiene todo hecho, pero si no tiene mano para el dibujo no tiene nada que hacer"...

El profesor de Plástica lucha cada día con este estigma en plena sociedad de la imagen, el estigma de ser el que "enseña a pintar a los niños". Cualquier otro lenguaje visual al que aproximes a tus alumnos (fotografía, cine, comic)y no sea estrictamente dibujo (técnico, a ser posible, que es más serio), o pintura, será visto como una "frivolité" o una salida del tiesto por parte de estos grandes analistas de la realidad educativa ante los que tengo que someter mi sangre a ebullición un día sí y otro más.

Esto es una simpleza tan grande como pensar que en clase de Lengua se dedican sólo a hacer poemas, (sin aprender el lenguaje antes), o que en Música se lanzan a hacer solos de guitarra electrica sin ver antes la escala musical.
Los lenguajes visuales son, en efecto, SUSCEPTIBLES DE SER UTILIZADOS PARA HACER ARTE (exactamente igual que los lenguajes escritos, que lo mismo sirven para plasmar un poema que para escribir "por el culo te la hinco"-por poner un ejemplo de algo poco poético-), pero eso NO SIGNIFICA que los profesores de E.Plástica y Visual seamos profesores de arte.
Yo estoy convencido de que, al menos en etapas educativas como la ESO o el Bachillerato (incluído el artístico) NO lo somos...somos los que explicamos el funcionamiento de la comunicación visual, en las muchas formas en que hoy se desenvuelve.
En la ESO, en la que nos quitan más horas cada año que pasa, llegamos a un nivel de mera introducción en ALGUNOS lenguajes por pura cuestión de tiempo.
Yo en este momento me encuentro explicando lenguajes secuenciales, cine en 4º de ESO y comics en 1º, pero evidentemente de una forma muy básica.
En un Bachillerato artístico, el alumno (y el profesor) podrán profundizar más en estos lenguajes, como se profundiza en otras materias del conocimiento, y ya en estudios superiores, cuando SE DÉ YA UN CONOCIMIENTO SUFICIENTE de los lenguajes básicos, se podran usar ya estos lenguajes con un sentido artístico, no meramente funcional, como hacen los filólogos cuando estudian filología y profundizan de un modo más decidido en el estudio de una forma de comunicación sujeta a muchas complejidades como es un lenguaje.

Nosotros NO somo profesores de arte. No en las enseñanzas medias.Sostener una incorrección así sólo puede ser perjudicial para el propio sistema educativo y para los alumnos.
Y es más...Yo personalmente NO creo que se pueda ser "profesor de arte".
Creo que tú puedes enseñar lenguajes visuales básicos (entre ellos el dibujo), y con el tiempo y el desarrollo de los conocimientos y de la práctica de estos lenguajes, el alumno sea capaz de establecer ANÁLISIS y reflexiones propias sobre estos lenguajes visuales.
Pero esto tampoco significa ser un artista, de la misma forma que un filólogo no es un escritor, aunque ambos sean expertos en arte.

Yo no soy un profesor de arte, pero es que además, creo que estos, simplemente, no existen.

LA MÁQUINA DEL TIEMPO

2008-05-07T06:16:00.000-07:00

Vamos a proponer un sencillo juego a nuestra imaginación...
Pongamos por caso que un hombre de la Edad Media, por ejemplo del Siglo XII o así, encuentre la manera de viajar al futuro, pero no a nuestro tiempo, sino al Siglo XV, por decir uno...
Este hombre medieval se encontraría en un futuro en el que muchas cosas habrían cambiado, y entre ellas el arte...la forma de representar los objetos, la perspectiva, la forma de crear volúmenes, de construir...
Pero la gran pregunta es..¿sería capaz este hombre medieval, de hace 800 años, de valorar y apreciar el ARTE del siglo XV?
Eso es algo que nunca se podría contestar, pero yo pienso que sí.
Si un egipcio, del antiguo Egipto, de hace miles de años, pongamos por caso el tío que esculpió la cabeza de Nefertiti, pudiese volar muchos siglos hacia adelante, ¿acaso no se conmovería su sensibilidad artística ante las esculturas de Rodín o de Miguel Angel?..
Dicen que el arte de verdad es intemporal, y yo estoy de acuerdo.
Cierto que hay parámetros que son fruto del progreso y del paso del tiempo que hacen que ciertos aspectos del arte de hoy sean incomprensibles ayer.
Por ejemplo, el egipcio de antes tendría dudas ante un cuadro de Hopper, más que nada por los coches y eso, pero en lo básico, en la percepción global del arte, hay ciertas cosas que sí son intemporales.
No hay ningún motivo para creer que nuestra época es tan especial que lo que se haga en ella sería incomprensible para seres de dos o tres siglos atrás.
Sólo desde una enorme soberbia, o aún peor, desde una enorme ignorancia, podríamos pensar esto.
Y ese es uno de los enormes pecados, el de SOBERBIA, que lastra al arte contemporáneo. Ya las propias palabras vanguardia y contemporáneo tienen su propia sentencia escrita en ellas. Lo que se construye, se escribe o se pinta con la intención de ser CONTEMPORÁNEO y moderno correrá la misma suerte que un periódico de hoy: esto es, mañana ya no le interesará a nadie.
El arte y las pasiones que lo mueven son fuerzas inherentes al ser humano, que siempre han existido y siempre existirán, y siempre funcionarán de modo parecido, aunque sean distintos los entornos en que se mueven los artistas en diferentes tiempos.
Si una persona de hace tres siglos aterrizase hoy en una muestra de arte "contemporáneo", seguramente se interesaría por la pintura (si la encontrase), la escultura, y posiblemente también por otras expresiones artísticas como pueden ser las performances, que le harían centrar su atención y comprender que está asistiendo a la contemplación de una expresión artística.
Sin embargo, un altísimo porcentaje de las obras que se encontraría este hombre del pasado le pasarían completamente desapercibidas como arte, las pasaría por alto pensando que son simples objetos, y no vería en ellos ninguna cualidad que le hiciera percatarse de que está ante OBRAS DE ARTE.
Si un azafato/a de la muestra le intentase explicar amablemente a este hombre del pasado que los objetos que le están dejando indiferente y ante los que pasa sin detenerse son arte, probablemente, el hombre del pasado, sintiéndose objeto de burla, reaccionaría con violencia hacia el azafato, que a buen seguro desearía no haber intervenido.

Muchas cosas, en efecto, son intemporales. Hay algunas que sí son inventos de nuestro tiempo, como ese absurdo sentido de lo políticamente correcto que es lo que hace que, hoy en día, aunque nos gustaría reaccionar como el hombre del pasado de esta fábula, reaccionemos como el hombre del presente que somos, con la educación y el civismo que nos han dado tantos años de civilización y de arte, de arte del de verdad

JUSTIFICACIONES

2008-04-13T15:54:00.000-07:00

Una de las cosas que más chocaría a cualquiera que, en el hipotético caso de que esto fuera posible, viniese de otra época e intentase acercarse al ARTE que se ofrece al público en los circuitos oficiales, serían, seguro, las constantes JUSTIFICACIONES, ya no sólo simple soporte teórico, con que cierto tipo de arte intenta explicar su propia existencia.
Recuerdo una vez en que llevé a mis alumnos a una exposición en el museo MARCO de Vigo. En el mismo edificio había otra exposición de "arte contemporáneo" en la que colgaban y reposaban una serie de readymades de lo más trillado y ya visto.
La guía empezó preguntando a los chavales, de entre 14 y 16 años, si eso les parecía arte. Todos dijeron que no.
Entonces ella empezó una serie de justificaciones, que empezaban con un "sí es arte, porque...", y acto seguido hizo un repaso historicista simplón de todo lo que según ella (y muchos otros) ha sido la historia del arte desde mediados del s XX, en el que parece ser que se extinguió la pintura, como los dinosaurios,( y comenzó una suerte de arte experimental cuyos experimentos siguen siendo experimentales décadas después), un arte que renegaba de los museos, (pero que hoy no se despega de ellos, ni permite alternativas en su interior), un arte liberado de los dogmas (pero cuyos defensores caen hoy en dogmatismos brutales y excluyentes).
En fín, la chica pintó de justificaciones ,las habituales justificaciones, que no por repetidas dejan de ser peregrinas, el camino hacia la comprensión de esa obra de arte.
Pero los niños no se dieron por convencidos, y la segunda vez que ella preguntó si "eso" les parecía una obra de arte (después de toda la explicación justificatoria), ellos dijeron: NO.

La chica perdió su amabilidad y dijo algo que definitivamente hizo perder la paciencia a mis alumnos (y a mí también, aunque lo disimulé mucho mejor), dijo: "bueno, hay que procurar no ser ignorante ni cerrarse en banda. Esto ES arte"
Sus justificaciones acabaron ahí, porque los chavales, que se sintieron insultados, abandonaron esa sala y se fueron, dejando a la chica con la palabra en la boca.

Sólo cuando se habla entre adultos, ya suavizados (o corrompidos, quien sabe) en sus relaciones personales por una diplomacia, a veces mal entendida, puede parecer que las justificaciones de lo que no es justificable convencen. La mayoría de las veces no lo hacen, pero el sujeto pasivo de la justificación hace un esfuerzo por que su pensamiento no salga a la luz.

El honesto, espontáneo e inequívoco comportamiento de los adolescentes me hizo pensar en el hecho de que a veces, nuestra supuesta "madurez" no es sino una vuelta atrás en ciertos aspectos, un cobarde intento de nadar y guardar la ropa, un insincero escudo que nos esconde de los demás, pero no de nosotros mismos, y que todo esto puede ser derrumbado como un escudo de naipes por un soplo de aire fresco.
Es muy posible que nadie en esa sala creyese que el objeto oxidado cogido al azar por un supuesto artista que descansaba en un pedestal fuese arte. Yo desde luego no lo creía, y apostaría a que la guía que intentaba convencernos, tampoco.
Pero sus conocimientos, juicios y prejuicios adquiridos, el miedo a no ser parte del grupo, del club en el que había entrado, la autocomplacencia social que da el saberse parte de algo que "no todos entienden", y en fín, un largo catálogo de miserias de las que los niños no suelen participar, hacían a esta chica adoptar una postura de férrea convicción que se transformaba en agresividad al ser cuestionadas sus justificaciones, que no explicaciones.

La justificación es el rostro de la mentira.
Alguien que defiende una verdad, aunque sea SU verdad, se explica.
Alguien que defiende algo en lo que no cree se justifica.
Hace unos pocos meses pudimos ver a la Reina de España saliendo de ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid.
Para una persona acostumbrada a vivir entre obras de arte, una visita obligada a semejante montón de mierda debe ser un auténtico suplicio.
Pero incluso para una diplomática vitalicia como es ella, el espontáneo brote de la justificación fué más revelador que todas las declaraciones que he visto en mi vida expresar a esta señora.
Un periodista le dijo: "Majestad, ¿le ha gustado lo que ha visto en ARCO?".
Y ella contestó: "Bueno, lo que busca el arte es provocar, ¿no?"

¿PORQUÉ EN LA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO ES TODO TAN ABURRIDO?

2008-01-31T12:30:00.001-08:00

La frase del título no es mía (qué más quisiera) sino del dibujante El Roto.

Y creo que no encuentro otra mejor para ilustrar esta entrada al hilo de esta foto.

Es una de las obras premiadas en el Certamen Auditorio de Galicia para jóvenes artistas.

Me levanté esta mañana con algo de tiempo libre y fuí a dar un paseo.

Topé con esta exposición, y aunque ya no suelo entrar en este tipo de eventos, quería ver qué conciertos ofrecía el auditorio, y ya de paso, entré en la sala de exposiciones a deleitar mi alma con la evidencia de hasta qué punto puede estirarse el concepto de aburrimiento impuesto a la pobre gente como nosotros, ciudadanos de bien que no hemos hecho nada malo a nadie.

Esto no es lo que se dejó el conserje después de cagar, como supongo hará varias veces al día de puro aburrimiento.

Es una de las obras de arte premiadas.

Los otros premios no puedo reproducirlos aquí porque son videoinstalaciones, pero adelanto a quienes estén tentados a dar un paseo hasta allí que el primerísimo premio se trata de un video de más de media hora en el que un tío, prácticamente a tiempo real y en un sólo plano, descubre una imagen escondida tras una especie de escayola a base de rascar.

Trepidante

En fín, todo sigue igual en este mundo del arte. Enferma está esta sociedad cuando se condena a venerar estas "obras de arte" usando el dinero público para sostener un tipo de arte del que nada más se puede decir que la NADA.

Por supuesto, en toda la hora que pasé allí nadie más hizo acto de presencia. Sólo el pobre conserje que ya no tiene con qué limpiarse.

¿ES NECESARIA LA CRÍTICA DE ARTE?

2008-01-28T05:16:00.000-08:00

"La visita del charlatán", de William Hogarth .

La profesión de crítico de arte ha supuesto, desde

la irrupción de las vaguardias, un punto de inflexión en la Historia del Arte.
Antes del desembarco en el mundo de esta profesión, y de existir voces autorizadas que desgranasen lo que es el arte, existían los artistas y el público, el emisor y el receptor de los lenguajes artisticos visuales, musicales, o literarios.
No todo el mundo tenía acceso, económicamente hablando, al arte (como no todo el mundo lo tiene ahora, teniendo en cuenta que aunque el disfrute del arte y de la cultura es necesario, no lo es su posesión, reservada a gente más o menos pudiente).
La posesión del arte marcaba una clara distinción social, pero no su disfrute, abierto a todo el mundo, y de hecho presente en edificios públicos, sobre todo religiosos.
La consolidación de esta profesión como INTERMEDIARIOS o interlocutores entre el artista y su público debería haber creado una proximidad entre el trabajo de los artistas y el público, la sociedad llamada a disfrutarlo, y no un alejamiento progresivo, como así ha sucedido a lo largo del siglo XX y en lo que va de este.
La crítica se ha convertido en algo más dañino que útil, que ha creado en la gente una sensación popular de que el arte es "de otros", es algo hecho por y para un grupo de entendidos, para un circuito ajeno a la sociedad.
Esto es lo más lejano a la realidad que puede haber. El arte es de todos. Siempre lo fué, y si ahora no es así, es culpa, sin duda, de que la profesión de crítico haya creado ese enquistamiento que resulta una interferencia ante el público, un escollo en nuestro trabajo.
Es una interferencia permitida e incluso auspiciada por muchos artistas, que confunden el camino y CREAN a partir de teórías de críticos y supuestos filósofos, cuando en todo caso debería ser al revés.
De esta manera se adoctrina, que no enseña, a los alumnos en las facultades de Bellas Artes: se impone el modelo de creación-a-partir-de-teorías-estéticas.
El arte se dirige a la sensibilidad de las personas, no a su intelecto, y en todo caso un arte referido y necesitado de teorías previas no es más que un refrito intelectual, un metalenguaje, que a mí me resulta bastante similar a los programas de zapping, cuyo contenido en sí es nulo, simplemente se refiere a los contenidos de otros programas previos.
El arte tiene un contenido propio, que siempre tendrá referencias y anclas en su tiempo, obviamente, porque está creado por una persona que no puede (aunque quiera) ser ajena a él.
Un contenido que no necesita manuales de instrucciones, y menos escritos por personas ajenas al arte, personas que son receptores de este lenguaje, como los demás mortales, y en las que por tanto, su condición de voz autorizada es totalmente ficticia.

El lenguaje de la crítica, además, es un lenguaje que nada tiene que ver con el lenguaje del arte, y por lo tanto en este aspecto resulta una actividad engañosa e inútil.
Yo personalmente sí creo en la crítica literaria, en tanto que utiliza el mismo lenguaje que aquello de lo que habla.
El análisis literario ES también literatura, aunque por supuesto referida, y por ello deudora, a una obra previa.
Lá crítica artística o musical usa un lenguaje que no es visual ni musical, sino escrito o hablado, y por lo tanto su excesiva presencia se convierte en una pura y simple interferencia, en RUIDO.
En un espectador poco formado intelectualmente, o que se considere como tal (lo que no implica que sea carentre de sensibilidad artística), se crea la falsa sensación de tener que estar al día en las consideraciones de los críticos, en tener que "entender", en necesitar un sostenimiento literario previo para contemplar el arte o acercarse a él.
Eso, unido a los mensajes poco claros de la crítica actúal, encriptados en constantes citas y referidos a todo tipo de filósofos, pensadores y seudo gurús, creadores de opinión, en suma, aleja definitivamente a un público mayoritario de algo que está totalmente a su alcance.
La crítica es válida como opinión, pues eso es lo que es, nada más, y como tal es respetable en tanto sea respetuosa con todas las demás opiniones, y no se considere la única interpretación valida, cosa que no corresponde ni siquiera al artista.
El papel del HISTORIADOR se mezcla también, en la actualidad, con este papel de crítico, hasta el punto de que estos pretenden escribir la historia del arte actúal, a tiempo real, cosa que es del todo imposible.
Si aún con el poso de los años la escritura de la historia es algo muy subjetivo, mucho más de lo que se quiere hacer ver por parte de quines la escriben, más lo es cuando se pretende hacer de lo que en el mundo del arte está sucediendo, lo cual más que subjetivo resulta totalmente arbitrario.
Quizá seamos los propios artistas los culpables, en parte, de esta sobredimensión del fenómeno de la crítica.
Durante siglos los artistas han estado apadrinados por las clases poderosas, el mecenazgo de los papas, los nobles o la iglesia era la forma de vida de los más grandes artistas que han existido durante mucho tiempo.
En el siglo XX desaparece (por fortuna) el tipo de sociedad de estructura vertical, la excesiva diferencia cultural y social entre clases. Llegan las democracias.
El artista debe, entonces, acercarse al público por sí mismo, y no a través del trampolín del poder.
Entonces se crea un vacío entre el artista y el público, entre el emisor y receptor, que es aprovechado por estos CRÍTICOS, que pretenden ser los que den patente de validez a las obras y a los artistas.
Esto es algo que hoy carece de sentido. En una sociedad donde todo el mundo tiene acceso a una formación mínima, nadie necesita ya un libro de instrucciones para acercarse a la oferta cultural de su sociedad, pero los fabricantes de "libros de instrucciones para sentir el arte" se resisten a abandonar esa labor que la sociedad rechaza.
Es labor del propio artista intentar acercar su obra a la gente. Hoy en día es más factible que nunca, la popularización de la tecnología, y la posibilidad de actuar cada uno como propagador de su propia obra, y de su trabajo, hace posible un acercamiento del arte al público sin intermediarios ni interferencias.
Sería ideal que fueran los estamentos culturales públicos los que hicieran esta labor intermediaria, de una forma "laica", (sin estar sujetos a credos estéticos de ningún tipo, como corresponde a una administración pública).
Pero en un país que todavía no ha sido capaz de constituirse en laico en materia religiosa, es mucho pedir que lo sea en materia estética, donde la labor de la crítica y de la "opinión autorizada" sigue actuando de tamiz entre los artistas y el público, que es cada vez más consciente y sabedor de esta incongruencia, y muestra un rechazo creciente a toda esta horda de opinadores que se han convertido en lo más obsoleto y precindible del mundo del arte.

EL MARKETING DEL ARTE

2008-01-07T05:59:00.000-08:00

El mundo del arte se polariza, como casi todas las cosas, en dos "opciones" que venden su producto de una manera muy distinta.
Porque, a fín de cuentas, la actividad artística es una actividad productiva cuya subsistencia depende de la capacidad del artista de ir colocando en el mercado su producto.
Nadie es ajeno a esta realidad. Es cierto que en el artista, el impulso creativo es una necesidad, y que en muchos casos, el trabajo artístico es improductivo económicamente, y el autor busca otras fuentes de ingresos para continuar su actividad.
Esto, en cierto modo, le hace creativamente más libre, pero puede que el artista termine viendo su trabajo como un obstáculo al restarle tiempo para la actividad creativa, que es la que realmente o la que más le interesa.
Un atista que tiene la suerte (porque en muchos casos es cuestión de azar que se termine valorando-o sobrevalorando- su producto) de vivir de su "arte", y de no caer en una autocopia constante, es decir, que tenga un público o una clientela que le permita reinventarse (que es algo también creativamente necesario), será un artista realmente feliz como tal, triunfador. Es el caso de Picasso y de no muchos artistas más.
Otros muchos artistas viven también de su oficio ( a veces incluso viven bien), pero son esclavos de un "estilo", un lugar común propio que se han creado y que se ha creado en torno a ellos, y que no les permite salirse del guión que se espera de ellos. Es el caso de artistas como Botero, por ejemplo, que a buen seguro estará hasta los cojones de pintar y esculpir gordas, pero se ha condenado a hacerlo porque sabe que es lo que se espera de él, su signo de identidad.
Y otros disfrutamos de una libertad creativa absoluta, porque no vivimos de lo que hacemos, lo primero es muy positivo, lo segundo no lo es tanto. Sería mejor, claro, tener esa libertad y vender todo lo que hiciéramos, pero siendo realistas eso es muy difícil, y la realidad es que no estamos tan mal.
Lo cierto es que los artistas somos gente que ejerce un oficio con una compleja llegada al público y que debemos de buscarnos como podemos una cuota de mercado por donde sea posible.
Como decía al principio, en el mercado del arte hay dos polos en los que se ha forzado a situarse al público, al receptor a quien va destinado el arte.Uno y otro usan lenguajes diferentes, saben bien cual es su modo de subsistencia y su modo de presentarse, su "marketing"

-El primero es el del ARTE OFICIAL, el arte que se supone de "primera división" porque es el que los "expertos" y las instituciones oficiales avalan y promocionan.
Este tipo de arte tiene un claro lenguaje corporativo. Este lenguaje bebe del diseño gráfico más actual, aunque con unos parámetros clásicos como diseño (minimalismo, referencias "retro", claridad visual, y un tono "alternativo" siempre visible).
Esto choca, y en principio de manera muy contradictoria, con la claridad del mensaje, que en principio debiera ser el objetivo del diseño y el marketing.
Cuando nos acercamos a un cartel de una exposición de arte de un museo de arte contemporáneo, pocas veces somos capaces de discernir qué es exactamente lo que se nos anuncia: una exposición, unas conferencias, un simposio. Las imágenes fotográficas que se utilizan redundan en esta estudiada indefinición, incoherente con el caracter del diseño.
Todo esto juega la misma baza que juegan este tipo de foros: un elitismo conceptual que esconda el supuesto "producto" artístico al gran público, por una razón muy sencilla: este producto artístico no necesita venderse, ya está pagado por todos nosotros, por lo tanto su supuesto marketing no es más que una pose, que ni siquiera pretende llegar al público sino situarse estilíticamente de una forma lo más coherentemente posible con esa "modernidad" posible, aunque de un modo bastante incoherente con el fín último del marketing, que es DIFUNDIR algo entre un público objetivo que se supone que debe ser cuanto más amplio mejor (algo que no busca, desde luego, este arte oficial).
En las inauguraciones de este tipo de exposiciones hay muchas gafas de pasta, muchas camisetas de moda y mucho alternativo, chicas con coletas, y sobre todo, muchos pinchos de tortilla, porque sino no habría nada de lo anterior. La gente habla muy bajito y de modo amanerado...En días sucesivos a la inauguración, es difícil que frecuente el lugar alguien que no sea el vigilante o el dueño de la galería.

-El otro polo es el ARTE MAL LLAMADO CLÁSICO, que también podríamos llamar arte "dominguero" o "marujo", dicho sea con el mayor de los respetos, porque al menos este tipo de arte sí es autosuficiente, y no dependiente del erario público misteriosa o arbitrariamente asignado, como ocurre con el arte oficial.
Sin embargo, este tipo de arte reduce su mirada a una concepción puramente contemplativa de la realidad. Cosidera el arte como un mero oficio imitador, y además sus adeptos ni siquiera suelen ser buenos imitadores de la realidad.
Es un arte cuya cuota de mercado es la población de edad avanzada, y que en el caso peculiar de este país, y por muchas razones, casi todas obvias, carece de una mínima cultura visual y plástica.
El marketing de este tipo de artistas sí pone en primer plano lo que vende: vende pinturas o esculturas de un caracter costumbrista muy claramente reconocible, renuncia al caracter creativo o interpretativo del artista, y a cualquier código visual que no sea un naturalismo pobre, anclado en lugares comunes: paisajes de puestas de sol, montañas, bosques, y en Galicia un empacho de hórreos, gentes humildes trabajando y casitas de las de antes, todo ello aderezado con exposiciones con nombres que también son lugares comunes: lembranzas, reencontros, terra, etc, etc...
Sin embargo, hay que decir a favor de este tipo de arte, que yo personalmente considero como tal con muchas reservas, que al menos sí tiene un público y a él se dirige, y es este público el que lo sostiene, y no el conjunto de los ciudadanos. Es una arte que tiene sus propios foros, como casas de cultura de provincias, casinos, ayuntamientos rurales, y salas de exposición de, digamos "segunda división".
Su público es gente con dinero suficiente como para gastárselo en cuadros, pero con una formación cultural inversamente proporcional. Con esto no quiero ofender a nadie, pero la cosa es así. En las inauguraciones de estas exposiciones se ven muchos abrigos de pieles, muchas canas teñidas de peluquería, mucho abrigo loden, y muchos pinchos de tortilla, porque sino no habría nada de lo anterior. La gente habla altísimo y las señoras ríen histéricamente, sobre todo cuando el vino empieza a faltar en las botellas.

Yo personalmente, voy a todas las inauguraciones que puedo de ambas esferas del arte, básicamente porque me gusta comer gratis, como a todo el mundo. Pero en ambas cuadrillas me siento exactamente igual de marciano. Cuanto más vino bebo, más ganas de huir me invaden, aunque no escurro el bulto hasta que se acaban las viandas.
Aun así, siempre me sorprendo siendo el único que además de comer observa las obras de arte, buscando algo que no suelo encontrar.

Yo creo que hay una tercera vía, un arte que sí comunica a mucha gente, pero que no tiene acceso a los foros de la primera división, que lo consideran "no moderno", ni a los foros de segunda porque lo consideran "demasiado moderno". Un arte que tiene que batirse el cobre en tierra de nadie, pero que a la larga es más considerado por el público, porque es más personal, es realmente el fruto de una búsqueda interior, sin las taras del comadreo con el arte oficial, ni del marujeo de la artesanía de tienda de muebles.
Como ejemplo sirvan los artistazos que enlazo en este blog...y otros muchos..sólo hay que buscarlos, porque desgraciadamente no están en los escaparates.

LA BÚSQUEDA DE LA BELLEZA

2008-01-05T07:22:00.000-08:00

En los círculos próximos a los nuevos gurús del arte se proclama la novedad de que el arte ha dejado de buscar la belleza, y que "ahora" eso ya no se lleva.
En el Babelia, suplemento de El País del 5 de enero de 2008 aparece un artículo que se hace eco de lo que los "expertos" consultados llaman el "esplendor de la fealdad".
Se afirma que el feísmo ha conquistado el gusto popular.
Pero, realmente, es eso cierto?¿El llamado "feísmo", que existe, ha conquistado el gusto popular de verdad, o ha conquistado (o se ha apropiado) de los foros punteros del ARTE? .Y si es así, ¿representan estos foros del ARTE actual el gusto popular?
Yo creo que no sólo no lo representan, sino que más bien lo desprecian.
Es muy ilustrativo como el extensísimo artículo de El País recoge muchas opiniones, entre ellas las de ilustres semióticos como Umberto Eco, pero se echa de menos la opinión de un sólo artista.
En él hablan historiadores, algunos atinados en su discurso, y otros simplemente manipuladores de datos históricos, que moldean al gusto de una teoría que en absoluto es novedosa. El debate de la belleza en el arte es tan viejo como el arte.
Leonardo, esteta hasta la médula, seguidor del clasicismo romano, artista renacentista, no excuía la fealdad humana de sus modelos, y siempre hubo artistas, desde Goya a Peter Witkin, en los que el concepto de "belleza" no era tan limitado como para ciscunscribirse a lo simplemente "bonito".
Pero estamos hablando de diferentes conceptos, y en esa confusión se alimentan estos inventores de la pólvora que ahora dicen que acaban de descubrir la fealdad artística: Una cosa es lo BONITO y otra es la BELLEZA. Lo bonito es un concepto puramente ornamental, hueco, que no tiene que ver con cánones, o al menos no está ligado de forma excluyente a ellos. Y otra cosa es la BELLEZA, un concepto que va mucho más allá del ornamento, que a mí se me hace imposible de explicar, pero que estoy seguro que busco en cada cuadro que pinto, en cada viñeta que dibujo o en cada cosa que hago.
El arte siempre ha buscado y siempre buscará la belleza, y la buscará también en lo feo y en la fealdad, que no es algo bonito pero sí puede ser bello.
Las meninas es un cuadro en el que aparecen personas deformes, pero es un cuadro presidido por un sentido de búsqueda de belleza que ha perdurado durante siglos y que perdurará siempre, porque no está sujeto a modas, ni estilos ni cánones.
Lo mismo los dibujos de ancianos desnudos de Leonardo, o las pinturas negras de Goya.
Probablemente la escena que tenía ante sus ojos Velazquez cuando pintó las Meninas, no le ponía mucho. No debe ser una escena muy atractiva una habitación bastante vacía, ocupada por varias enanas y un perro. Posiblemente fuese más agradable a la vista, más bonita, la escena que presenciaba Picasso cuando pintó Las Señoritas de Avignon. Pero ambos extrajeron belleza de lo que veían, y ambos lo hicieron de manera muy distinta.
Supongo que la visión de los efectos del bombardeo de Guernika no era un plato de gusto visualmente hablando, pero el cuadro que hizo Picasso con ello sí lo es, el sacó belleza de la tragedia, iluminó la oscuridad, por eso es un artista, eso es el arte.
Hay belleza en las fotografías de cadáveres de Joel Peter Witkin, que consigue mostrarnos como bello la pura deformidad humana, como hace Cronenberg en sus películas.
Hay mucha belleza en las performances y en la obra de Marcel-li Antúnez, que juega con vísceras, y con elementos aparentemente desgradables, o cuanto menos, no-bonitos.

Pero reivindicar lo "feo" como arte en sí, como si en el arte la búsqueda de la belleza hubiese dejado de ser el motor de todo lo que se hace, es simplemente una gilipollez.
Es coger la parte de un concepto por el todo, inventar una teoría que ya es tan obvia como decir que en cualquier persona hay cosas malas y cosas buenas, y un lado oscuro que siempre puede resultar fascinante o bello, a veces tanto o más que el lado amable. Pero eso ya lo sabemos todos.

Cuando los "gurús" del arte hablan de la "muerte de la belleza", simplemente intentan EXCLUIR, intentan reducir el redil o el abrevadero en el que vender sus teorías. Con este argumento tratan de desacreditar el arte que sí asume que busca la belleza.
Que un artista busque la belleza no significa que se dedique a pintar puestas de sol, o que haga macramé con lanas doradas, o que fotografíe sólo a hembras de la Mansión Playboy.
No significa que sea un artista menos contemporáneo o menos moderno que el que dice rechazar la belleza (cosa que es humánamente imposible).
En la Facultad de Bellas Artes (que por algo tendrá ese nombre desde hace siglos) nos insistían de forma a veces exasperante en que "el arte no tiene porqué ser bonito", y empleaban el calificativo de "bonito" siempre de modo peyorativo, como si de una secta se tratase, englobando en el concepto de "bonito" a todo aquello que osara buscar la belleza, y no el aburrimiento y el supuesto mensaje conceptualizado que ellos consideraban única vía artística.

En el artículo del que hablo se hace referencia además, al argumento de siempre, de justificar esta supuesta popularización de lo feo (inédita, según el que lo escribe) en base a una supuesta intención "transgresora, de rebeldía, provocación y subversión"...
La transgresión sí puede tener algo de BELLO, de atractivo, en tanto en cuanto sea transgresión realmente, y en el caso de la belleza y el arte, en tanto que rompa unos cánones oficiales que encorseten la cratividad y el gusto social imperante. Lo que ocurre es que los cánones oficiales están mucho más cerca de los que hoy se dicen transgresores de la belleza, que de los que dicen que la buscan, que dentro del artisteo son, hoy por hoy, los únicos transgresores, rebeldes y subversivos que yo conozco.
En el citado artículo de El país hay un fragmento bastante revelador que dice:"Lo feo en toda la extensión de su sentido, que va desde lo grotesco al horror, pasando por lo ridículo y lo estrictamente feo, está en el centro del arte a partir del Romanticismo. Desde entonces la belleza como tal deja de tener interés para el arte, ahí están desde los fusilamientos de Goya, hasta cualquier obra de Pollock", asegura Antoni Marí, escritor y catedrático de Estética y Teoría de la Universidad Pompeu i Fabra, de Barcelona. Atrás queda la belleza como experiencia positiva y gratificante."
Este teórico (evidentemente, que no artista), maneja los datos históricos como si fuera un taco de plastilina, mezclando a su antojo años y siglos, y con la típica pérdida total de perspectiva que acompaña a muchos teóricos con exceso de celo, que acaban diciendo enormes estupideces, como esta joya de que "desde el romanticismo la belleza deja de tener interés para el arte".
Para rematar la faena, sin duda merecedora de las dos orejas y el rabo (del tipo que ha afirmado esto, claro), nos remite a los fusilamientos de Goya y a la obra de Pollock.
Si en ellos no ve belleza este señor, es mejor que cambie de oficio.

NO TE METAS EN POLÍTICA...

2008-01-02T09:26:00.000-08:00

El "feísmo" artístico auspiciado desde la oficialidad es tan evidente que muchas veces lo propios políticos se rebelan ante el monstruo que por otro lado, ellos mismos han creado.
Rastreando hace unos días por internet encontré una noticia, de hace ya unos 5 años, an la que se comentaba como el secretario de Estado de Cultura británico, Kim Howell, arremetía contra el jurado del Premio Turner y contra los premios de dicho certamen, que viene a ser como un premio nacional británico de arte..los calificaba literalmente como "mierda conceptual", y se quejaba de que el jurado era "un puñado de presuntuosos vestidos de negro que hablaban un lenguaje impenetrable", mostrando además su disgusto porque afirmaba que el mundo del arte había sido "colonizado por una élite que actúa como si sólo ellos estuvieran autorizados a hablar sobre el tema".
Terminaba diciendo que si eso era lo mejor del arte británico, entonces el arte británico estaba perdido.
Son palabras inusualmente honestas para un político en activo, y con responsabilidad de gobierno en el ámbito de la cultura, además. Tanto es así que hicieron brotar cientos de adhesiones, principalmente de artistas, que mostraron por carta su total acuerdo con el ministro, que respondió a estas afirmando : «Anoche (en la entrega de los Premios Turner) vimos a esa brigada en acción, con sus trajes oscuros y sus camisas negras y el incomprensible barbullar que siempre les acompaña. Ellos son el establishment, y el arte que apoyan es el que se encuentra más próximo a ese oscurantismo y elitismo que ellos practican».
Es curioso que hasta un político tilde de "establishment elitista" a esta nueva estirpe de "entendidos" que se han hecho con el control de grandes museos, eventos e instituciones públicas artísticas a base de predicar e imponer el anti-arte y la negación de cualquier tipo de arte que no sea el oficial, y hayan conseguido, no sólo que nadie los saque de donde nunca debieron estar, sino que nadie discuta sus postulados por temor a parecer "fuera de onda".

Durante el mismo rastreo encuentro unas palabras muy críticas de Perez Villalta sobre el arte autoproclamado contemporáneo, en las que afirma: "Hay un cierto sector que le da mucha importancia y que te llama reaccionario si te sales de lo establecido y dices que eso te parece una chorrada. Por esto se han dejado pasar muchas cosas. Ha habido muchas chorradas, el 80% del arte contemporáneo son chorradas. Habrá un 20% que realmente es arte, pero el resto no."

Parece que la repulsa al concepto neo-académico (cínicamente autoproclamado antiacadémico) de arte no es minotitaria. Probablemente pocas ideas haya tan mayoritariamente arraigadas en nuestra sociedad como la de que la mayoría de lo que se nos vende como "arte contemporáneo" no es más que mierda.
Entonces..¿porqué persiste esta dictadura, este hastío, este aburrimiento, esta búsqueda de "nuevas vueltas de tuerca" a tuercas que llevan ya muchas décadas pasadas de rosca?

La respuesta es sencilla. En todas las dictaduras la gente, mayoritariamente, calla, se inhibe, no opina, o si lo hace, se asegura de hacerlo en un ambiente lo suficientemente hermético para que no se sepa que piensa "diferente"-sin darse cuenta que a lo mejor todos piensan diferente-.
No hay más que recordar que nuestro insigne Paquito (el chocolatero no, el otro), murió de viejo y sólo la enfermedad lo hizo agonizar. Podría pensarse que si nadie le hizo realmente frente en 40 años fué porque todo el mundo estaba con él...pero no es así...sólo 7 años después de su muerte, el país entero se volcaba en las urnas para dar el poder a un partido radicalmente opuesto.
De repente, a rey muerto, todo el mundo era antifranquista "de toda la vida"..qué curioso, no parecía lo mismo cuando el caudillo estaba vivo...pero este ejemplo del carácter esencialmente cobarde del ser humano se da en otros muchos ámbitos, y en el intelectual y artístico no iba a ser menos.
En este blog y en el de mi amigo Anxo aparecen a veces comentarios que de un modo medio amistoso, nos instan a "ser más abiertos" con todas las opciones artísticas...PERO, ES QUE NO LO SOMOS?..Nosotros no negamos más que a quien niega, a quien monopoliza y uniformiza.
No somos enemigos del autonominado "arte contemporáneo". Pero estamos hartos de la actitud tiránica de ese supuesto "arte moderno" y de la uniformidad y aburrimiento estético al que nos abocan como espectadores, y a la exclusión a la que nos obligan como creadores.
No estamos en un mercado libre de arte, señores, no se engañen, vivimos una situación de monopolio en lo que respecta a los circuitos oficiales de arte, un monopolio que es evidente para todo el mundo, excepto, paradógicamente, para los que se dicen entendidos.
Pero todavía hay tontos útiles que, con su buenrrollismo pusilánime, ponen más ladrillos en este muro...son esos que te ponen la mano en el hombro y te dicen "no te metas en política".
Un día un señor mayor, bastante borracho, me estuvo dando la chapa sin venir a cuento en el banco de una estación de autobuses. Me decía que en tiempos de Franco se vivía mucho más tranquilo que ahora, que yo no podía saberlo porque no había nacido, pero que para un ciudadano "de bien" era todo tranquilidad, "excepto, claro, si te metías en política...entonces te mataban...pero si no te metías en política vivías como un rey".
El disurso de este señor ya lo había oído antes, pero a gente sobria y mucho más joven: algunos de mis compañeros de la Facultad de Bellas Artes, que cuando yo mostraba públicmante mi actitud beligerante con muchas miserias que se sucedían allí a diario me decían, siempre en voz baja y en privado: "no te hagas mala sangre"..."yo estoy de acuerdo contigo, pero...".
En fín, el cuento de siempre,..."sí, somos víctimas de una tiranía, pero cállate, no jodas el orden en el que todos nos queremos acomodar", dicho en palabras más claras.
Los comentarios amistosos que a veces aparecen en nuestros blogs van también en la línea "no te metas en política", "no remuevas la mierda"...pero ¿porqué no?

El principal aliado del "feísmo" y el "aburridismo" estético es el silencio. El decir siempre "esto es una mierda" en voz baja y mirando hacia los lados, en vez de decírselo bien alto al "comisario" de turno que nos ha hacho perder el tiempo publicitando una exposición de arte que luego no era tal.
Si una cosa nos parece una mierda ¡DIGÁMOSLO!, a coro y con aspavientos, escupiendo incluso, hinchando las venas del cuello y mentando a las madres de los responsables...no pasa nada, hombre, ahora ya no fusilan por decir lo que se piensa.

¿EXISTE EL ARTE "REBELDE" Y TRANSGRESOR?

2007-12-11T05:44:00.000-08:00

Desde hace tiempo, como bien apunta Anxo Varela en su blog anxova.blogspot.com, el sentido del ARTE (con mayúsculas) de los grandes eventos oficiales apunta al objetivo de resultar transgresor como un valor en sí mismo, "moderno" entendido esto como rupturista con unas reglas que ya no existen, o que cuanto menos, ya fueron rotas hace un siglo al menos.
La transgresión de normas intrínsecas al propio arte, o de normas sociales ,como elemento de valor en el arte es algo ridículo de por sí, desde el momento en que la supuesta transgresión se convierte en lo esperado, y por lo tanto, pierde su valor como tal.
Obviamente, el arte OFICIAL, amparado por las potencias occidentales, el arte apoyado políticamente, acoge y apoya este caracter transgresor encantado, siempre que los tiros no vayan contra el poder establecido.
El ARTE OFICIAL se convierte, así, en uno de los pilares del propio poder, que simula apoyar la "cultura" (que luego se carga en la enseñanza), cuando lo que apoya es un brazo propio extremadamente dócil políticamente y que además juega un falso papel de atizador social que en realidad no ejerce.
Esto es bien visible, por ejemplo, en los nuevos "artistas británicos", como Damien Hirst y compañía, que montan sus shows con la vitola de "enfants terribles".
Pero su arte es terriblemente dócil y condescendiente con la mano que les da de comer. No se ve en su arte, tan transgresor contra la norma, una sóla crítica a su gobierno por haber participado en una masacre injustificada en Irak.
Su transgresión consiste en escandalizar viejecitas con cadáveres de animales, y otras obras que buscan el inmediato impacto de esa "transgresión ligth" tan amena para el poder.
Estos tipos de arte de "impacto" suelen adherirse a causas que todo el mundo acepta (de puertas afuera) como justas: la inmigración, el hambre en el mundo, la desigualdad social, la violencia machista...en fín, temas de fácil aceptación, no sólo por la sociedad, sino sobre todo, por cualquier gobernante, que no ve en ellos una alusión clara.
En cambio, en los foros del ARTE oficial, aquí mismo, en nuestro entorno más cercano, yo no he visto, y vuelvo a poner el ejemplo, que en los recientes tiempos del PP ningún artista "comprometido y transgresor" alzase su voz nada menos que contra la invasión de un país que protagonizamos hace nada.
En otras "artes menores", es decir, en otras ramas de la actividad cultural que no se venden expresamente como "arte", sí hubo esa contestación: recordemos la accidentada ceremonia de los Goya, en la que ,gobernando en mayoría absoluta el partido responsable de nuestra presencia en la guerra, y siendo al fín y al cabo como es el cine español dependiente de subvenciones, todos los actores, directores y miembros de la academia lucieron su rechazo y oposición a esta guerra y a la actitud de ese gobierno.
En el mundo de los comics, de la edición también se hicieron muchas cosas para clamar contra la aberración que estaba teniendo lugar...en todas las artes....menos en EL ARTE.
El ARTE con mayúsculas, tan contestatario él, tan amante de las causas perdidas, estaba calladito, al lado del César, temeroso de perder su trocito de pan.
Cuando pasó la tormenta, los ARTISTAS volvieron a su LUCHA de causas genéricas e inconcretas, a su impostada y afectada sensibilidad social de Disneylandia, y en definitiva, a su abrevadero.
Yo no soy de los que creen que el arte deba de apoyar causas sociales por su propia condición de arte...no hay nada más penoso que ver a Bono (el de U2) reuniéndose con indígenas y supuestos representantes de desposeídos del mundo entero.
Pero sí creo que si un ARTE juega a ser contestatario y transgresor, debe serlo de verdad y en primer lugar con el poder político, no asociarse miserablemente a este y luego fingir tomar parte en causas de un caracter totalmente inofensivo para los causantes de las desigualdades y los problemas con los que dicen combatir.

En el fondo de esto subyace la tremenda dependencia del ARTE (siempre que lo ponga con mayúsculas me refiero al arte oficial) de los recursos públicos, sobre todo los que se administran sin control ni transparencia de ningún tipo, lo cual no sólo los convierte en recursos públicos, sino sobre todo en POLÍTICOS.
Todas las manifestaciones culturales, al menos en este país, reciben ayudas públicas, y la mayoría de productos culturales pueden optar a alguna ayuda si así lo solicitan.
Pero hay una diferencia muy grande entre los apoyos que se dan en el audiovisual, por poner un ejemplo, y los que se dan en el ARTE:
Si tu optas a una ayuda pública para realizar una película, documental, o cortometraje, debes primero entrar en un concurso público anual, valorado por un tribunal cuya composición es pública.
Tambien lo son sus decisiones, y la cuantía del apoyo dado a ese proyecto.
Además, la obra audiovisual está obligada a llevar dentro de su metraje, y al principio de él, la marca y logotipo de la entidad subvencionadora (de todas ellas).
En todo este proceso hay una transparencia que se puede considerar mínimamente exigible en un estado democrático.
Por si fuera poco, no se trata de subvenciones arbitrarias, sino sujetas a demostración de gastos mediante facturas.
Y además de todo ello, la obra final está sujeta, al ser el audiovisual (o al estar más considerado como tal que el ARTE) un medio de masas, al veredicto del PÚBLICO, que de alguna manera, algo tendrá que ver en que el autor de ese prpyecto reciba posteriores subvenciones.
Quizá no sea esta la mejor manera de apoyar la producción audiovisual autóctona, eso sería, y es, un largo debate, pero es la que hay y por lo menos ES TRANSPARENTE.
En el mundo del ARTE no sucede nada de eso en absoluto. No existen concursos de ningún tipo y la transparencia sencillamente no existe.
Clamar por esa transparencia se considera en sí un acto de REBEDÍA ante el ARTE, igual que Bush considera antiamericano a cualquiera que objete contra la guerra, o Franco llamaba "masón" o "comunista" a cualquiera que objetara algo contra él y su orden divinamente establecido.

Si vamos a cualquier edificio público, alguno de estos grandes (y vacíos) auditorios o edificios de congresos que pueblan Galicia, veremos que están llenos de "obras de arte" que se han adquirido con cargo a nuestro dinero, sin que nada de so figure en un papel, ni se haya ofertado la adquisición de obra entre artistas mediante concurso público.
Existe una ley (que tampoco es extraño que se incumpla por aquí) que dice que cualquier obra pública que supere un presupuesto de 12000 euros (2 millones de pesetas) debe ser sometida a concurso público.
Hay muchos ARTISTAS que han vendido su obra a edificios públicos por mucho más dinero, y sin embargo, yo no tengo noticias de que jamás se hiciese un concurso público de adquisición de obra artistica, mientras sí se hacen concursos para arquitectos, por ejemplo.
Si ya existen corruptelas entre los arquitectos y constructoras (en Mugardos se investiga ahora una ), habiendo unas leyes claras ,¿como no las va a haber en el ARTE, cuando la supuesta esencia etérea de ese concepto hace que los políticos no se atrevan a legislar como una actividad más?.
En definitiva, es la propia opacidad del "sector artístico" la que lo hace corrupto.
Es el hecho de que se maneje dinero público y nadie lo controle lo que crea la ruindad, el amiguismo, y a fín de cuentas, el sometimiento del ARTE oficial al poder del que depende al cien por cien.
La impopularidad del discurso ARTÍSTICO supuestamente "vanguardista" es también una calculada baza a favor de todo esto. Los museos de Arte Contemporáneo, los grandes eventos ARTÍSTICOS, están mejor cuanto más vacíos estén. Es un abrevadero lo más lejano posible a la sociedad, lo más cómodo posible.
Si en los MUSEOS DE ARTE "vanguardista" entrase mucha gente, tal vez alguno tuviese la nefasta idea de preguntar quién cojones paga todo aquello.

HACE FALTA DEFINIR EL ARTE?

2007-12-10T09:15:00.000-08:00

En mi última intervención en este blog, y en otras tanto en este blog como en el de mi colega Anxo (anxova.blogspot.com), me he encontrado respuestas poco amistosas, en comentarios que nos achacan la osadía de querer definir o de restringir qué es el arte...
Creo que esa es una interpretación errónea de mis intenciones, y que conviene aclararla.
Yo no soy partidario de una única visión del arte, y creo que precisamente la riqueza de este concepto (o una de sus riquezas) es su inabarcabilidad y la posibilidad de que se aborde desde muy diferentes puntos de vista, y diferentes opciones tanto estéticas como conceptuales.
Lo mismo si hablase de cine, o de comics, (que tambien son artes)...el hecho de que a mí me puedan gustar más unos géneros que otros, o unas formas de trabajar más que otras no me hace desear, ni mucho menos, la desaparición de otras opciones, porque eso haría el panorama cultural miserablemente aburrido.
Quizás en cuanto al cine sí nos podamos quejar, como espectadores, de un cierto monopolio, ya que el 90 por cien del cine exhibido en las salas proviene de un sólo país, y eso restringe mucho la posibilidad de un cierto mestizaje, que es lo que siempre es deseable.
Si yo quiero ver cine europeo, español o gallego y me voy al cine tengo ínfimas posibilidades de encontrarme una película que cumpla uno de esos tres requisitos, a pesar de que esa debería ser la oferta normal que se nos ofrezca como ciudadanos gallegos, españoles y europeos que somos.
En cuanto al comic, al que también me dedico, creo que la situación (aunque en muchos aspectos sea mala porque hay pocos lectores y por tanto poca demanda hacia lo que hacemos), sí es buena PARA EL ESPECTADOR, para el público, porque tiene garantizada una amplia oferta que satisfará a cualquier amante de los comics que entre en una librería especializada, un Salón del Comic, o un evento referido a la historieta.

En el ARTE entendido como se entiende habitualmente (arte de galerías, museos y demás), NO se dá esta posibilidad al espectador. Al menos, yo creo que no.
Evidentemente, existen los cuadros y hay y siempre habrá pintores, por ejemplo, pero el OFICIALISMO artístico los ha eliminado.
Hay muchos pintores jóvenes en Galicia cuya obra debería ser reconocida en esos canales oficiales (porque para eso están esos canales, no para un uso restringido a unos pocos, porque alguien lo ha decidido así)..pondría como ejemplo a Carmen Martín, Mario Iglesias, Sebas Anxo, Anxo Varela, Isabel Rey...) y muchos otros artistas que se buscan la vida como pueden y que siguen en su oficio, (y en otras cosas muy interesantes, como en el caso de Mario con el cine), pero que en el terreno del arte saben y asumen que tienen ciertas puertas cerradas, y que si hay algun evento oficial en el que se exponga o se promocione el arte que se hace en Galicia ellos nunca estrán allí.
Nadie entra a valora si el arte oficial es o no es arte, si lo que hay en los museos públicos y galerías satélites debe o no llevar ese nombre.
Pero es precisamente esa OFICIALIDAD la que es excluyente, y eso acaba siendo desmoralizador para un artista, y francamente aburrido para un espectador.
Yo creo que estamos perdiendo, o las administraciones culturales están perdiendo, una gran ocasión de hacer llegar una oferta de arte realmente plural al público, que además es lo que demanda.
Aquí llevamos meses o años discutiendo qué se va a hacer con la CIDADE DA CULTURA, cuáles van a ser sus contenidos, etc... Yo creo que yo se perfectamente (y cualquiera mínimamente honesto consigo mismo también lo sabe), que si este edificio se hace finalmente con la intención de albergar arte gallego, o al menos una parte de él se destina a ello, sabré sin tener que ir allí qué tipo de arte va a haber entre esas paredes..incluso acertaría nombres y apellidos, seguro, de quiénes van a estar, y también de quienes no, y también de quiénes van a decidir esa "selección" que tiene más aburrido y harto al público que la de Luis Aragonés.

La oficialidad, los lugares comunes, qué quieren que les diga, aburren a un santo.
Yo, como artista excluído de la oficialidad no me siento estafado (simplemente excluído)..me siento estafado como espectador, y a fín de cuentas como sufragador, como somos todos los ciudadanos.
Yo nunca establecería qué es lo que NO es arte porque eso sería un dogmatismo, un dogmatismo tan grande como el que ahora excluye el 90 por cien de la pintura de la palabra "arte".
En la Facultad de Bellas Artes pusieron mucho empeño en adiestrarnos en la idea de que "la pintura es algo anacrónico", que es "artesanía".
Pues bien, yo simplemente no lo creo así. Creo que hay obras conceptuales, objetuales, o de muchos otros tipos que sí son pura artesanía (muchas ni tan siquiera eso), y que mucha pintura es arte,...y otra mucha será artesanía, o algo hecho como puro ornamento, o mueble, por supuesto, pero eso no se puede extender a todo el concepto de "pintura" que es mucho más profundo que su pura concepción mecánica.
Además, es irónico y bastante revelador que quienes más convencidos estaban en la facultad de querer quitarnos de la cabeza la idea de pintar fueran los profesores de pintura (Samaniego, Meana, Jesús Hernández...)
Quienes hayan tenido la brillante idea de contratar a estos indivíduos deberían meditar unas cuantas cosas.

Pero ahora ya no estamos en la facultad desde hace mucho y bendito tiempo, y ahora son otros los que sufren esa estafa, y allá ellos si lo permiten.
El caso es que en el mundo OFICIAL del arte tembién existe esa exclusión, esa monopolización y esa tiranía estética que es innegable que existe.
Evidentemente, hay gente que sigue, que seguimos, pintando...No nos han exterminado (aunque a veces, en la Facultad, parece que lo deseaban), simplemente, los que manejan ese "circuito" nos han dejado fuera.
Y esto no es una actitud quejica, es simplemente una realidad...¿que tenemos que buscar vías alternativas para promocionar y hacer llegar nuestro trabajo?...ya lo hacemos, pero no creo, no creemos que el hecho de que sólo unos pocos monopolicen los recursos públicos destinados a una actividad sea una situación justa ni deseable, e insisto, sobre todo para el público.

¿QUÉ ES EL ARTE?

2007-11-17T17:13:00.000-08:00

Hace unos días participé en una mesa redonda sobre arte contemporáneo en la que se habló de una exposición en la que, en una galería, un artista había expuesto un perro vivo atado a la pared.
Su obra consistía en dejar morir de inanición al animal, y esa era la obra de arte.
En el "manual de instrucciones" (la justificación conceptual) que suele acompañar a este tipo de obras, el artista hablaba de la "hipocresía del público" que se escandalizaba ante algo así pero no hacía nada por evitarlo, y otras peregrinas ideas que pretendían dar empaque artístico a esta performance.
En el blog anxova.blogspot.com puede verse más sobre esto.
Pues bien, en la mesa redonda de la que hablo, los asistentes, repugnados ante las imágenes de dicha "obra de arte" se preguntaban cómo era posible que una institución, pública o privada, albergase y financiase algo así, siendo cómplice de algo tan brutal, y si no había una manera de definir "qué es arte" de manera que no tuviesen cabida este tipo de delitos, o cuanto menos actos producto de serias patologías , amparados bajo el nombre del arte.

Existe una corriente de pensamiento muy extendida que intenta sostener la idea de que nada es censurable dentro del arte, y que la libertad de expresión de un artista está por encima de todo.
La oposición a este tipo de obra, por ejemplo, sería considerada una especie de mojigatería intelectual o de censura o coartación hacia estos "artistas".
Tan extendida está esa idea entre una gran parte de la ciudadanía que muchas personas que reaccionarían de una forma tajante ante un hecho violento, vejatorio o incluso criminal, como es este caso, en un entorno cualquiera, se inhiben en el contexto de una galería, por miedo a ser tacahadas de censoras o poco amigas de la libertad creativa de algún cretino como es el caso de este artista del que hablo.
Yo estoy convencido de que existen personas que podrían ser capaces de presenciar torturas o agresiones graves en directo en una galería de arte sin intervenir, precisamente por estar en una galería de arte, pensando que el artista siempre está amparado por el hecho de que lo que hace es arte.
La pregunta es ¿puede afirmarse que torturar a un animal hasta morir NO es arte?.
Yo creo que por supuesto que se debe afrimar.
¿Tiene el arte límites?..por supuesto que sí.

Yo creo que el arte es algo perfectamente abarcable en su concepto. Todo el mundo SABE qué es arte o qué NO LO ES, aunque sea imposible, o verbalmente inconcretable definir qué es el arte.
Tampoco podríamos definir de manera precisa qué es el amor, aunque sepamos bien qué es este concepto.
La indefinición, digamos, precisa de un objeto o concepto no lo hace inexistente ni subjetivable hasta el punto de que cada uno se invente ese concepto.
El arte es algo profunda e indivisiblemente ligado a la CULTURA, entendido esto como las manifestaciones creativas, comunicativas y expresivas que se dan dentro de una civilización, de un contexto espaciotemporal determinado. Es algo sujeto a muchas circunstancias, muchas de ellas intangibles, como están sujetas otras manifestaciones de nuestra civilización, como la política o la organización social.
El concepto de arte está CLAVADO en nuestro ADN social y cultural, y por tanto cada individuo, como ser social que es, lo conoce muy bien.
No es cierto, ni de lejos, que la capacidad de poder juzgar la "aristicidad" de algo sea un don propio de una élite.
Sin duda, no todos tenemos la misma sensibilidad artística, como no todos tenemos la misma fuerza, aunque todo el mundo sabe perfectamente lo que significa el concepto de fuerza, pese a que, como todos los conceptos, sea dificil definir con palabras precisas sin pisar otros conceptos.
Pero esto no quiere decir que no SEPAMOS cuándo algo no es arte. Hay unos límites que un individuo tiene muy claros, porque están marcados en el "sensor" cultural que todos poseemos como personas que pertenecen a un grupo social que tiene un presente y un larguísimo pasado.

Un arte que da la espalda a este ADN social y cultural, que pretende ser "arte sólo para entendidos", que lo son en función de su insistencia en que ELLOS SÍ entienden y aprecian este arte, es un arte sin sentido, un lenguaje sin receptor real, un viaje a ninguna parte, una masturbación intelectual sin sentido.
Yo nunca intentaré definir el arte, porque creo que es inútil hacerlo..el lenguaje de las palabras es OTRO, y sus intersecciones con el lenguaje visual son pocas, o al menos demasiado pocas para establecer una definición escrita. Si es inútil intentar definir el color rojo sólo con palabras, o definir la nota "si" sólo con palabras, ¿cómo vamos a definir "arte"?...el arte es arte y punto..

Esa indefinición no convierte tampoco al arte en un concepto místico ni sobrehumano. El arte es algo tan profundamente limitado y terrenal como lo es el ser humano. No es algo que convierta a nadie en divino, simplemente es algo que hace nuestra vida mejor, como el amor, el sexo, el fútbol o las lentejas con chorizo.

Por todo esto, yo vuelvo a reivindicar el fín del miedo, del miedo del público a hacer caso de su interior, que es lo que vale de verdad, cuando se aproxima al arte. El miedo a guiarse de su propio sentido, que, en el caso de cada uno, es más valido que el de todos los críticos y gurús juntos.El miedo que uno no tiene cuando juzga una película o cuando recomienda un libro, o escucha una canción y dice que le gusta o no le gusta sin mirar a los lados temeroso de "estar diciendo una tontería".
Créanme los profanos: SÓLO los críticos, los "entendidos" y los "expertos" dicen tonterías..y muchas.

EL ARTE Y EL MUSEO

2007-10-21T13:15:00.000-07:00

La figura del museo en nuestra sociedad, al menos el MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO, que expone arte hecho por gente viva y activa, es cada vez más extraña, o al menos así lo percibe el ciudadano.

Parece que los museos de arte contemporáneo son una obligación para políticos, ya sean municipales, regionales o nacionales, y una medalla de la que ninguno quiere carecer.

Es muy interesante echar un vistazo al libro La Arquitectura del Poder, de Deyan Sudjic, editado por Ariel, que habla de cómo cierto tipo de edificios y grandes obras arquitectónicas, entre las que están esos grandes museos, surgen en muchos sitios como un símbolo del poder y de su supuesta implicación con las artes, lo cual siempre queda bien.

Hay casos en que la aventura de construir el monstruo sale bien. En Bilbao parece que fué así, aunque más bien porque fué el contenedor en sí lo que funcionó y funciona como obra de arte, y no siempre su contenido.

Pero si vemos ejemplos desgraciadamente más cercanos como A Cidade Da Cultura de Santiago, queda claro esta idea del político (en muchos casos paleto y populista a partes iguales) como seudo protector de las artes, construyendo obras faraónicas en pro del artemoderno.

Desde luego, con amigos así el arte no necesita enemigos. Este tipo de obras se conciben buscando un impacto electoral-social, basado en su espectacularidad y no en su contenido, lo cual casi nunca debe estar en manos de un político, por el bien de la humanidad, y menos del impulsor de la citada Cidade Da Cultura, nuestro ex conselleiro de Cultura, cuya única obsesión era que la biblioteca de esta museo tuviese un millón de libros y fuera "muy espectacular".

Todas las ciudades, e incluso pueblos, deben tener su museo moderno, y su auditorio preparado para óperas, aunque jamás se llegue a celebrar alguna en ese lugar. Es una cuestión de apariencias, de poder, en la que el arte siempre sale perdiendo.

El museo de arte moderno en general dista mucho de ser un museo VIVO, un centro de encuentro y ebullición de artistas. En el mejor de los casos se convierte en un abrevadero para artistas protegidos por el arte oficial de turno. En el peor, además de esto, se convierte en una carga para las arcas públicas y un espacio tristemente vacío y ajeno a los ciudadanos a los que está dedicado.

Salvo excepciones donde estos museos funcionan bien, la sensación que dan es más bien de desolación y de lejanía a unos parámetros artísticos reales, esto es, asumidos por el público.

El público siempre aceptará la calidad y la autoridad de Museos como El Prado, pero desconfía de museos de arte moderno cuya programación depende del gurú o comisario de turno, y no del posos que dan los siglos, y el estudio de la historia que se da en los museos clásicos.

El arteoficial de estos grandes museos se convierte así en un compartimento estanco, una especie de show ajeno al arte real, como los desfiles de los grandes modistos son ajenos a la moda a la que acceden o interesa a los ciudadanos de a pie.

Es parte de un CIRCUITO endogámico cerrado para la mayoría de los artistas.

Puede ser que el arte deba DEMOCRATIZARSE en verdad, es decir, salir de los espacios que se autoproclaman contenedores de arte.
Resulta interesante conocer experiencias como la de CARMEN MARTÍN, a cuya obra se puede acceder en la parte inferior del blog, experiencias que sacan el arte a la calle, lo acercan a la vida real de la gente.

El divorcio actual entre la cultura y el gran público es algo muy preocupante..una sociedad que carece o que rehuye el alimento para el alma que supone disfrutar del arte (pintura, escultura, cine, comics), y se refugia en una megaoferta de culturaparalasmasas que es más propia de un parque temático que del mundo real, corre el riesgo de enfermar como sociedad.
Ya nuestro sistema educativo no es un buen germen de inquietudes culturales..los contenedores de la cultura oficiales fallan, y la prueba es que cada vez hay más Casas de Cultura, más Museos, más oferta ...y menos cultura..cultura entendida de la manera más abierta posible, entendida como una oferta de la creación de la gente que crea cosas, directamente a la sociedad.
Por eso me parece interesante reseñar la iniciativa de Carmen Martín, artista de Ferrol, cofundadora con Anxo Varela de la Escola Aberta de Arte de Ferrol, y seguramente una artista que se ha dado cuenta de lo obsoleto y estanco de los circuitos habituales del arte..Museos, bienales, galerías, ...funcionando con el funcionamiento endogámico con el que funcionan, sólo caminan a su propia extinción o a convertirse en guetos para supuestos entendidos cuya única posibilidadde supervivencia es el dinero público.

Es en este caso, la artista la que sale al encuentro del público..pero no del público del "circuito", no del minipúblico de la cueva del artisteo, sino el PÚBLICO, esa gente que anda por la calle sin enterarse de que existe arte que le puede alegrar la vida, hacer sentir cosas, encender una llama en una parte de su ser que está al borde de la congelación.

Es bueno que los artistas salgan del armario..que reclamen para sí esos espacios consagrados al artisteo, o sino, que tomen la calle, que es de todos y es mucho más grande.

EL ARTE OFICIAL

2007-10-17T14:00:00.000-07:00

El arte oficial ha existido siempre.
Es el arte que los políticos, que el PODER ha protegido o sufragado, de uno u otro modo, de manera que se ha impuesto artificialmente sobre otras corrientes, al menos en los lugares donde el poder podía ejercer como tal: foros públicos tales como museos, grandes eventos...
Durante muchos siglos existió una oficialidad ejercida por poderes no democráticos: la iglesia, la monarquía, la nobleza y las clases dirigentes usaban el arte como un modo de distinción sobre la plebe.
Grandes artistas de la historia como Goya, Velazquez, Miguel Angel, Bernini, ..en fín, infinidad de artistas universalmente conocidos y adnirados no lo serían sin la promoción y universalización que para ellos supuso la mediación de un gran poder como la iglesia, el papado, o una monarquía poderosa.
Pero paradógicamente, este arte protegido por poderes despóticos era admirado por el pueblo, era un arte apreciado por sus contemporáneos.

El acceso a la cultura era de hecho algo complicado. Los libros eran series muy limitadas en poder de minorías poderosas, y las pinturas, retratos y esculturass también eran un símbolo de poder, igual que la buena atquitectura que ha perdurado hasta nuestros días.
Arte y poder siempre han ido de la mano y sería absurdo negar que esa unión siempre ha existido.
Sin embargo, la sensibilidad artística y la capacidad para disfrutar de las creaciones artísticas no son cosas que se puedan comprar. Que la iglesia o las monarquías sufragasen el arte no era impedimento para que la gente sensible a las artes pudiese disfrutarla en la medida que tuviera alcance a ellas.
El arte se hacía para una minoría, pero con un criterio artístico que compartía la mayoría de la sociedad, un criterio emanado de la pura sensibilidad personal de los artistas, aunque trabajaran para una iglesia, por lo que se ve bastante más tolerante que la actual en aspectos estéticos (dudo que Benedicto XVI pagase a un artista actual para que le llenase la cúpula del Vaticano de pinturas de gente en pelotas).

Las democracias actuales también tienen un arte oficial y protegido, pero con criterios muy diferentes a los del pasado.
La globalización, las posibilidades de reproducción, seriación y emisión y difusión de contenidos culturales de todo tipo ha democratizado mucho la creación cultural, el arte en sí mismo.
Hoy no hace falta ser rey para que te retraten. Todo el mundo tiene una biblioteca aunque no sea el papa, y cualquiera puede admirar las mejores obras de arte de la historia de la humanidad por unos míseros cinco euros que vale entrar a un museo.
La democratización del acceso al arte es algo maravilloso, una bendición, pero a mucha gente la democratización de las cosas no le hace ninguna gracia.
Que el arte fuese antaño algo reservado a élites es algo que las actuales élites, o los que no son élites pero creen serlo, o aspiran a serlo, no quieren perder como una de sus prebendas.
Así que estas élites de andar por casa, ya que no pueden restringir el acceso al arte, ya que la universalización de ese acceso es imparable, pretenden coger el atajo más fácil: restringir el concepto de arte: intelectualizarlo y encriptarlo de manera que la plebe no lo entienda o no sea capaz de ver arte en él.
Así, vemos en estos grandes eventos sonadas cantadas que pretenden perpetuar este divorcio forzado entre el público y la élite cultural que estos individuos sueñan con ser: que si en la Bienal de Venecia de nosécuando unas fotos fueron el premio de escultura, que si la mierda enlatada es arte, que si un tiburón disecado es arte..siempre intentando dar un paso más allá en esta ridícula performance que trata de alejar un poquito más el arte oficial del criterio del público de a pie, al que se falta al respeto pretendiéndole hacer pasar por idiota o por inculto.
Cuando uno se paga sus caprichos puede hacer lo que le da la gana. Puede comer mierda por kilos, merendarla e incluso cenarla, pero lo que no se puede pretender es jugar a ser enfant terrible con el dinero de los demás.
Que una galería de arte privada exponga este tipo de arte cuya única (y ya de antemano fracasada) vocación es huir a la desesperada del criterio artístico de la gente me parece fenomenal. Que lo haga un museo o institución público donde es esta gente la que mantiene en pie esa institución oficial me parece inaceptable desde todos los puntos de vista.

No sólo es una falta de respeto a ese público, sino a los artistas. Por artistas me refiero a los creadores que intentan crear, hacer cosas que sacan de sí mismos, y no de la simple necesidad o intención de mimetizarse en ese arte oficial, dictado por críticos que tratan de formar parte de esa élite intelectual de la que hablaba. Ese tipo de artistas que hacen lo que se adapta a esa oficialidad no pueden ser llamados artistas.
Además, que yo sepa, ningún poder ha subvencionado jamás ni lo hará la subversión, el rupturismo o la vanguardia. Yo no me creo la vanguardia subvencionada. Para empezar, yo no me creo ni la palabra vanguardia.

Ser la élite ahora en un sentido artístico no consiste en ser papa o monarca, porque el arte está al alcance de cualquiera. Así que ahora ser la élite consiste en apreciar, o decir que aprecias, algo que en realidad sabes que es una puta mierda, que carece de interés, y cuyo autor carece de talento y sensibilidad. Si lo tuviera, otra mucha gente lo apreciaría y entoces ya no serías parte de esa élite de adoradores de mierda enlatada.
Esto es un poco como el anuncio de Movistar, en la que un tipo se queja de la democratización (por precio ) de un producto telefónico y de que ya no es el único que la tiene, así que se tiñe la barba de verde y, entonces sí, ya es el único español con barba verde que tiene ese producto.
Lamentablemente, este individuo no es producto de un chiste. El anhelo de exclusividad y distinción es algo inherente a una gran parte de la sociedad, hay mucho individuo acomplejado y enfermo por el mundo. La misma publicidad que aquí parodia eso, vende la exclusividad infinidad de veces como una cualidad que da valor intrínseco a un producto.
A mi personalmente, y perdonen la expresión, me importa tresmilmillones de cojones que algo que yo tenga lo tenga yo sólo o lo tenga todo el vecindario, o todo el planeta, o que si yo aprecio o disfruto de algo, los demás disfruten también. Pero hete aquí que existe gente, (que de exclusivo no tienen ni eso, porque de gilipollas también está el mundo lleno) que sólo aprecia algo en la medida que los demás no puedan hacerlo.
Y es esa clase de tipos los que se han encaramado al arte oficial y subvencionado, restringiéndolo a un club de tíos con barba verde.
A ello contribuye una clase política que mira para otro lado, sabedora o no de la impostura, pero indiferente a ella, porque la cultura en el fondo, a todo el mundo le importa bastante poco.
Se da la enorme paradoja de que en la actualidad ya no hay (o eso parece) gobiernos despóticos, sino democráticos, y esos gobiernos emanados del pueblo pagan y protegen un arte que el pueblo no considera como tal, y que si se sometiera a sufragio, seguro que se negaría a pagar.
¿tendrá que volver a haber faraones, nobleza y plebeyos, papas con poder supranacional, o gobiernos despóticos para que en los museos nacionales "contemporáneos" dejemos de ver mierda y veamos arte?
¿O simplemente será cuestión de INTENTAR, al menos, que en esos museos que todos pagamos haya arte que todos apreciemos?

EL PAPEL DE LA ACADEMIA

2007-09-23T07:39:00.000-07:00

Si echamos un vistazo al arte actúal, entendiendo como arte, insisto, el ARTE OFICIAL, el que se supone que pagamos todos con nuestros impuestos, no el concepto personal y libre que cada uno tiene del arte, nos topamos con otro factor que se añade a esa oficialidad del arte anti-arte, anti-belleza y anti-pintura.
Se trata de la ACADEMIA, las Facultades de Bellas Artes.
Yo tuve ocasión de ser alumno de una de ellas, la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, dependiente de la Universidad de Vigo, de la que formé parte de la primera promoción.
No puedo decir que por mala suerte porque allí conocí a muchos amigos, a muchos de ellos los considero grandes artistas, y ya sólo, y única exclusivamente por eso, me siento afortunado de haber asistido.
En lo que respecta a la situación académica de la facultad, y supongo que de otras muchas academias cuyo objetivo es enseñar "arte moderno", mis recuerdos no pueden ser más nefastos ni mi impresión más pobre.
Esta facultad se creó con la vocación de ser la más moderna de España..la intención de ser más moderno que nadie es uno de los signos externos que delatan a un paleto. Y en una facultad, esa intención denotaba un tufo provinciano y cutre bastante penoso.
Lo curioso es que los primeros miembros de la Facultad, el primer decano, era un miembro destacado del Opus Dei. Lo que puede entender esta buena gente por "modernidad" es, desde luego, como para ponerse a rezar.
El caso es que en la facultad de la que hablo, comenzó una enseñanza del arte basada en y sólo en los preceptos más radicales de una supuesta modernidad mal entendida, preceptos que nadie podía ni osaba discutir.
Para empezar, en la materia de Historia del Arte, el profesor Antón Castro, un afamado crítico que hoy dirige el Instituto Cervantes de Milán, negaba al alumnado el aprendizaje y estudio de los clásicos. Sus clases de Historia abarcaban sólo el Siglo XX.
Su obsesión era todo lo que pudiese llevar la etiqueta de vanguardia, y los artistas como Duchamp, Beuys, Manzoni, etc.
Esta clase sólo era la punta de lanza ideológica de todo un profesorado obstinado en despreciar ya no digo la figuración, sino toda la pintura y escultura que entroncara mínima o lejanamente con su concepción clásica, abrazando las corrientes artísticas conceptuales-objetuales, nacidas con el dadaísmo, de negación del arte clásico, del arte como búsqueda de belleza o como expresión de sentimientos.
En su lugar proponían (imponían) una concepción del arte basada en la intelectualización (lo que para ellos será intelectualización, para mí desde luego no), y el hacer artístico basado en preceptos de teóricos y críticos, nuevos gurús del arte a quienes estos profesores de medio pelo se querían parecer.

Cualquier intento o demanda por parte del alumnado de recibir enseñanzas técnicas sobre métodos de escultura, pintura,..era contestada con desdén por el profesorado, que prefería convertir las aulas en una especie de puntos de debate, donde no se debatía nada porque todos les daban la razón en sus pajas mentales, y los que no lo hacíamos eramos duramente reprendidos por ellos, y por la triste materia en la que se convirtieron la mayoría de compañeros, ansiosos por subirse al carro de un arte que prometía que cualquiera era un artista y que no había que esforzarse para hacer arte.
Ese fué el panorama durante cinco años..Recuerdo que una profesora, Yolanda Herranz, cuya obra artística supongo que puede ser consultada en la red, (y si alguien la ve no hará falta decir más), me preguntó el primer día, así en plan Pedro Ruiz, qué es lo que había ido a buscar a la Facultad y en concreto qué esperaba de sus clases de escultura. Cuando le dije que me apetecía aprender a soldar hierro me espetó que me había confundido de lugar y que me fuera a Artes Y Oficios, que allí se aprendía "a pensar".

Que a personas adultas les digan que les van a enseñar a pensar acojona mucho. Yo creo que la mente de todos funciona sóla, que una facultad debe poner a disposición de los alumnos herramientas, técnicas, y pocedimientos, y promover un DEBATE arístico (pero de verdad), entre sus alumnos DEJÁNDOLES TRABAJAR y desarrollarse sin imponerles enfoques particulares ni sesgados del arte..eso NO ES enseñar a pensar. En todo caso es ADOCTRINAR, que es muy distinto.

Pero esa maldita obsesión de ADOCTRINAR a los alumnos de las nuevas Facultades en el arte MODERNO, odioso y temeroso del pasado del arte, es en sí misma una brutal estafa.
Si una persona cree que el arte no busca la belleza, que el arte no depende de aprendizajes técnicos ni de trabajos de taller, y que todo el mundo es artista..¿porqué trabaja en una facultad de bellas artes?.
Los alumnos no fuimos allí ni pagamos cinco años de matrícula para oír eso, fuimos a aprender cosas que nadie nos quiso enseñar.
Sospecho que el apego de muchos profesores a esas teorías anti.artísticas, y hacia las bonanzas del mundo modernoide, esconde en verdad una auténtica incapacidad de unos seres para transmitir algo que no tienen. Eso les hace incluso tener una actitud de recelo y desprecio hacia el talento y la sensibilidad artística, que es como el niño de El traje nuevo del Emperador, dispuesto a dejarles en pelotas con una sóla palabra.
La propia subsistencia de este tipo de enseñanza de arte anti-artístico, que entronca con la oficialidad plomiza actual, exige pues perseguir el talento y dudar de él como de una peste que puede dejar a muchos en la calle, sin el chupadero que se han montado durante años y años, en los que la sociedad se ha aburrido de tener que venerar, en los museos que paga, un arte que considera una mierda, y de recibir clase en las facultades de arte que sufraga, de todo menos de arte.

2007-09-22T08:35:00.000-07:00

¿POR QUÉ TENEMOS MIEDO A HABLAR DE ARTE?

2007-09-21T07:25:00.000-07:00

Desde que somos pequeños hacemos dibujos sin que aparentemente medie un objetivo en ello: nos expresamos gráficamente o creamos objetos con el deseo de expresar o comunicar algo .¿quién no ha hecho algún dibujo o construído un objeto para regalar a su padre o a su madre cuando era un niño?.
Esto podría considerarse un incipiente sentido artístico, un impulso a la creación que está en todos nosotros.
La pulsión que nos empuja a crear y a dibujar la llevamos dentro, y sólo la adultez, los prejuicios hacia el trabajo creativo, que muchos consideran algo ridículo o infantil (allá ellos) y otros algo sólo para iniciados o "mañosos", alejan a una mayoría de personas de esa querencia por la creatividad propia.
Hay muchas maneras de expresarse, de mostrar nuestro interior a los demás. Renunciar a dibujar y a crear con la llegada a la adultez debería ser algo tan inexplicable como renunciar a la palabra, a hablar.
Yo, en este sentido creo que una persona que renuncia a su propia capacidad creativa y "artística", con todas las reservas que tiene esta palabra, será siempre una persona incompleta, que no se ha realizado en un sentido en el que el cuerpo le pedía haberlo hecho, y que se ha condenado a una carencia sin más motivo que un falso dogma de fé social que atribuye el arte y todo lo que conlleva sólo a "entendidos".

Es la palabra "arte" lo que parece dar miedo. Cuando uno es un niño no tiene miedo a dibujar. Cuando crece y sospecha que lo que está haciendo puede ser arte, o ser comparado con el arte, o juzgado con los parámetros del mismo, surge el freno y el anquilosamiento..se considera que sólo un "artista" puede coger un lápiz, o un pincel, o crear un objeto, y que sólo un crítico o un "experto" puede opinar sobre este tipo de expresiones. Abandonamos ese camino que iniciamos de niños..es paradógico que muchos artistas confiesen que buscan en el arte y en la creación las cosas que los niños encuentran sin dificultad.

Si la palabra ARTE no estuviese ondeando como una bandera sobre las artes plásticas no producirían ese miedo.. Nadie se siente coaccionado para opinar o hablar sobre una película que haya visto. Al contrario que sucede con el dibujo, pocas personas han tenido un contacto real como sujeto activo, con el mundo de la creación audiovisual..y sin embargo, salimos de ver una película y siempre salimos opinando sobre ella sin ningún rubor, aunque en nuestro grupo de amigos haya alguien que haya trabajado o trabaje en cine y por tanto sepa del asunto mucho más que nosotros.
Esa misma soltura y bendita libertad de opinión no existe en el caso de una exposición de "arte". Al salir, nadie quiere ser el primero en opinar, y cuando lo hace, se escuda tras coletillas del tipo: "..bueno, yo creo que tal y cual....aunque yo no entiendo de esto, eh que conste", o " a lo mejor estoy diciendo una burrada, pero yo creo que...", o "yo de esto no entiendo"..
Si la exposición es una mierda, como ocurre en muchas ocasiones en las que se nos presenta algo como "vanguardista" o "rompedor" a estas alturas del cuento, todos los expectadores de esta supuesta pandilla pensarán que es una mierda, pero dios libre a alguno de decirlo...hasta que alguien dé el primer paso y diga "joder, vaya mierda de exposición"..
Entonces, parecerá que has leventado la puerta de una jaula, que has liberado del yugo a unos mihuras..todos empezarán a clamar, a gritos, que tienes razón, que era una PUTA MIERDA, que habría que matar al que puso ahí esas "obras de arte", y otras lindezas por el estilo..
Si pensaban así, ¿porqué no lo decían antes?¿porqué callaban?¿a quien temen?..
Bueno, en el caso hipotético-real de que hablo también está la figura del MODERNO PRUDENTE, que no dirá que la exposición era una mierda (aunque lo piense), y dirá que "hay que respetar todas las sensibilidades artísticas".
Yo respeto todas las sensibilidades, pero sobre todo, respeto LA MÍA, y todo el mundo debe hacer lo mismo. El arte está hecho para ser disfrutado, para llegar al espectador como el flechazo del amor, sin intermediarios ni manuales de instrucciones. Si necesitamos una u otra cosa para captar o sentir algo ante lo que vemos, no lo dudemos: no estamos viendo arte. Estamos viendo la "obra" de alguien que se apoya en textos teóricos o escritos o teorizaciones de críticos para hacer un "arte de vanguardia" que cumpla los cánones (cuando el arte de vanguardia nunca buscó cumplir cánones sino romperlos, y cuando es el teórico de arte el que debe hablar de la obra del artista y no al revés)

2007-09-20T07:37:00.000-07:00

TEÓRICOS Y ARTISTAS

2007-09-19T05:31:00.000-07:00

Quizá uno de los grandes problemas del arte moderno y su divorcio de la gente ajena al "arte" sea la irrupción y el estancamiento en la cúpula decisoria de los grandes eventos artísticos de un elemento que en principio no debería estar ahí: LOS TEÓRICOS.
La crítica, la teorización y el análisis artístico es un bien necesario, que ha de ejercer como puente entre los artistas y la sociedad, pero sólo en determinados foros como los medios de comunicación, donde la obra no esté presente para hablar, en su propio lenguaje, DIRECTAMENTE al espectador.
Si la labor analítica del crítico se extralimita y se le concede una capacidad de decisión y selección de artistas, hasta el punto de que de tal manera y en un medio plazo, sean los críticos y analistas los que pasen a marcar tendencias desde puestos de poder que no deben tener, y que deben corresponder a artistas experimentados o a personas que conozcan el arte desde dentro, y no desde la teorización, o lo que es peor, desde la opinión.

Por poner un ejemplo fácil de entender, el hecho de que críticos y teóricos dirijan Museos, Bienales y eventos artísticos de masas en los que (se supone) deben acudir los artistas más interesantes, es algo así como si los seleccionadores nacionales de fútbol comenzasen a ser comentaristas deportivos y no deportistas profesionales.
No es algo tan descabellado ni difícil de imaginar. Supongamos que algún día la selección de baloncesto se queda sin entrenador, y la federación pone en su lugar a Andrés Montes, (el calvo de la Sexta, tan simpático él)..
Nadie duda que este tío sabrá un montón de baloncesto, que conocerá a todos los jugadores como si fuesen de su familia, y que habrá estado en miles de partidos...a cincuenta metros de la cancha y sentado en su silla...pero si algún día se diera la circunstancia de que este hombre desplazase a los profesionales del baloncesto y se dedicase a entrenar a los jugadores, (o si Jose María García entrenase a los de fútbol, por poner otro ejemplo) todos tendríamos la sensación de que se habría cometido un atropello o cuanto menos, una SUPLANTACIÓN.
Los comentaristas tienen su papel, y está muy claro: comentar, hablar, analizar...nunca decidir sobre el terreno del que son espectadores, donde hay gente infinitamente más preparada para hacer ese papel. Aunque a veces sus opiniones tengan un peso que lleve a los realmente maestros a tomar decisiones asesorados o a veces presionados por ellos, lo cual tampoco es una situación deseable.

Primero es el huevo y luego la gallina (digo yo)..Es el crítico o teórico el que debe analizar la obra del artista, y no el artista el que debe crear en base a la literatura de un teórico, que es lo que acontece en estos tiempos.
Esto es algo que ya denunciaba en su día Tom Wolfe en su libro LA PALABRA PINTADA.
El libro ya tiene sus años, y refleja la situación del arte en Estados Unidos durante los 70 y 80, en la que los artistas (del "circuito") eran meros escribientes de las teorías estéticas de unos teóricos que habían alcanzado ese poder.
Las consecuencias de ello eran más que previsibles: una creación artística (supuestamente) intelectualizada, autoreferencial, un callejón sin salida de arte hecho para "entendidos", que aludía al intelecto y a lo ya conocido por una élite, y no al alma, a los sentimientos, a la pasión, o como le quieran llamar, que es a donde se dirigió siempre el arte.

Como en nuestro país vamos treinta años retrasados para lo bueno, y sobre todo para lo malo, con respecto al mundo desarrollado, esa realidad que descarnadamente desenmascaraba Wolfe está ahora instalada aquí como una desgraciada normalidad.

Podría poner muchos ejemplos de teóricos encaramados a este poder, que por simple humildad, deberían rechazar..Uno de ellos es el que fué COMISARIO (odio esta palabra) de la "expedición" española a la Biennale de Venezia de 2007, Alberto Ruiz de Samaniego, y otro Fernández Cid, director del Museo de Arte Contemporáneo de Galicia, en Santiago.
Ambos son viejos conocidos de los que fuimos alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.
No negaré su valía como teóricos y/o analistas. Sí, y de un modo tajante, como decisores o seleccionadores de artistas contemporáneos.
Ruiz de Samaniego fué mi profesor de PINTURA en 5º curso de la ESO (otra usurpación). En su programa docente del curso 94-95, cuando fuí su alumno, (un documento que cualquiera puede obtener solicitándolo a la Facultad de BBAA), afirmaba que para él y su compañero Meana "la pintura es la actividad artística nacida a principios del siglo XX, con la liberación de los soportes tradicionales"..

Toma ya...Así es que Van Gogh, Manet, Velazquez, Goya...¡No eran pintores!..claro, los pobres estaban atenazados por un soporte, aún no se habían inventado formas artísticas más genuínamente pictóricas como la performance o el body art..No hace falta adentrarse en analizar mucho esta afirmación, pero sí el hecho que evidencia: a este tipo no le gusta la pintura.
Esto nos quedó aún más claro después de ser sus alumnos. Era evidente que la concepción de este hombre del arte era absolutamante sesgada (con todo su derecho a ello), y dependiente de las bases teóricas que él mismo se había construído a imagen y semejanza de los dictados de la tendencia marcada por los gurús del momento,...otros como él, pero más importantes.
La pregunta que a mí me asaltaba es: si a este tío no le gusta la pintura, ¿porqué me quiere dar clase de pintura?..¿y porqué se niega al mismo tiempo a reconocer a la pintura como arte?
¿está loco?¿su incoherencia es parte de su discurso teórico?¿quizá era una performance?..o simplemente era una actitud de huída ante la evidencia de ocupar un puesto de trabajo para el que uno no está formado ni capacitado?
¿porqué no nos dió clase de pintura un pintor?
y más aún..¿porqué decide este tío qué artistas españoles deben estar en la Biennale?¿cómo es posible que alguien que no es ni ha sido jamás un artista tenga esa responsabilidad?

Otro caso similar es el de Fernandez Cid. Otro teórico poderoso dirigiendo un Museo. No dudo de su valía como teórico, pero no es ese el problema..el problema es que decida qué artistas deben exponer en un Museo público, que todos pagamos, un hombre que no tiene una capacidad para ello, por la sencilla razón de que él no es un artista. Debería estar escribiendo crónicas, críticas, ensayos, ..lo que quiera, sobre este museo y sobre otros, pero no dirigir uno.

Además, lo que suele suceder cuando a alguien se le da un poder que le sobrepasa es que ABUSE de ese poder. El tal Fernández Cid era profesor cuando tuvieron lugar las sonadas revueltas en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. El entonces delegado de alumnos, nuestro representante, tuvo una discusión con Fernández sobre temas del (mal) funcionamiento de la Facultad.
Este compañero puso en evidencia estos desaguisados ante los medios de comunicación, y Fernández le espetó: "olvídate a partir ahora de ser alguien en el arte gallego".
El caso es que el citado compañero, y amigo, sí es alguien en el arte gallego, y ya lo era entonces, pero este exabrupto del TEÓRICO, entonces profesor de estética, pone en evidencia su convencimiento (y encima, equivocado), de poseer el poder de poner y quitar, de decidir éxitos de artistas, en cuyo trabajo él sólo es un intruso.

Éste es el verdadero problema: la USURPACIÓN que ejerce esta estirpe de gurús-curators-comisarios-teórico-críticos-no artistas, que ostentan un poder que corresponde a otros, e imponen así una férrea dictadura estética de lo falsamente elitista, de la obra alejada de lo clásico por narices, de las FEAS ARTES, y sobre todo, de lo aburridamente mil veces visto y encima anunciado como rupturista y vanguardista.
El ombliguismo de esta especie ha llevado al arte a una ruptura con el público, y al artista (al de verdad), a un estado de aislamiento que acepta como normal cuando no lo es en absoluto.
Si hay Museos públicos, si hay dinero público para el arte..este debe ser para los artistas, para la creación y para la muestra al público de un arte que aprecie como tal.
El papel de los teóricos es entrar, bolígrafo en mano, y escribir sobre lo que ven . Y punto.

2007-09-18T11:52:00.000-07:00

¿QUÉ HA PASADO?

2007-09-15T12:04:00.000-07:00

Hubo un tiempo en que los artistas tenían una importante labor, casi una responsabilidad: OBSERVAR el mundo, y mostrar su BELLEZA a través de su obra.
Ser los ojos del pueblo, y mostrarle la realidad a través de su mirada, de manera que a través de los artistas, la gente pudiera "ver" el mundo, y no sólo mirarlo.
Las cosas siempre habían estado ahí, el artista sólo las interpretaba y moldeaba, las mostraba tamizadas por "algo", llámesele como se quiera..talento, sensibilidad, lo que sea..lo mismo que hace un músico con los sonidos, ordenarlos en una búsqueda de un ideal de belleza que el ser humano lleva impreso en su adn cultural y social.

Hoy en día parece casi un atrevimiento decir que la misión del arte es en esencia la búsqueda de la belleza. Sin embargo, esto es algo que yo creo que ha sido, es y siempre será así. El arte, como conexión de los seres humanos con esa búsqueda, intrínseca en el ser humano, ha sido y es una necesidad, un alimento para el alma.
Los artistas siempre han sido reconocidos como los portadores de ese faro que da luz sobre una realidad que sería sombría y gris sin su presencia.
El estudio de las civilizaciones ha tenido siempre muy en cuenta, más en cuenta que muchas otras consideraciones, EL ARTE de esas civilizaciones, para poder entenderlas mejor, y reconocerlas como parte del devenir que es la historia de la humanidad.

Sin embargo, algo sucede desde mediados del siglo XX y en estos inicios del XXI, cuando resulta tan evidente ya el cisma, el creciente abismo que separa el ARTE, entendiendo éste como arte "oficial", y el PUEBLO, entendiendo este en un sentido global.
No es muy extraño que entremos en uno de los cientos de Museos de Arte Contemporáneo que se han construído atropelladamente en estos últimos tiempos, y lo encontremos desoladoramente vacío, con la sóla presencia de guardias de seguridad que nos comentan socarronamente que no saben si vigilar los extintores o unos montones de arena, cajas o instalación similar que alguien ha decidido, apoyado en subvenciones públicas, que sea una obra de arte.
En cambio, si nos pasamos por Roma, aunque sea en temporada baja, veremos que las colas para ver la capilla Sixtina siguen midiendo kilómetros, que el Foro Romano jamás está vacío aunque caigan chuzos de punta...Si vamos a Egipto comprobaremos que ni las amenazas de atentados disuaden a millones de turistas al año..Y en Madrid, el vetusto Museo del Prado siempre recibirá cien visitantes por cada uno que entre a uno de los museos donde supuestamente se exhibe arte "contemporáneo"...

Parece que las ganas de ver, de SENTIR, de acercarse al arte no han muerto, y que jamás morirán..y parece, más bien es una evidencia, que los museos y fastos del llamado ARTE CONTEMPORÁNEO no cumplen ni por asomo con esta demanda, que están muy lejos de ser un lugar donde la gente busque ese ALIMENTO PARA EL ALMA que todos, siempre, necesitaremos.

¿Qué ha pasado, entonces, en el mundo del arte? ¿Es el género humano estúpido hasta el punto de NO SABER APRECIAR el arte de su propio tiempo y sí el del pasado? ¿Es demasiado cara la entrada a los museos? ¿La culpa es, quizá, del fútbol?..¿porqué este divorcio, inédito en la historia, entre las artes y las personas que están llamadas a disfrutarla?..¿No podría ser que el arte oficial, el arte que se nos ofrece como CONTEMPORÁNEO, no es considerado ni reconocido por el público (que lo paga) como arte? ¿no será que el arte MODERNO ha basado por demasiado tiempo su discurso en teorías presuntamente rupturistas e intelectualizadas que NUNCA han conectado más que con una minoría de ombliguistas que realmente no saben hacer arte, pero se han encaramado a ese "funcionariado" de élite favorecido por Ministerios de Cultura liderados por políticos poco formados y acomplejados?
¿No será hora ya de replantarse ciertos conceptos sobre los Museos, grandes eventos artísticos (Bienales, Documentas y Arcos) y "vanguardias" y aceptar que nos hemos metido en una camino sin salida, del que la única salida es dar marcha atrás?..

2007-09-14T08:06:00.000-07:00